ART ROCK MAGAZINE

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30 anos da Besta

2011-01-06T12:29:00.006-02:00

Depois de quatro anos sem nenhuma expectativa por parte dos fãs, eis que “IRON MAIDEN: 30 Years of the Beast” surge no mercado editorial brasileiro. A obra, que é uma biografia não autorizada de uma das maiores lendas do metal mundial, foi escrita pelo jornalista Paul Stenning, um reconhecido colaborador das principais revistas de heavy metal da Europa. Embora possua uma série de adjetivos favoráveis na sua contracapa, o livro está longe de ser o registro definitivo e mais detalhado sobre a carreira da Donzela.

Em uma iniciativa pioneira em nosso mercado, a Beast Books desponta como a única editora especializada em livros de rock e heavy metal do país. O seu primeiro lançamento não poderia agradar mais os fãs da música pesada: a biografia de Paul Stenning é a primeira a tentar contrapor a obra “Run to Hills” – o registro oficial e completo (com mais de quatrocentas páginas) sobre a carreira do IRON MAIDEN – assinada por Mick Wall, outro famoso escritor dos astros do rock. No entanto, “30 Anos da Besta” peca por uma série de motivos. Embora possua o rótulo de não-autorizada, Stenning não soube explorar os aspectos mais controversos da trajetória de Harris & Cia. e construiu uma análise superficial sobre a história da Donzela.
Com uma quantidade interessante de entrevistas realizadas com quase todos os integrantes da banda nos últimos vinte anos, Paul Stenning se aproximou, posteriormente, aos ex-membros e roadies do Iron Maiden para construir o seu ponto de vista sobre a história do grupo. O relato do escritor inglês inicia – como não poderia ser de outra maneira – a partir do interesse de Stephen “Steve” Percy Harris pelo rock n’ roll. Embora apenas mencione a carreira do músico iniciante com o GYPSY’S KISS e o SMILER (nos primeiros anos da década de setenta), é a primeira formação da Donzela – Paul Day (vocal), Terry Rance e Dave Sullivan (guitarras), Steve Harris (baixo) e Ron Rebel (bateria) – que serve como pontapé para a obra.

Entre os primeiros shows no Ruskin Arms e no Cart and Horses, não existe nada em “30 Anos da Besta” que possa ser chamado de inédito para os fãs mais fanáticos. Entretanto, muitos dos pontos abordados ainda podem ser uma novidade para os mais novatos – e o conflito Iron Maiden vs. punk rock é o mais notável desse repertório à parte. De qualquer modo, Stenning prejudicou a obra por não aprofundar os episódios de bastidores da Donzela, que cercaram os primeiros espetáculos, o EP “The Soundhouse Tapes” (que chegou a ser roubado) e os detalhes do contrato com a EMI. No entanto, as entrevistas com o ex-baterista Thunderstick (e ex-companheiro de Dickinson no SAMSON) e o ex-tecladista Tony Moore, que atuaram com a banda na década de setenta, até podem ser relevantes para um preenchimento diferenciado da obra.

Por outro lado, ninguém precisou ser um gênio para reconhecer, desde os primeiros dias de banda, o comprometimento que Steve Harris tinha quanto aos próximos passos que o IRON MAIDEN daria no futuro. Claramente, Harris possui uma destreza ímpar para os negócios e a Donzela é a maior prova disso. De outro lado, Rod Smallwood – que se tornou o empresário da banda – vendeu a sua casa para que pudesse investir com mais recursos no nome que despontava frente à NWOBHM. Paul Stenning, que preferiu dividir os capítulos de “30 Anos da Besta” conforme os discos do IRON MAIDEN (um para cada álbum), preencheu a obra com análises e comentários sobre as músicas sem abordar questões inéditas e/ou polêmicas. Nos dois primeiros anos com a EMI, as saídas de Dennis Stratton e Paul Di'Anno parecem vistas com um olhar muito distante, sem considerar os conflitos dos dois músicos com o restante da banda. Na realidade, Stratton foi demitido por não ser um guitarrista de heavy metal. Do outro lado, o vocalista – que constantemente se envolvia com drogas e com a polícia – comprometia a carreira do IRON MAIDEN com o seu comportamento.

De um modo parecido, a entrada de BRUCE DICKINSON na banda – cercada por uma tensão com Paul Samson (o homem por trás de sua ex-banda) – impossibilitou que o cantor gravasse com a sua nova banda entre setembro de 1981 e abril de 1982. Embora cite esse e quase todos os outros contratempos que o Iron Maiden enfrentou durante as turnês Beast on the Road e World Piece Tour, Stenning, mais uma vez, deixou muitos dos aspectos controversos da Donzela em menor tamanho dentro da obra. Dickinson, que começou a dar indícios do seu descontentamento com as extensas turnês (e acenar para uma saída do grupo), aparece com certo destaque em “30 Anos da Besta”. No entanto, o primeiro show do Iron Maiden na América do Sul – no primeiro Rock in Rio, para um público estimado em duzentas mil pessoas – sequer possui uma referência dentro do livro. Por outro lado, o autor analisa os discos com uma nítida paixão de fã e aponta “Piece of Mind” (1983) como o melhor registro de Harris & Cia até hoje.

Embora possua uma sequência de esquecimentos relevantes para a obra, “30 Anos da Besta” consegue construir, principalmente, um relato interessante sobre a trajetória de BRUCE DICKINSON frente à banda, sobretudo a partir de “Somewhere in Time” (1986) – disco que evidenciou os interesses musicais opostos do cantor e do restante dos músicos. Claramente, Paul Stenning aproveita o capítulo sobre esse álbum para caracterizar como extremamente importante as capas assinadas por Derek Riggs para a consolidação da marca Iron Maiden em todo o mundo. Entretanto, o escritor não aproveitou o capítulo seguinte para detalhar quais foram os conflitos musicais internos que culminaram na saída de Adrian Smith, pouco antes de a banda iniciar a produção de “No Prayer for the Dying” (1990) – um dos mais controversos discos do grupo (e que é muito elogiado por Stenning).

De uma forma desnecessária para uma biografia como essa, o escritor explicita demais o seu ponto de vista sobre a qualidade das músicas da Donzela, enfatizando uma análise bastante íntima quanto aos registros de estúdio do Iron Maiden. A história do grupo, supostamente sem nenhum tipo de censura, acaba sendo apresentada em segundo plano ao longo do livro. Em “30 Anos da Besta”, Stenning sequer comentou as suspeitas de plágio que até hoje ainda cercam “2 Minutos to Midnight”. Ele tampouco buscou desmembrar e contextualizar os conflitos que existiram entre BRUCE DICKINSON e Steve Harris durante a turnê de “Fear of the Dark” (1992), que quase ocasionaram o fim precoce da banda. De outra forma equivocada, o escritor preferiu dedicar uma sequência de páginas para contar os primórdios do WOLFSBANE, sem ao menos mencionar o sério acidente de moto que BLAZE BAYLEY sofreu em fevereiro de 1994 – que atrasou por cerca de três meses as gravações de “The X-Factor” (1995).

Os conflitos, que deveriam ganhar uma nova perspectiva em uma biografia que se diz não-autorizada, são sempre mostrados de modo raso e rasteiro. Da mesma forma que os outros dois vocalistas que o antecederam, BLAZE BLAYEY não deixou a Donzela amigavelmente, como os relatos oficiais tentam apontar. Os constantes erros do cantor ao vivo, assim como o fracasso que se acentuou ainda mais em “Virtual XI” (1998), definitivamente resultaram na demissão precoce de Bayley. Paul Stenning – ao invés de explorar os motivos, dentro da própria banda, responsáveis pela perda de popularidade (em nenhum momento aceita um novo encaminhamento sonoro do IRON MAIDEN) – prefere considerar uma possível morte do gênero metálico, não pelo grunge e pela ascensão do NIRVANA na década anterior, mas pela postura polêmica que o Metallica assumiu anos depois.

Na sequência, o autor inglês relata (com pouca profundidade, mais uma vez) o contexto criado para volta de BRUCE DICKINSON e os preparativos do álbum “Brave New World” (2000), que devolveu o status de celebridade aos músicos do Iron Maiden. Stenning, um fã declarado de Dickinson, considera inexpressivos os anos em que BLAZE BAYLEY esteve com a Donzela, até mesmo quando mostrou qualidade e criatividade em “Virus”, faixa inédita que compõe a coletânea “Best of the Beast” (1996). De qualquer maneira (e como não poderia ser diferente), o autor superestimou a carreira solo do cantor, inclusive das controvérsias que envolvem a qualidade sonora de “Sunkworks” (1996) e “Tyranny of Souls” (2005). Os fãs mais exigentes – que provavelmente esperavam um relato histórico mais imparcial – discordarão de muitas das avaliações feitas por Stenning.

Embora não chegue a abordar os anos mais recentes da banda, Stenning conseguiu agrupar uma série de informações curiosas sobre os integrantes do Iron Maiden. Dickinson, um cara muito interessado por história e literatura, é dono de uma biblioteca particular com cerca de sete mil livros. De outro lado, a sua paixão pela esgrima o fez representar os ingleses no Campeonato Europeu de 1989, durante as férias após a turnê de “Seventh Son of a Seventh Son” (1988). De qualquer modo, essas informações até podem parecer irrelevantes e/ou desnecessárias dentro do contexto maior da obra, que deixou de fora os detalhes que levaram Adrian Smith se juntar ao projeto solo de Bruce a partir de “Accident of Birth” (1997).

No encerramento de “30 Anos da Besta”, uma entrevista reveladora com Derek Riggs (praticamente um apêndice à biografia) mostra o quão difícil era trabalhar com Rod Smallwood, do ponto de vista do artista. Riggs conta que nunca chegou a tratar diretamente com os músicos sobre os conceitos das capas que desenhou, assim como deixa claro a pressão que o empresário do Iron Maiden colocava sobre as suas costas. As capas, que precisariam de um mês para ser completamente desenhadas, eram entregues em apenas três dias por conta das exigências comerciais. Derek Riggs, ao contrário do que muitos possam imaginar, nunca conseguiu receber uma quantia relevante por Eddie – certamente a sua criação mais importante – e possui uma vida modesta nos dias de hoje.

Em uma análise bastante crítica, “30 Anos da Besta” é uma obra muito fraca, onde o jornalista Paul Stenning se mostrou mais preocupado em dar a sua opinião sobre os discos da banda do que construir um relato próprio e, consequentemente, uma visão singular sobre os fatos (obscuros ou não) que existem por trás da carreira do Iron Maiden. Certamente, os fãs mais exigentes irão se decepcionar com a análise rasteira dos temas abordados. Com pouco mais de duzentas páginas (provavelmente pouco para esmiuçar trinta anos de carreira), é nítido que faltou destreza para a pesquisa de Stenning. “30 Anos da Besta” aproveita do rótulo de não-autorizada que possui. A maioria das histórias encontradas na obra está à disposição em revistas especializadas e em páginas na internet.

Por fim, uma característica de “30 Anos da Besta” não poderia passar em branco: o livro possui uma impressionante quantidade de falhas técnicas. Os erros de português e de digitação aparecem em série em cada página, muitos deles imperdoáveis para uma editora que busca reconhecimento no mercado. Do mesmo modo, a tradução se mostra errônea em muitos momentos. Ela mistura nomes de músicas e de discos constantemente – o que ainda deixa claro a ausência de um revisor mais atento. Entre poucos altos e muitos baixos, “30 Anos da Besta” ficou, infelizmente, muito aquém do esperado. Não há um custo/benefício relevante para essa obra que custa absurdamente R$70 (em média).

Fonte: Whiplash - Reprodução Autorizada

Quais as curiosidades sobre as faixas do "Sgt. Peppers"?

2011-01-06T11:26:00.005-02:00

Antes de atrelar o conceito de os Beatles tocarem com um pseudônimo, as primeiras sessões para o novo álbum pareciam ter como tema central a infância em Liverpool. Isto foi provocado pela composição Strawberry Fields Forever, que John escreveu na Espanha durante as filmagens de "How I Won The War." Inspirado por esta canção, Paul escreveu Penny Lane e depois ressuscitou When I'm Sixty-Four, uma composição antiga, escrita para seu pai. A dupla Lennon-McCartney ainda iria compor juntos A Day in the Life. Durante parte desta período, os Beatles batizaram o álbum jocosamente de "One Down, Six To Go" em uma referência ao novo contrato com a gravadora e os discos que ficaram obrigados a criar. Antes de A Day In The Life ser efetivamente gravado, o tema de infância foi abandonado.

A seqüência das canções, com dois lados ininterruptos de música, é mais um detalhe que faz com que este disco seja visto como tão inovador. Esta idéia veio de John Lennon e foi combatida por Brian Epstein que sabia que embora o conceito fosse de um trabalho inteiro e não uma coleção de canções, sempre haveria aquele público que iria preferir pular certas faixas procurando ouvir apenas as favoritas. Epstein perdeu a discussão.
Com a intenção clara de oferecer o máximo de música possível no espaço de um vinil, começa uma nova era de popularidade para o bolachão. Até então, LP's (Long Plays) eram vistos como um veículo para colocar alguns hits somados a o que em inglês se costuma chamar de fillers, ou seja, músicas apenas para completar o vinil. A proposta dos Beatles acaba com este raciocínio e LP's passam a ter uma identidade própria e em tempo, seria suplantado o interesse maior, que sempre fora dado aos compacto. Os Beatles aliás, sempre deram importância para que todas as músicas de seus álbuns fossem de alguma qualidade, mas este é o primeiro álbum que procura demonstrar claramente, com as faixas sem intervalo, que é para se ouvir inteiro uma música após a outra, na ordem apresentada, muito como uma peça de teatro ou um filme. Em retrospectiva, Sgt. Peppers seria visto como o primeiro álbum conceitual da historia.

Para o mercado americano, o álbum lançado no dia 2 de junho, já tinha pedidos avançados na ordem de um milhão de copias, vendendo mais de dois milhões e meio até final de agosto. O álbum foi Nº 1 no Reino Unido por 27 semanas (seis meses e meio), e na América por 19 semanas (quatro meses e meio). Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band recebeu quatro Grammy Awards naquele ano, por melhor álbum, melhor álbum contemporâneo, melhor capa de um álbum e álbum com melhor engenharia de som. Em 1977 o álbum ainda viria a receber da British Phonogram Industry a honra de ser considerado o melhor álbum Britânico de pop criado entre 1952 e 1977.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

O álbum começa com uma orquestra afinando seus instrumentos antes de iniciar a primeira faixa, a canção Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Na verdade, esta afinação de instrumentos foi retirada do inicio da gravação da orquestra para A Day In The Life. As bases foram inicialmente gravadas em 1º de fevereiro, porém os sopros foram adicionados em março. Optou-se por usar quatro French Horns, executados por James Buck, John Burden, Tony Randell e Neil Sanders. Os aplausos e risadas utilizados em dois momentos da canção foram retirados dos arquivos sonoros da EMI (Volumes 6 e 22) e foram gravados em apresentações realizados respectivamente no Royal Albert Hall e no Elizabeth Hall. No final da canção, ao chamar o cantor Billy Shears, a gritaria e alarde ouvidos vêm de uma fita da apresentação dos Beatles no Hollywood Bowl de 1965.

A Little Help From My Friends
Com as sessões do Sgt. Pepper's já quase findando, Lennon e McCartney sabiam que faltava uma canção para Ringo cantar. Era de lei que ele, como também George, tivesse pelo menos um número em cada álbum. Paul então compõe With a Little Help From My Friends, em que John contribuiu com algumas frases, a letra já bastante encaminhada. A canção foi gravada dia 20 de março, o mesmo dia em que os Beatles tiraram as fotos para a capa. John estava com o dedo latejando e nesta primeira sessão, a canção foi chamada de Bad Finger Boogie.

Lucy In The Sky With Diamonds
Alguém um dia levantou a hipóteses de que o titulo é uma referencia a LSD e embora John Lennon tenha seguidamente desmentido a idéia, a lenda até certo ponto continua. Embora a letra possa ter sido escrita entre viagens do alucinógeno, já que Lennon neste período estava experimentando com a droga, o título na verdade vem de um desenho de seu filho Julian, então com quatro anos. Lucy é Lucy O'Donnell, uma colega de escola. À esquerda consta o desenho de Julian que inspirou a canção e seu titulo.
As gravações começaram dia 1º de março e foram concluídas no dia seguinte, faltando apenas mixar. Variação na rotação da gravação foi uma técnica utilizada mais nesta do que em qualquer outra canção no álbum. A base inicial foi reduzida de quatro para dois canais em uma rotação de 49 ips. A primeira voz de John, acompanhado pelo backing de Paul foi gravado em 45 ips, enquanto a segunda voz de John novamente com backing de Paul, foram gravados em 48 1/2 ips. Assim, no resultado final ouvido no disco, apenas o baixo de Paul e a guitarra com pedal fuzz de George, estão em rotação normal.

Getting Better
Hunter Davis estava entrevistando Paul McCartney, preparando material para o que seria a primeira biografia autorizada dos Beatles, acabando por ser publicada em 1968. Conversando enquanto levava a cadela Martha para passear, Paul observa o tempo bom e comenta "It's getting better" (está melhorando), se referindo à melhora do tempo com a chegada da primavera. A frase lhe trouxe lembranças de Jimmy Nichol, antigo baterista do Georgie Fame & the Blue Flames, que se tornou um Beatle durante parte da excursão Australiana de 64, enquanto Ringo estava hospitalizado (veja foto desta formação ao lado). Nichol, ao ser indagado como se sentia após cada ensaio e show, respondia sempre com um sorriso, "It's getting better." Davis conta que, ao voltar para casa, Paul pegou a guitarra e começou a brincar com a frase. Mais tarde John Lennon chegaria e "Getting Better" seria a canção de trabalho do dia. Canção composta realmente em pareceria, Lennon diria a respeito que "Eu sinceramente acredito em paz e amor. Eu sou um homem violento que aprendeu a não ser violento. Sou um homem que se arrepende de sua violência."

She's Leaving Home
Paul McCartney leu este artigo sobre uma menina de 17 anos que fugiu de casa, e como ele sempre tivera um bom relacionamento com seus pais, a história o tocou. À procura de sociedades alternativas, jovens deixando o lar e abandonando uma educação formal eram relativamente comuns a partir de 1967.Da frase "I can't imagine why she should run away, she has everything here." proferida pelo pai da menina no artigo, Paul escreveu "we gave her everything money could buy".A menina se chama Melanie Coe. A maior distinção entre sua historia pessoal e a da canção, é que ela na verdade fugiu para se encontrar com um rapaz que trabalhava como croupier num cassino. No mais, Paul acertou bastante quanto à distancia na comunicação entre as gerações dos pais e filhos. Ela foi encontrada e raptada de volta para a casa de seus pais até completar 18 anos e casar, para poder fugir de vez.
A canção tem a distinção histórica de ser a única gravada pelos Beatles, contendo uma orquestração arranjada por outra pessoa que não fosse George Martin. Quando Paul McCartney, autor da canção, procurou Martin, este estava ocupado terminando a produção de outro artista. Martin pediu que Paul aguardasse alguns dias antes dele poder assumir o arranjo, mas na pressa Paul não pensou duas vezes em contratar outro arranjador, Mike Leander, para fazê-lo. George Martin, apesar de ofendido, não deixou de continuar a trabalhar e colaborar, regendo a orquestra para a gravação.

Being For The Benefit of Mr. Kite
Enquanto gravando o clip para Strawberry Fields Forever, John Lennon e um empregado da NEMS, Tony Bramwell, entraram em um antiquário perto do hotel que a equipe usava como base, na cidade de Sevenoaks em Kent. Lá, John encontrou e comprou um cartaz emoldurado, impresso em 1843, na era Vitoriana, anunciando o Pablo Fanque's Circus Royal. John usou o pôster como inspiração para a canção, mas mudou vários dos fatos para facilitar rimas. Pablo Fanque, cujo verdadeiro nome é William Darby, foi o primeiro negro proprietário de um circo na história da Inglaterra. O cartaz hoje pertence a Sean Lennon. À esquerda está a foto dele ainda pendurado na parede da casa de John em 1971. Clique na foto para ver mais detalhes do cartaz.
Na faixa, Mal Evans, Neil Aspinall, George Harrison e Ringo Starr tocam gaitas enquanto George Martin toca um órgão Wurlitzer e John Lennon um órgão Hammond.

Within You, Without You
A letra é baseada na filosofia hindu que George estava estudando. Ele compôs a canção após um jantar, na casa de Klaus Voorman. Embora Klaus fosse baixista, ele tinha um órgão em um quarto adjacente que George usou nesta tarde. Apesar da era ser do ácido, a canção foi regada a incenso e maconha. Gravada no dia 25 de março, com complementos no dia 3 de abril e mixagens no dia seguinte. Foram gravados dois violinos e três violoncelos, em um arranjo escrito por George Martin, seguindo determinações de George Harrison. Nos violinos tivemos Erich Gruenberg como violinista principal, acompanhado por Alan Loveday, Julien Gaillard, Paul Scherman, Ralph Elman, David Wolfsthal, Jack Rothstein e Jack Greene. Nos violoncelos estão Reginald Kilbey, Allen Ford e Peter Beaven. A sessão durou onze horas e incluiu também George Harrison tocando violão acústico, swordmandel e tamboura. Neil Aspinall também contribuiu tocando outra tamboura juntamente com músicos indianos conhecidos por Harrison, vindos da Asian Music Center de Finchley, cujos nomes não foram anotados. Gravaram tabla, dilubra, swordmandel e tamboura.

When I'm Sixty-Four
Paul escreveu esta canção ainda menino, em 1957, na casa em que morava com sua família. Ele tinha acabado de se juntar ao Quarry Men, banda que em três anos evoluiria para os Beatles. A canção chegou a pertencer ao repertório da banda, como uma opção acústica para a cada vez mais comum quebra de equipamentos. A letra original foi inspirado em seu pai, James McCartney, ex-trumpetista de jazz nos anos trinta, por isto seu estilo tão peculiar. Em 1966, com a canção "Winchester Cathedral" se tornando um sucesso e o filme "Bonnie & Clyde" trazendo de volta os valores da década de trinta, Paul achou válido trazer a canção à tona, não antes de reescrever alguns versos. O fato de que em julho de 1966 seu pai completava 64 anos de idade também é creditado como provável motivação para a sua decisão. A sessão iniciada em 6 de dezembro de 1966, teve um naipe de clarinetes gravados no dia 21 de dezembro. Os três clarinetistas são Robert Burns, Henry MacKenzie e Frank Reidy.

Lovely Rita
Certo dia, Paul McCartney se aproxima do seu carro a tempo de ver uma policial de trânsito feminina aplicando-lhe uma multa. Ao reparar seu nome, Meta Davis, Paul comenta que Meta soa como algo que ele poderia usar em um jingle. Ao ser indagado por esta historia, Paul nega que Rita seja Meta. Ele conta que alguém havia comentado que tais policiais, que na Inglaterra são chamadas de traffic warden, na America, são chamadas de meter maids. Paul achou o nome "meter maid" extremamente musical e enquanto brincava ao piano, acabou indo de meter maid para Rita meter maid. O resto da canção cresceu daí. Gravações iniciando no dia 24 de fevereiro, onde Paul toca o piano além do baixo. A base foi toda gravada com o rolo em 46 1/2 ips, dando a impressão de ser mais rápido ao ser reproduzido na velocidade normal.

Good Morning, Good Morning
John Lennon tinha o hábito de ler o jornal na cozinha com a sua televisão portátil (a mesma que aparece na capa do disco) ligada sem volume. Um dia ele assiste uma propaganda do cereal de milho da Kelloggs, que chama sua atenção. O produto tem como animal símbolo um galo e um jingle que dizia "Good morning, good morning. The best to you each morning. Sunshine breakfast, Kelloggs Corn Flakes, crisp and full of fun". Este foi a fagulha que deu origem a esta canção dos Beatles. A letra da canção de Lennon é em si uma ode à vida suburbana que ele estava vivendo na época. A canção também oferece no final uma seqüência de sons de diversos animais. Os animais são escolhidos por ordem, do mais fraco para o mais forte, com o posterior sendo capaz de consumir o predecessor. O naipe de sopros vieram da banda americana Sounds Inc., que os Beatles conheceram no Star Club de Hamburgo em 1962. Nesta época, the Sounds Incorporated estavam tocando com Gene Vincent e Little Richard. Gravados no dia 13 de março, o naipe contou com três saxofonistas, Barrie Cameron, David Glyde e Alan Holmes; dois trombonistas, dos quais um se chama John Lee, e o outro infelizmente sendo esquecido pelo tempo e a falta de registros precisos. Por último, havia alguém tocando o French Horn, cujo nome é lembrado apenas como Thomas.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - Reprise
Foi só no final das gravações que Neil Aspinall sugeriu que o álbum poderia ter um Sgt. Pepper's reprise para ser emendado com A Day In The Life. A idéia agradou e, diferente do primeiro, esse Sgt. Pepper's tem os quatro Beatles cantando. Paul tinha viagem marcada em dois dias, portanto esta gravação, foi iniciada e terminada em uma sessão de onze horas no dia 1º de abril.

A Day In The Life
A canção se refere quase que exclusivamente a alguns artigos de jornal lidos por Lennon. O acidente de carro é do amigo Tara Browne, herdeiro da família Guinness, donos da cerveja irlandesa Guinness. A menção dos buracos em Lancashire foi inspirada no artigo mostrado à sua esquerda. Sobre o exercito inglês ganhando a guerra, trata-se de uma referência ao filme "How I Won The War" no qual Lennon atuou menos de seis meses antes.
Para a gravação da orquestra, que foi realizado na noite de sexta-feira, dia 10 de fevereiro, o grupo fez um evento. Os 40 músicos foram instruídos a comparecerem de fraque, e lhe foram oferecidos chapéus de festa, carecas postiço, olhos e charutos falsos e nariz de palhaço para serem usados. Uma pata de gorila foi colocada na ponta de um arco de violino, balões de gás amarrados no arco de violoncelos, tudo contribuindo para criar um ar de festa e humor.
Amigos foram convidados para assistirem o evento em clima festivo, entre eles, Donovan, membros do the Fool, os Rolling Stones e os Monkees, que estavam na cidade nesta ocasião. Tudo foi filmado com o intuito de preparar um filme promocional para a televisão, o que hoje seria chamado de vídeo clipe, porém a idéia foi abandonada quando a BBC baniu a canção, acreditando que esta fazia apologia a drogas. Cenas do evento acabaram sendo aproveitados na década de noventa para o filme, Imagine - John Lennon.

The Inner Groove
Na concepção original para vinil, no final do disco, antes que a agulha da vitrola chegasse a ser levantado automaticamente, você ouve uma mensagem ao contrario (backmasking). A idéia se originou da preocupação que o silencio ao final de A Day in The Life, já acertada como sendo a última musica do album, seria o único silêncio em todo o LP. Então resolveram adicionar uma mensagem ao contrario no final do disco, idéia que seria acrescida à sugestão de se adicionar ainda um apito canino, que imite um som em 15 kilociclos, inaudíveis para o ouvido humano. Lennon que fez a sugestão, gostou da idéia de ter os cães levantando as orelhas nesta hora. Segundo Paul, a mensagem original é: "Couldn't really be any other", apesar de depois concordar que ao ouvir o resultado, soava mais como "We'll fuck you like superman."

Fonte: Whiplash.com.br – Reprodução Autorizada

De onde veio a ideia?

2011-01-06T11:12:00.004-02:00

No filme A Hard Days Night existe uma cena logo no início em que os quatro Beatles estão disfarçados com barbas e bigodes, assim livrando-se da perseguição dos fãs na estação de trem. Todos os quatro Beatles se divertiram muito com a experiência que os fez perceber o poder da maquiagem. Paul, particularmente, pediu à equipe de maquiagem para lhe confeccionar um bigode postiço. Depois das excursões em 1966, ele resolveu fazer uma experiência; foi sozinho à França passar duas semanas, e, ainda no aeroporto, após passar pela alfândega, colocou um bigode postiço, penteou o cabelo para trás, passou vaselina, e colocou óculos com lentes de vidro sem grau.

Em Bordeaux, Paul encontrou-se com Mal Evans. Seguiram para a Espanha e depois para o Kenya, onde participaram de um safári. Voltando de Nairobi para Londres, no dia 19 de novembro, Paul vai mentalmente se preparando para voltar à vida de ser caça de fãs e da imprensa. Imerso nestes pensamentos, Paul imaginou os Beatles fingindo ser outra banda, podendo assim distanciar-se da imagem dos meninos de Liverpool, que o mundo ainda tinha deles. Pondera sobre as vantagens que haveria para a banda, estando livres para poderem experimentar e explorar estilos fora daquelas ligadas à imagem pública dos Beatles.
Durante o exercício de se enxergar com uma visão externa, este poderia ser o primeiro passo em direção a uma nova imagem. Não mais de meninos engraçadinhos, mas de homens e artistas já maduros. Este é o princípio original e embrionário, que evoluiria para o projeto que conhecemos hoje como Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band.

Como surgiu o nome Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band?

A segunda parte dos eventos que se seguiram refere-se ao nome. Como é que Paul surgiu com o nome Sgt. Pepper? Paul McCartney passaria a brincar com nomes, geralmente com Mal Evans e em certa ocasião, almoçando juntos, no lugar de saleiros o local oferecia pequenos pacotinhos de sal e pimenta, apropriadamente identificados respectivamente de "S" e "P". Evans teria brincado, dizendo algo como "O que são estas coisinhas? Oh! Sal e Pimenta" (Salt n' Pepper). Paul, brincando com o sotaque de sua terra, repete de primeira: "Sgt. Pepper". Segundo o próprio Paul McCartney, ele imediatamente associou Sgt. Pepper como um nome que poderia ser usado como um pseudônimo para os Beatles. Todo o resto do nome e concepção inicial do projeto começam a partir deste instante.

Em plena psicodelia, estavam nascendo bandas com nomes tão compridos quanto criativos, tais como Quicksilver Messenger Service ou Big Brother and the Holding Company. Paul sentia falta de uma extensão para emendar com Sgt. Pepper. Então ele pensou que um Lonely Hearts Club, que jamais teria uso para uma banda, seria um contraste interessante. Para se chegar ao Lonely Hearts Club, Paul se lembrou do clube que existia perto do ponto de ônibus em Penny Lane, em sua cidade natal. Um Lonely Hearts Club é um lugar que pessoas solteiras ou solitárias freqüentam para conhecer outras pessoas igualmente solitárias. Mal comparando, seria o equivalente às agências de casais que existem hoje em dia, porém, sem o mesmo tipo de organização ou tecnologia. Com o nome agora completo, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Paul não demoraria a escrever a canção que seria gravada em primeiro de fevereiro.

Fonte: Whiplash.com.br – Reprodução Autorizada

Rogers Waters revela seus traumas de garoto

2011-01-05T17:24:00.005-02:00

Apesar da capa da revista, que trouxe os integrantes da “emblemática” banda Fresno, não ajudasse, a edição da Rolling Stone e dezembro pode ser considerada excelente. A revista trouxe uma matéria muito bem explorada sobre o nazismo no Brasil, mostrando imagens e depoimentos frutos da mais graduada pesquisa jornalística, o que revela que uma revista de entretenimento pode ir mais longe quando o assunto é jornalismo.

Mas a questão é que poucos comprar uma revista como a RS por causa dessas matérias. O que mais chama a atenção é a música. E nesse quesito a RS abordou temas atuais. A pedido da revista vários grandes nomes da rock internacional escreveram sobre John Lennon, entre eles Mick Jagger (Rolling Stones) e Pete Townshend (The Who). Vale muito a pena conferir, pois são depoimentos reveladores...

Para falar de Vida, livro biográfico recém- lançado de Keith Richards, a RS o entrevistou e produziu uma pequena mas curiosa matéria, onde foi possível extrair a seguinte frase de Richards. “Quando me drogava, estava totalmente convencido de que meu corpo é meu templo, posso fazer o que quiser com ele e ninguém pode me dizer sim ou não.”

Mas onde a revista mais ganha pontos é na matéria com Roger Waters (ex-Pink Floyd?). A matéria vai direto ao coração do idealizador de The Wall e desvenda todos os monstros internalizados na cabeça do baixista mais famoso do rock progressivo. The Wall foi fruto dos traumas e das aflições de um garoto perturbado pela II Guerra e mais ainda pela morte do pai. Esta foi a essência da matéria. Não precisa ser nenhum mestre no assunto para se chegar a essa conclusão, mas ditas pelas palavras de Waters o conteúdo ganha outra dimensão. Vale à pena conferir tudo.

Para terminar. O ensaio fotográfico com David Jones é imperdível!

Leia a seguir, trecho da matéria: Reerguendo o Muro

Roger Waters está pronto para começar uma turnê na qual um muro de 11 metros de altura será erguido - todas as noites! - entre ele e seus fãs. E, neste momento, ninguém iria condená- lo se ele desejasse que a coisa fosse um pouco mais portátil. O ex-líder do Pink Floyd acaba de acomodar seu corpo magro de mais de 1,90 metro de altura em um carro alugado em Manhattan, Nova York, para ir até um restaurante em Midtown, e imediatamente fica claro que o motorista está emocionadíssimo por vê-lo. Waters se prepara. "Fui seu fã a vida inteira, cara", diz o motorista, um sujeito de meia-idade chamado Fred, com sotaque nova-iorquino bem carregado. "'Wish You Were Here' - eu estava viajando de mochila pela Europa quando me liguei nesse som. Fiquei, tipo: 'Este é o melhor disco de todos os tempos!'. Deve ser uma sensação incrível saber o impacto que você teve sobre a minha geração."

"Normalmente, ninguém sabe até o momento em que entra no carro [de alguém dessa geração]", Waters responde em seu tom britânico ríspido e afivela o cinto de segurança. Como sempre, é difícil ler seus olhos azuis gelados - que hoje combinam com o tom de cabelo grisalho, levemente comprido, e a barba professoral. Mas parece que ele está brincando. O fato de ele ter acabado de compartilhar uma garrafa excelente de Montrachet para comemorar o fim de um longo dia de trabalho deve ter ajudado. Depois de vir de carro para Nova York pela manhã, ele foi submetido a exercícios puxados para os bíceps, os tríceps e o abdome ("Quase me mata, mas preciso ficar um pouco mais forte"), cantou escalas com uma professora de voz que o está ajudando a recuperar as notas altas da juventude, fez reunião com um produtor para escolher as roupas de palco pretos (rejeitou um par de botas de couro porque era "muito Bruce [Springsteen]" e outro por ser "Pete Townshend demais") e passou horas em um estúdio, fazendo ajustes à iluminação e à animação digital.

Ele está trabalhando nesse ritmo desde janeiro, determinado a aperfeiçoar a primeira e verdadeira versão em forma de turnê daquela que ele considera como a obra que definiu sua carreira, The Wall - álbum de 1979 que vendeu 30 milhões de cópias e que conta a história de um alienado astro do rock chamado Pink (cuja biografia traz muitas semelhanças com a sua própria). O show original do Pink Floyd - com seus bonecos gigantes, gráficos sincronizados e aquele muro, construído tijolo por tijolo e depois derrubado no clímax do show - estabeleceu parâmetros para todos os espetáculos de rock que vieram depois, de Steel Wheels (Rolling Stones) a Zoo TV (U2). Mas só foi encenado em quatro cidades do mundo, com meses de intervalo entre cada bloco de apresentações. Não foi lançado nenhum filme das performances, então elas se transformaram em uma lenda da qual as pessoas só guardam uma vaga lembrança - tirando a animação surreal de Gerald Scarfe, que também aparece na versão cinematográfica da obra, uma versão roteirizada e lançada em 1982.

Todos os shows deram prejuízo - os ingressos custavam cerca de US$ 12 - e a banda estava desmoronando. "Eles estavam chegando ao ponto em que um não suportava mais olhar para a cara do outro", diz Mark Fisher, o arquiteto que construiu tanto a versão de 1980 quanto a de 2010 da turnê (e que também trabalhou no palco "a garra" da turnê 360° do U2). "Foi muito conveniente eles poderem declarar que a coisa toda era um abacaxi, que era cara demais e cair fora com essas desculpas." O diretor de iluminação, Marc Brickman, que também trabalha no show novo, foi chamado para o projeto logo antes do início das apresentações originais. "Era alucinante - eu fiquei sem palavras", diz Brickman. "Era como montar uma ópera dentro de um show de rock and roll. Em 1980, não dava nem para sonhar com aquele show." Para Waters, a ideia por trás da teatralidade de arena era simples: "Não dá para pedir às pessoas irem ao circo e só colocar pulgas no meio do picadeiro - é preciso exibir elefantes e tigres."

Com seu alcance e ambição explícitos, The Wall foi o último baluarte daquilo que as bandas do punk e da new wave chamariam de "rock de dinossauro da década de 70" - mas a turnê que está para começar é muito mais do que uma reencenação em estilo "Parque dos Dinossauros". Waters trouxe o show para a atualidade com mensagens políticas bem audíveis: antiguerra, antiopressão. A letra de "Mother", por exemplo, não mudou - mas o vídeo que a acompanha, com suas imagens de uma câmera de segurança que tudo vê, agora fala de um governo opressivo, e não de uma mãe superprotetora. "É basicamente o mesmo show, mas com significado mais amplo", diz Fisher. "Precisamos encarar o fato de que é uma coisa um sujeito na casa dos 30 anos cantar sobre o início de sua vida adulta, que naquele momento era uma espécie de eco da criação que ele teve. Mas é outra coisa continuar fazendo isso quando se chega à casa dos 60."

O show se beneficia de 30 anos de avanços tecnológicos, sendo que os mais notáveis estão no vídeo de ultra-alta definição projetado no muro durante todo o espetáculo. Waters diz sentir o peso da idade, e está bem certo de que está será sua última grande turnê. "É uma empreitada enorme, e eu não tinha certeza se seria capaz de fazer isto", ele diz, sem soar muito convincente: ele parece certo de que é capaz, sim. Enquanto o carro avança na direção norte, Fred abre o celular e começa a ler em voz alta mensagens de texto das filhas, até sugerirmos que ele espere até parar em um sinal vermelho para fazer isso ("Eu costumo dar bronca nos motoristas que ficam mandando mensagem de texto", Waters diz em tom suave). Acontece que uma das filhas de Fred tinha escutando The Wall na academia, naquele dia mesmo. "Obrigado por doutriná-las", diz Waters, que está começando a se sentir lisonjeado. "Veja bem: eles precisam de educação! Porra, eu estava completamente errado." [Alusão à frase mais célebre da música "Another Brick in The Wall (Part II) ": "They don't need no education"; eles não precisam de educação] Fred está mais que deliciado. "Eles não precisam de controle dos pensamentos, cara!". [Mais uma alusão: "They don't need thought control", no original] Ele faz uma pausa, e depois perde o pudor: "Como é mesmo o verso seguinte? 'Nada de sa...' Qual é a palavra? 'Sarcasmo'", Waters responde.

Você confere mais fotos e lê esta matéria na íntegra na edição 51, dezembro/2010

Amy Winehouse no Brasil

2011-01-05T14:01:00.005-02:00

Cantora fará uma série de apresentações no país

Amy Winehouse está de malas prontas para o Brasil. Enquanto não chega, a cantora britânica se prepara para seus shows no país. O músico Heshima Thompson, que acompanha Amy em suas apresentações pelo mundo, publicou em Twitter uma foto da cantora ensaiando.

No post, Thompson escreveu: “Amy Winehouse no ensaio de hoje. Ótimo ensaio e sua voz soava maravilhosa. Mal posso esperar pelo Brasil”.

Amy Winehouse tem shows marcados no país neste mês, em Florianópolis (no dia 8), Rio de Janeiro (11), Recife (13) e São Paulo (15), durante o Summer Festival. De acordo com o site da cantora, uma segunda apresentação será realizada no dia 10 de janeiro, também no Rio.

SERVIÇO:
Summer Soul Festival
Atrações: Amy Winehouse, Janelle Monae e Mayer Howthorne

Quando: dia 15 de janeiro
Onde: Arena Anhembi (avenida Olavo Fontoura, 1.209 - Santana)
Quanto: de R$ 200 a R$ 500
Informações: 4003-1527

Fonte: Território Eldorado

Rolou no sabadão

2010-12-06T20:32:00.002-02:00

Sábado dia 04 rolou muita animação regada a cerveja e rock na ART ROCK. A galera compareceu em massa o que proporcionou um sábado discontraído e divertido. Além de aproveitar as ofertas de Natal que estamos promovendo - como fazemos todos os meses de dezembro - a turma aproveitou o calor para curtir a amizadee a descontração. Na foto, um "gole" dos personagens presentes.

Paul McCartney na Rolling Stone

2010-11-22T09:30:00.014-02:00

A revista Rolling Stone brinda os fãs de Paul McCartney com esta edição, que traz entrevista exclusiva com o beatle. Uma edição para ler, reler e guardar como um documento. Abaixo publicamos um trecho da entrevista, juntamente com algumas fotos bem legais do astro inglês.

Como funciona a sua seleção de repertório para as turnês? Você tem mais de 50 anos de músicas para escolher. Certamente muita coisa fi ca de fora. Você sofre fazendo isso?

Não é ruim, é um processo meio interessante. Eu começo pensando: "Se eu fosse a esse show, o que eu gostaria de ouvir a banda tocar? O que eu gostaria de ouvir o Paul cantar?" Começo com essa lista, e há algumas canções que são meio óbvias. Eu provavelmente gostaria de ouvi-lo cantar "Let It Be"... Esse tipo de coisa. Então existe essa lista das que você não poderia deixar de fora. E aí surge uma segunda lista, de coisas novas que podemos fazer para surpreender a plateia, para manter as coisas frescas. Misturamos essas duas listas. E aí tem uma terceira lista, que tem as músicas que nós gostaríamos de tocar, sabe? Sem nos importarmos com o resto, as coisas das quais simplesmente gostamos. Juntamos tudo isso e ensaiamos todas as músicas que escolhemos, e às vezes os caras da banda dizem: "Oh, talvez devêssemos tentar esta aqui..." Todos podemos sugerir. Depois dos ensaios, vemos quais [músicas] ficaram melhores. Normalmente somos eu e o nosso cara dos teclados, Wix, que é o nosso DM, diretor musical. Na reta fi nal dos ensaios, nos sentamos e vemos qual será o set list e o escrevemos. No último dia de ensaio, tocamos esse repertório para que cada um saiba qual
guitarra [usar], para que os caras da técnica saibam o que está acontecendo. E é assim que fazemos!

Houve uma fase, no começo dos anos 70, quando você não tocava músicas dos Beatles com o Wings...

[Interrompendo] Sim, é verdade.

Como era tocar só músicas novas para um público que talvez estivesse esperando sucessos dos Beatles?

É, bem, foi... Foi muito bom porque determinamos essa regra, já que estávamos tentando estabelecer algo novo com o Wings. Eu queria, antes de tudo, fazer com que o Wings tivesse sucesso por mérito próprio. Eu não queria usar as músicas dos Beatles, queria que tivéssemos uma identidade particular. Depois que conseguimos isso, por volta de 1976, depois do Band on the Run, me senti mais confortável. Mas, sim, você percebia que a plateia gostaria que você tocasse músicas dos Beatles. Só que eu achei que essa seria uma saída fácil e não queríamos fazer isso com o Wings, então criamos a regra para, mais tarde, podermos começar a tocar faixas dos Beatles. Como já fi z isso [no passado], é muito libertador poder fazer o que eu quiser hoje, posso escolher qualquer música. Provei algo.

Por falar em tendências, parece que existe uma nova nas turnês: o Roger Waters está fazendo uma do The Wall (1979), os Rolling Stones já falaram sobre fazer uma do Exile on Main Street (1972). O que você acha disso? Faria algo do tipo?

Quer saber? Eu não me interesso por isso. Já me perguntaram se eu faria o Band on the Run. E eu toco muitas músicas dele, mas... Não sei, sinto que se eu tocasse só esse disco seria uma apresentação interessante, mas haveria tantas músicas que eu teria de deixar de fora e... Eu não gosto de colocar essa pressão em mim mesmo. Não é uma ideia que me interessa o bastante porque a acho um pouco restritiva. Gosto de poder escolher o que me der na telha, o que eu quiser tocar. Mas acho que faremos algumas coisas agora, com o relançamento de Band on the Run. Acho que tocaremos mais canções do disco. Só que a ideia de tocar só esse álbum... Não sei. Se os Stones tocassem só o Exile, seria uma noite divertida - mas eu provavelmente fi caria meio decepcionado por eles não tocarem "Honky Tonk Women" ou "Satisfaction". Sabe? Eu gostaria de ouvilos tocar essas músicas também.

Tenho uma teoria: se você quisesse, poderia passar o resto da vida sem ter de trabalhar, vendendo autógrafos. Com um por dia, você ganharia cerca de mil dólares a cada 24 horas. Seria só rabiscar um papel, simples assim. Não é um pensamento assustador?

Sim, pense em fazer apenas isso para o resto de sua vida. Quero dizer, como seria tedioso... Entendo o que você quer dizer, mas não dá para pensar assim. Isso passa pela sua cabeça uma vez, você pensa: "É, seria incrível". Mas na verdade não é algo que você gostaria de fazer. Eu amo a música! Música é o que me deixa feliz. Conheci alguém ontem que explicou isso muito bem, ela disse: "Eu não conseguiria respirar sem música". Achei muito legal, disse que entendia o que ela queria dizer. Acho isso muito verdadeiro e acho que muita gente sente isso. É algo mágico que os humanos desenvolveram, é muito especial para muita gente. É algo que cura. Uma das coisas de que mais gosto é quando me encontro com alguém e a pessoa me diz: "Eu estava doente e escutei a sua música, que me fez melhorar". Penso: "Uau! Que legal".

Bowie - A Biografia

2010-11-22T09:10:00.002-02:00

Uma biografia do astro de rock/pop inglês David Bowie, desde sua infância até a recente (e aparente) aposentadoria. O livro acompanha toda sua trajetória, com sua participação no cinema e pinceladas da carreira de outros artistas que tiveram importância na história de Bowie ou foram por ele influenciados (como Lou Reed e Rolling Stones). Além da música e do contexto de cada uma das fases do artista, o livro traz detalhes da vida pessoal de Bowie, marcada pela bissexualidade, o vício em cocaína e problemas cardíacos.

Autor: Marc Spitz
448 páginas
Preço: R$ 49,90
Editora: Benvirá

Eu sou Ozzy

2010-11-22T09:07:00.002-02:00

Best seller mundial com as memórias de Ozzy Osbourne, um dos nomes mais importantes do rock, formador da banda Black Sabbath e pioneiro do gênero conhecido como Heavy Metal. Ozzy ajudou a moldar um estilo que, anos mais tarde, se tornaria conhecido no mundo todo e adorado por milhares de fãs. Além do impacto musical, sua personalidade carismática e desvairada foi responsável por sua popularidade. Nos anos loucos em que esteve à frente do Sabbath, Ozzy celebrizou-se pelo uso de drogas e um comportamento que resultou em sua saída da banda. Iniciou uma carreira solo bem-sucedida, também permeada pelos excessos. Após a morte trágica do guitarrista de sua banda e grande amigo Randy Rhoads, em um acidente de avião, Ozzy ganhou um pouco de juízo, sem perder o talento. Lançou discos que se tornaram clássicos e voltou a se reunir em algumas turnês com o Black Sabbath, recompondo sua formação original. Formou uma família tão feliz quanto insólita, o que rendeu o convite para um reality show na MTV, "The Osbournes". Nesta autobiografia, o "Madman" conta em detalhes e com muito humor sua trajetória de ladrão barato e desastrado e açougueiro ao sucesso musical. Excessos, escândalos, amor, diversão e rock - um caldeirão da pesada.

Autor: Ozzy Osbourne
Número de páginas: 416
Preço: R$ 39,90
Editora: Benvirá

Heavy Metal para ler

2010-11-22T09:04:00.003-02:00

A história completa do Heavy Metal, o gênero que mudou os rumos da música, reflexo da sociedade contemporânea, com milhões de fãs pelo mundo. Fortemente influenciado pelo blues, surgiu no início da década de 1970 com a banda inglesa Black Sabbath, liderada por Ozzy Osbourne. Num cenário musical e cultural dominado pelos hippies e o lema "paz e amor", em meio a um contexto de guerras e conflitos sociais, o peso do heavy metal chegou para refletir a insatisfação contra uma época violenta e obscura. Dos primórdios até os desdobramentos do estilo, Heavy Metal conta tudo. Inclui listas dos melhores discos de cada década e das melhores músicas de cada subgênero (glam rock, death metal, metal melódico), datas importantes, segredos de bastidores. Enfim, a memória e o futuro do metal!

Autor: Ian Christie
496 páginas
Preço: R$ 49,90
Editora: ARX

Disco Inferno

2010-11-22T08:12:00.003-02:00

Disco Inferno é nome de uma música da banda americana “The Trammps”, e faz parte da trilha sonora do filme “Saturday Night Fever” (Embalos de Sábado à Noite) estrelado por John Travolta em 1977. Essa música é deliciosamente dançante e infernizava as pistas de dança da época e fez muito sucesso. Essa trilha sonora tem vários sucessos da banda Bee Gees, como Stayin Alive, More Than A Woman, Neght Fever, How Deep Is Your Love.

O disco ainda traz outras bandas como Tavares, Kool & The Gang, K.C and The Sunshine Band entre outras. Trata- se de um álbum clássico que deve estar presente em qualquer coleção.

Elvis em quadrinhos

2010-08-04T09:04:00.007-03:00

Biografia em quadrinhos do "Rei do Rock", a obra, organizada por Reinhard Kleist - autor de "Johnny Cash - uma biografia", sucesso de vendas da 8inverso em 2009 - e por Titus Ackermann, reúne alguns dos melhores quadrinhistas da atualidade na Alemanha.

ELVIS foi organizada como uma coleção de dez histórias curtas sobre a vida de Elvis Presley. Cada uma dessas histórias é assinada por grandes quadrinhistas alemães como Nic Klein, Uli Oesterle, Isabel Kreitz e Thomas von Kummant. Reinhard Kleist assina dois dos "episódios".

O livro funciona, assim, como uma vitrine do que há de melhor e mais atual na produção de quadrinhos de não-ficção na Alemanha - além de ser um livro obrigatório para os fãs e para os que desejam conhecer um pouco mais desse que é até hoje um dos mais emblemáticos artistas do século XX. Publicado na Alemanha em 2007,

ELVIS foi lançado naquele mesmo ano na França; na Holanda, foi publicado em abril de 2010. O livro chegará às livrarias brasileiras antes mesmo de receber uma versão em inglês na terra natal do cantor, os Estados Unidos da América.

Preço: R$ 63,00
Tradutor: Margit Neumann & Michael Korfmann
Nº Páginas: 128

Algumas ilustrações da HQ

Cactus para poucos, que conhecem...

2010-07-22T09:37:00.005-03:00

Tudo começou em 1967 com o Vanilla Fudge, banda formada por Tim Bogart (baixo, vocais), Carmine Appice (bateria), Mark Stein (teclados, vocais) e Vince Martell (guitarra, vocais). Seu som era um pouco indefinido, pois mesclavam influências de música sinfônica e hard-rock ao mesmo tempo tanto em músicas próprias como versões (Eleanor Rigby dos Beatles por exemplo).

Depois de dois anos e um relativo sucesso nos EUA, brigas internas acabaram decretando o fim da banda. Bogart e Appice acabaram sendo convidados por Jeff Beck prá formarem uma superbanda ao lado dele e de Rod Stewart, porém nessa época Beck acabou sofrendo um acidente sério que o deixou fora de circulação por um bom tempo. Bogart e Appice não iriam aguentar ficar tanto tempo parados, e acabaram convidando o cantor Rusty Day, vindo do Amboy Dukes (banda de Ted Nugent) e o guitarrista Jim McCarty, que havia tocado no Mitch Ryder Detroit Wheels e no Buddy Miles Express. Com essa formação gravam seu clássico primeiro disco, intulado somente “Cactus”.

Com porradas bem rock’n’roll (Let me Swin/Feel so Good), “baladinhas” com pitadas levemente country (My lady from south of Detroit – homenagem à alguma “dama” da cidade natal de Rusty e McCarty) e covers inspiradíssimos (Parchman Farm de Mose Allison e You Can’t Judge a Book by the Cover de Willie Dixon).

Apesar de fazer um hard supervirtuoso a banda não consegue emplacar este disco, e em 1971 lançam mais dois álbuns: One Way… Or Another e Restrictions. Estes dois discos seguiam a fórmula do primeiro disco alternando petardos (Rock’n’Roll Children/Big Mama Boogie/Evil/Sweet Sixteen) à versões novamente inspiradíssimas (Long Tall Sally/Token Chokin’) e as inevitáveis baladinhas (Song for Aries/Alaska) tudo isto misturado com pitadas de boogie e country, resultando em mais dois grandes álbuns de hard-rock setentista. Porém, talvez devido à pouco repercussão destes álbuns na época, novamente brigas internas acabaram fazendo com que Rusty e Bogart saíssem da banda em 1972. Então foram chamados no vocal o cantor Peter French, egresso do Atomic Rooster, e mais dois músicos de Detroit, o tecladista Duane Hitchings e o guitarrista Werner Frittzchings. Com essa formação gravam mais um álbum, o “Ot’n’Sweaty”.

Fonte: http://murodoclassicrock.wordpress.com

"Rolling Stone" desnuda fenômeno Lady Gaga

2010-07-11T12:06:00.003-03:00

"Hoje é necessário quase dar um truque para fazer as pessoas escutarem alguma coisa inteligente”. A cantora norte-americana Lady Gaga conta essas e outras polêmicas sobre sua vida e carreira numa entrevista exclusiva à edição 46 da revista Rolling Stone Brasil (www.rollingstone.com.br), que chega as bancas dia 08 de julho em São Paulo e 15 de julho no restante do país.

Ícone do pop contemporâneo, Lady Gaga fala sobre o conturbado início de carreira, seu momento atual e tudo o que ajudou a ser a artista que é hoje. “Eu adoro os meus amigos e o meu passado, e foi isso quem fez quem eu sou”, afirma. Ela ainda se emociona ao falar do fim do relacionamento tempestuoso e passional que teve com um ex-namorado, o marco para sua transformação em Lady Gaga.

Demonstrando ser bastante sentimental, a cantora que está há quase 4 anos em turnê também falou sobre a grande amizade que tem hoje com o pai e a possibilidade de desenvolver Lúpus, uma rara e grave doença genética.

Confira algumas das frases da entrevista de Lady Gaga

“Lembro-me de estar no meu apartamento em Nova York com picadas de percevejo e baratas pelo chão. Eu percorri um longo caminho”

Ao empresário: “Estou ansiosa para tirar todos os meus discos de platina das paredes e abrir espaço para mais”

“Eu me sinto como qualquer outra garota insegura de 24 anos. Daí eu digo: ‘Sua louca, você é a Lady Gaga, pode se levantar e caminhar de cabeça erguida hoje!’”

“Durante toda a minha vida, meu pai ficou tentando esconder de mim que era um cara de verdade, e agora que eu tenho idade suficiente, somos os melhores amigos, porque ele simplesmente parou de tentar ser o pai”

“Não quero que as pessoas vejam que sou um ser humano no palco”

“Quando as pessoas acreditam em você, você tem a possibilidade de crescer”

“A música é uma mentira. A arte é uma mentira. Você precisa contar uma mentira tão maravilhosa que os seus fãs a transformam em verdade”

Fonte: www.bemparana.com.br

Aventura num show de rock

2010-06-17T09:42:00.004-03:00

Nossa "repórter" foi ao show do UFO, realizado no Carioca Club, em Pinheiros, no dia 26 de maio, e acompanhou bem de pertinho os caras detonando no show. Agora, você acompanha o que aconteceu no show e, supostamente, o que perdeu dessa passagem única da banda pelo Brasil.

Por Valéria de Vico

Finalmente umas das maiores bandas de Hard Rock setentista passou pelo Brasil pela primeira vez! Foram décadas de espera dos fãs, que na verdade, já tinham até perdido a esperança de ver o UFO tocando em terras brasileiras, e claro que me incluo nessa lista!

O dia não poderia ser melhor. Em plena quarta-feira, aniversário desta que vos escreve! Um baita de um presente, levando em consideração o quanto sou fã dessa banda.
Cheguei ao Carioca por volta das 19:00 horas com previsão de os portões serem abertos às 20:30 horas. A fila não estava tão grande e o que se via era um encontro bem legal da galera das antigas, pais com filhos, a noite realmente prometia.

Portões abertos: dei sorte de pegar um dos melhores lugares ali da casa, fiquei debruçadinha no palco esperando os véinhos entrarem!

Às 21:30 horas, de repente, entram no palco Phill Mogg - vocais, Vinnie Moore - guitarra, Paul Raymond - teclados, guitarra, Rob De Luca - baixo, Andy Parker - bateria e já mandam ver Let It Roll ! Delírio coletivo na certa! Na sequência veio Mother Mary valendo ressaltar a impressão que eu tive vendo o Vinnie Moore tocando! O cara toca muito, mas muito mesmo, mas é um estilo bem diferente do UFO, o que não tirou o encanto das músicas, só acrescentou!

Phill Mogg agradeceu os presentes pela primeira de muitas vezes com Thank You Saint Paul, interagindo com a galera e com o restante da banda o tempo todo! Ele até se esforçou lendo num papel um "Muito Obrigado!!"
Voltando ao show eles mandaram Day Light, The Kids, Cherry. A cada música, o público estava cada vez mais na mão dos caras! Essa hora eu já estava sem voz!
Paul Raymond , da formação original junto com Phill Mogg e Andy Parker, desenvolveu muito bem a dupla tarefa de guitarrista/ tecladista. Já com cara de vovô, mas com um fôlego e um feelling de colocar qualquer moleque no chinelo!

Falando em moleque, achei uma grata surpresa o desempenho do baixista Rob de Luca, que toca na banda do Sebastian Bach. Digo moleque, pois ele é o mais novinho dessa formação que veio para o Brasil. Ele veio com uma baita responsa de substituir o lendário Pete Way que segundo o que eu fiquei sabendo, está amargando uma cirrose, infelizmente.

Dando sequência, veio Only You Can Rock Me, outro momento em que eu me acabei literalmente de tanto gritar! Após mais esse clássico foi a vez da única música do álbum novo, The Visitor, Hell Driver. Confesso que eu não conheço esse novo álbum do UFO, mas notei que quase ninguém conhecia também, porém isso proporcionou um ligeiro descanso.

E esse descanso veio bem a calhar mesmo, pois logo na sequência, todos os presentes piraram com a introdução da próxima música. Era Love To Love, na verdade a que eu mais estava esperando. Ali não aguentei e chorei, e tenho certeza que um monte de marmanjos também choraram!

A essa altura o show já estava com jeito de despedida e aí só tocaram os clássicos que todos estavam esperando! Ain’t no Baby, Too Hot Too Handle, Lights Out, com direito a um Lights Out In São Paulo.
A banda se retira do palco por pouco tempo e retorna com um bluesinho que vira Rock Botton, com grandiosos solos de guitarra do Vinnie Moore ao longo da música e finalmente fechando a noite veio Doctor Doctor, e depois de muitos agradecimentos deixaram o palco e um público que estava extasiado e orgulhoso por ter visto essa lendária banda tocando em uma apresentação quase íntima! Inesquecível!

Parabéns aos produtores pela iniciativa. Espero que vocês possam fazer mais shows como esse!
E agradecimentos pra lá de especiais à ART ROCK que me proporcionou essa noite memorável e esse show inesquecível. Jamais esquecerei esse presentão!

Set List:
Let it Roll
Mother Mary
Day Light
Out in the Street
This Kids
Cherry
Only you can rock me
Hell Driver
Love to Love
Aint no baby
Too hot too handle
Lights out
Bis:
Rock Botton
Doctor Doctor

OFERTAS EM VINIL DA ART ROCK

2010-05-23T20:26:00.016-03:00

Confira algumas ofertas em VINIL da ART ROCK:

Humble Pie – Eat -It – Importado/duplo – R$ 70,00 (ótimo estado)
Humble Pie – Smokin – Importado – R$30,00 (ótimo estado)
Gênesis – Nursery Cryme – Importados – R$30,00 (ótimo estado)
Jefferson Airplane – Aless Its Pointed Little Head – Importado - R$30,00 (ótimo estado)
Jeffferson Airplane – Thirty Seconds Over Winterland – R$40,00 (ótimo estado)
Camel – A Live Records – R$30,00 – Nacional (ótimo estado)
Elvis – Loiras, Ruivas e Morenas – R$20,00 – Nacional – (ótimo estado)
Tyrannosaurus Rex – A Star Of Beards – 75,00 – Importado/Europeu (Lacrado)
Captain Beefheart & His Magic Band – Mirror Man – R$85,00 – Importado/Europeu (Lacrado)
Iron Maiden – Killers – R$15,00 – Nacional (ótimo estado)
Iron Maiden – Piece Of Mind – R$20,00 – Nacional/capa dupla (ótimo estado)

Yes – Tales From Topographic Oceans – R$50,00 – Importado (ótimo estado)
Restos de Nada – R$45,00 – Excelente – com pôster – completo (raro)
Triumvirat – Old Loves Die Hard – R$40,00 – Importado – (ótimo estado)
Joelho de Porco – São Paulo 1554 – Hoje – 25,00 (ótimo estado)

O rock e a literatura

2010-03-26T09:18:00.005-03:00

A revista Veja publicou em suas Páginas Amarelas (edição de 17/Fev/2010), entrevista (O pensador do pop) comandada pelo repórter Jerônimo Teixeira com o escritor inglês Nick Hornby, como citado na revista, um dos principais nomes da ficção inglesa contemporânea. Ele é autor de dois grandes sucessos das livrarias: Alta Fidelidade e Um Grande Garoto.

O que chama a atenção na entrevista é o ponto de vista de Hornby em relação à música, particularmente, ao rock’n’roll. Para ele, “o rock agora é como a literatura: existe uma biblioteca estabelecida. Você ouve o que está sendo feito hoje, e se dá conta de que algumas coisas se parecem com Jimi Hendrix ou Pink Floyd, e volta a escutar esses músicos. Sei que os jovens fazem isso: estão ouvindo Jimi Hendrix como quem lê Flaubert.”

Este tema já foi foco de abordagem aqui no blog da ART ROCK (ver artigo O Rock Acabou no arquivo). O rock sempre esteve atrelado à rebeldia, o rock sempre esteve acompanhado por algum movimento, seja ele político, social, humanístico, comportamental, etc. de modo que o movimento como um todo impulsiona as pessoas a aderirem a uma idéia.

Aquilo que o rock retratou nas décadas passadas, hoje é retratado pelo Hip-Hop e pelo Rap. Por esse ângulo, constata-se que o rock acabou, restando realmente os grandes clássicos, das grandes bandas, e a comparação que Hornby faz entre o rock e a literatura é certeira. Se existe uma biblioteca clássica, da mesma forma, existe uma discoteca clássica. Assim como a literatura clássica não é atraente aos jovens, os clássicos do rock também não são. A garotada não conhece essas bandas! Seria preciso muita divulgação, coisa que a mídia não nem pensa em fazer. Se observarmos o perfil da garotada que perambula pela tradicional Galeria do Rock, é fácil constatar que eles desfilam com camisetas de bandas “emo”, mas que não são consumidores dos discos das bandas que gostam. No máximo, baixam as músicas pela internet para ouvir no IPod, celulares... Este é o perfil que faz parte dessa geração.

Fim das lojas

Perguntado se o IPod e a música em formato digital mudaram o modo como o ouvinte se relaciona com a música, Hornby responde que “sim, foi uma mudança completa, e não sei ainda se para o bem ou para o mal. Há inúmeras comunidades organizadas em torno da música no mundo virtual, mas esse intercâmbio não existe mais no mundo real. Em Londres, pelo menos, (sic) não dá mais para ir a uma loja de discos para se encontrar com pessoas que tenham gosto musical similar ao seu. Esse tipo de loja, que eu retratei em Alta Fidelidade, não existe mais - aliás, seria impossível escrever esse livro nos dias de hoje...”

Infelizmente, esse processo que já se concluiu em Londres ( e em outras tantas capitais pelo mundo), está caminhando a passos largos em São Paulo. Em breve, a extinção das lojas irá privar essa comunidade que ainda resta de se encontra, trocar idéias, comprar um disco, um prazer que está indo embora levado pelo vento. Sem renovação, a população roqueira está envelhecida, sem novidades as pessoas não têm mais o que comprar. E aquilo de bom que existe e produzido nas décadas de 60 e 70, mas que não alcançou grande repercussão na época, a grande maioria das pessoas não conhecem, e também não tem muito interesse em conhecer.

A ART ROCK assim como as demais lojas que compõem o Espaço do Rock da Galeria Nova Barão, trabalham arduamente para manter viva a chama roqueira. Não é tarefa fácil porque estão diante de uma configuração que tudo sopra contra, desde as dificuldades em adquirir mercadorias boas a preços justos até os custos (aluguel, impostos, sem dizer que o lojista vive da venda).

Fazendo um paralelo com a comparação de Hornby em relação à literatura e o rock, quais grandes desses escritores da literatura universal você poderia gostar muito, mas não os conhece? Será que com as bandas de rock não é o mesmo caso? Para manter a chama do rock acesa é preciso combustível, e esse combustível é o consumo. Não tem jeito. E há também as comprar feitas nas lojas virtuais, cada compra dessas serve como um golpe nas lojas físicas, colaborando mais ainda para o fim delas.

PS: vote na enquete ao lado.

JORNAL DA TARDE faz matéria com a ART ROCK

2010-03-22T19:34:00.006-03:00

O Jornal da Tarde publicou hoje (22/03/2010) uma reportagem super legal sobre a ART ROCK tendo como pano de fundo a própria Galeria Nova Barão como um espaço alternativo cultural.

Esse fato nos deixa muito feliz, pois sabemos das inúmeras dificuldades que enfrentamos para tornar o Espaço do Rock um lugar atraente para todos que o visitam.

Gostaria de agradecer a Kátia e ao Carlos por acreditarem e investirem no Espaço do Rock através da Big Papa Record’s, e na busca incansável para torna o lugar cada vez melhor.

Abaixo, leia a íntegra da matéria escrita pelo repórter Marcelo Moreira.

Galeria do rock lado ‘b’

Com instituto cultural, Nova Barão quer atrair ‘órfãos’ do espaço que faz sucesso na TV

Marcelo Moreira, marcelo.moreira@grupoestado.com.br

Uma feira itinerante de compra, venda e troca de LPs e CDs e jam sessions com músicos famosos uma vez por mês regadas a cerveja gelada. Essas são as primeiras atividades do “instituto cultural informal” formado pelas lojas da Rua Alta da Galeria Nova Barão, no centro de São Paulo.

Enquanto a famosa Galeria do Rock se torna “personagem” da novela Tempos Modernos, da TV Globo, e acentua cada vez mais a sua nova vocação de shopping center de novas tendências de comportamento e moda,

as 11 lojas vinis e CDs da Nova Barão começam a se movimentar para transformar o seu espaço na alternativa para os órfãos do rock tradicional.

A ideia da criação de um instituto cultural na Rua Alta não é nova e pode sair formalmente até o final de 2010. Enquanto isso, o casal Kátia Pimentel e Carlos Suárez, da Big Papa Records, e os irmão Cláudio e Márcio Morais, da Art Rock, lideram o movimento para atrair os amantes de música descontentes dos rumos que a Galeria do Rock original, entre as ruas 24 de Maio e São João, tomou em direção ao mundo fashion.

“Fui o primeiro a chegar aqui, há dez anos, e mantenho a loja como um ponto de encontro de amigos que gostam de ouvir um bom rock e tomar cerveja”, diz Cláudio Morais, engenheiro químico psico-pedagogo que toca a Art Rock com irmão Márcio, jornalista e professor. “Em que outro lugar é possível juntar gente legal, com bom gosto, tomar cerveja e ouvir rock progressivo?”

Já Kátia e o norte-americano Suárez, da Big Papa, são os mentores do projeto em si do instituto cultural e os coordenadores da primeira feira itinerante de troca, compra e venda de LPs de São Paulo. Eles ainda promovem sessões de música no interior da loja, que vende gravuras e pinturas de artistas sem espaço para expor seus trabalhos.

Migração

As 11 lojas do bulevar da Rua Alta devem se tornar 13 até o meio do ano. Lojistas tradicionais da Galeria do Rock têm espaços reservados no local, já prevendo a possível decadência da venda de música no tradicional reduto de roqueiros da cidade.

É o caso dos sócios Fausto Mucin e André Mesquita, da Die Hard, especializada em heavy metal e rock clássico. Os dois já compraram uma loja na Nova Barão. “O público atual não tem o mesmo apreço pela música e se contenta com arquivos simples de áudio no computador. E esse é o público atual da Galeria do Rock”, diz Mucin, que não tem data para migrar. “Enquanto der, vamos ficando, mas uma hora teremos de tomar uma decisão. O aluguel na Nova Barão é um terço do que pagamos hoje aqui. Quando o consumo de música for se tornar uma coisa ‘cult’ deveremos ir para lá.”

Embora predominem as lojas especializadas em rock e em venda de vinis, o conceito cultural é mais amplo - pelo menos essa é a ambição de quem trabalha ali. A Big Papa, por exemplo, tem um acervo bastante interessante de CDs e LPs de jazz e música brasileira em geral, atraindo aficionados estrangeiros, como a estudante canadense Sarah Anton, frequentadora assídua das lojas e fã de Gal Costa e Maria Betânia.

“Venho pelo menos duas vezes por mês aqui e sempre encontro o que quero. Agora sou ‘sócio’ da Art Rock”, brinca Celso Capanema, consultor em tecnologia. Ricardo “Cachorrão” Flávio é outro que adora passar tardes de sábado passando por todas as lojas. “Conheço pessoas diferentes, ouço boa música, ensino meu filho a escutar coisa boa e me divirto tomando cerveja. Bom demais.”U

O astro das várias lentes

2010-03-09T17:54:00.005-03:00

Elton John é um dos maiores nomes do rock’n’roll de todos os tempos. Esta afirmação pode causar arrepios em muitos roqueiros, mas nem sempre a verdade agrada. É verdade que o astro inglês vive uma fase mais romântica, e até mesmo nostálgica, pois inúmeros sucessos dele vêm do passado.

Elton John nasceu em 25 de março de 1947. Na adolescência integrou uma banda chamada Bluesology. Reginald Kenneth Dwight é seu nome verdadeiro e “Elton John” é o nome artístico extraído dos nomes de dois integrantes daquela banda: Elton Dean (saxofonista) e Long John Baldry (líder da banda).

O primeiro álbum Empty Sky, de 1969, não chegou a fazer sucesso, mas colaborou para esquentar a carreira do astro. Na sequência, lançou Elton John (este disco contém a clássica Your Song), Tumbleweed Connection, Madman Across The Water, Honky Chateau e Don’t Schoot Me I’m Only The Piano Player. Todos os álbuns lançados até então ainda não faziam o sucesso esperado pelo compositor, ainda mais por se tratar de uma fase na história do rock em que achar um espaço na cena quando as luzes estão voltadas para Led Zeppelin, Black Sabbath, bandas que explodiram logo de cara nos primeiros álbuns, não era tarefa fácil.

Mas, em 1973, John acertou a mão com o lançamento do mais badalado álbuns de sua carreira, o disco que o revelou para todo o mundo: Goodbye Yellow Brick Road. Há quem afirme que o disco de 1975, Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy foi ainda melhor, mas o fato é que Goodbye foi o disco que acendeu Elton John as alturas do rock’n’roll. Talvez, pode não ter sido o melhor, mas certamente foi o mais importante. Ainda na década de 70 ele lançaria mais cinco álbuns!

Passado essa fase, Elton John perambulou de estilos em estilos até novamente acertar a mão, só que desta vez para reerguer a carreira, cujo rumo estava meio sem direção. Em 1992, lançou The One, o álbum foi considerado um dos melhores do ano em todo o mundo.

Elton John é daqueles artistas plurais, isto é, não se prende a um estilo e fica nele insistentemente, mesmo sentindo que não está dando mais certo. Ousa em inovar e tentar novas músicas, novos públicos. David Bowie e Rod Stewart também seguiram nessa linha. E todos se deram muito bem!

Goodbye Yellow Brick Road e Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy são dois disco entre os 100 melhores do século XX em ranking realizado pela revista americana Rolling Stone.

Tá bom!

Novos CDs na ART ROCK

2010-02-05T08:12:00.011-02:00

A ART ROCK recebeu nesta semana mais um lote de CDs novos. Confira algumas novidades.

Deep Purple – Stormbringer (edição especial CD+DVD)
Rod Stewart (com Ron Wood) – Unplugged...and Seated (edição espeical CD+DVD)
Ringo Starr – Photograph (CD+DVD)
George Harrison – All Things Must Past (duplo importado)
Faces – The Definitive – Duplo
Neil Young – Fork I The Road(edição especial CD+DVD)
Yes – Tales From The Topographic Ocean (duplo remasterizado)
Gênesis – Foxtrot, Nursery Cryme, Trapass, Gênesis (1ºcapa preta), Selling England By the Pound (todas resmaterizadas)
Frank Zappa – Chungaás Revenge – remaster
Frank ZappaIn New York – Duple remaster
Frank Zappa – Monsters
David Bowie – Heroes, Diamong Dogs, Station to Station, Ziggy Stardust, Hours, The Man Who Sold the World, Low (todas ediçoes importadas e remasrterizadas
ZZ Top – Gretest Hits – remaster
ZZ Top - Eliminator – remaster
Rolling Stones – Vários Álbuns remasters
BOX c/3 CDs de Luxo Woodstock – coletânea importada
Paul McCarteney – All the Best – remaster
BOX The Animals duplo

Traveling Wilburys - Collection 2CDs+DVD

E muito mais…

Charlie Watts diz não gostar de Elvis e Beatles

2010-02-02T16:16:00.003-02:00

O baterista dos Rolling Sones, Charlie Watts, declarou a um jornal austríaco que nunca gostou de Elvis Presley e dos Beatles. As informações são do site Spinner.

“Nunca fui fã dos Beatles. Do Ringo sim, mas não da música. E sempre detestei Elvis Presley. Ele seria o último artista a me inspirar. Miles Davis e Fats Domino, sim, mas Elvis, não”, declarou o músico.

Com uma assustadora sinceridade, o lendário baterista também afirmou que não se incomodaria se os Stones parassem de tocar. “Honestamente, não daria a mínima se isso acontecesse. Jazz é a minha paixão. É a música que realmente quero tocar. Os Stones são meramente um passatempo inconveniente”, revelou.

Watts atualmente faz uma série de concertos na Áustria, com a banda de blues e jazz The ABC&D of Boogie Woogie — assim chamada por causa das iniciais dos integrantes Axel Zwingenberger, Ben Waters, o próprio Charlie Watts e Dave Green.

Entretanto, o promoter da trunê, Will Turk, garante que os Rolling Stones voltarão em breve. “Os shows do The ABC&D só são possíveis porque os Stones estão dando um tempo. Quando Mick Jagger chama, Charlie está sempre pronto”, disse.

Fonte: http://www.g1.com.br

Ozzy, o destaque das 500 Mais 2009 da Kiss FM

2010-01-18T13:19:00.004-02:00

A edição 2009 dos 500 clássicos do rock da Kiss FM trouxe algumas surpresas, principalmente as músicas que ficaram nas 10 primeiras posições. Geralmente, as cinco primeiras alternam-se entre Queen (Bohemian Rhapsody), Deep Purple (Smoke on the Water), Led Zeppelin (Stairway to Heaven), Rolling Stones (Satisfaction), Beatles (Help), como no ano passado. Somente duas músicas ocuparam a primeira posição até hoje: Stairway to Heaven e Bohemian Rhapsody. Smoke on the Water ficou na 61ª posição! No entanto, Rock’n’Roll Train, do AC/DC ocupou a 6ª posição. Vale lembrar que se trata de uma música do álbum novo da banda. Outra posição que chamou a atenção foi Back in Black, 2ª, à frente de Bohemian Rapsody.

Não há dívida de que se trata de grandes clássicos do Rock’n’Roll, mas também, não há dívida de que o show do AC/DC influenciou muito o público votante, assim como o show do Metallica, que já vinha sendo anunciado desde o fim do ano passado, além disso, são duas grandes renomadas bandas! Entre as 10 primeiras posições o AC/DC ficou com três! Vale dizer também que várias outras perfilaram a lista, e o Metallica ocupou a 5ª, com One.

Mas um nome despontou na lista, tanto como solo como na sua banda de origem: Ozzy Osbourne (Black Sabbath). Foram 17 músicas! Isso revela o carisma do maldito ídolo, de sua voz rouca e presença cativante no palco. Ozzy é um marco na história do rock. Ao todo, superou Led Zeppelin (com 10 posições) e Beatles (com 12 posições).

Outro detalhe que ficou evidente nessa lista de 2009 foi a grande participação de bandas da década de 80, como o The Cure, The Cult, The Smiths, e 90, como o Alice in Chance, Soundgarden e Pearl Jam. O público certamente reconhece a colaboração dessas bandas na cena roqueira, mas isso se deve muito mais a uma ou outra música mais específica composta pela banda do que a própria carreira da banda. Por exemplo, sem o álbum Ten, o Pearl Jam não seria nada. E por aí vai...

Black Sabbath
Pesquisa feita pelo blog da ART ROCK contatou que para 80% dos votantes consideram o Black Sabbath como a primeira banda de heavy metal do mundo. Não é por menos. Até então, não havia nada parecido com os riffs pesados de Tonny Iommi e a postura cativante de Ozzy antes do Black Sabbath. Entre as grandes bandas, talvez só o Iron Maiden surgiu com peso de ferro e com cara de heavy metal e deu ao gênero um clima novo, com velocidade e criatividade.

Veja a lista completa das 500 Mais da Kiss FM de 2009

500 – Elvis Presley – Jailhouse Rock
499 – Status Quo – Rockin’ All Over The World
498 – Duran Duran – Save a Prayer
497 – Bruce Dickinson – Chemical Wedding
496 – The Who – Anyway, Anyhow, Anywhere
495 – Faith No More – Falling To Pieces
494 – Marillion - Kayleigh
493 – Jethro Tull – To Old to Rock and Roll, To Young to Die
492 – Bad Finger – Day After Day
491 – The Clash – Rock The Casbah
490 – Black Sabbath – War Pigs
489 – Live – Operation Spirit
488 – Santana – Evil Ways
487 – David Coverdale & Jimmy Page – Shake My Tree
486 – Hoodoo Gurus – 1000 Miles Away
485 – James Brown – I Feel Good
484 – Morissey – Suedhead
483 – Sex Pistols – Holiday in the Sun
482 – Buddy Guy – Mustang Sally
481 – Bliss – I Hear You Call
480 – The Beatles – Dizzy Miss Lizzy
479 – Iggy Pop – Cry for Love
478 – Tom Petty – Free Fallin'
477 – Foghat – Slow Ride
476 – Jimi Hendrix – Crosstown Traffic
475 – David Bowie – Modern Love
474 – Led Zeppelin – D’yer Mak’er
473 – Rainbow – Man of the Silver Mountain
472 – Ozzy Osbourne – Bark at the Moon
471 – Peter Schilling - Major Tom
470 – Joan Jett & The Blackhearts – I Hate Myself for Loving You
469 – Billy Idol – Eyes Without a Face
468 – Grand Funk Railroad – Bad Time
467 – David Lee Roth – Just Like Paradise
466 – Sweet – Love is Like Oxigen
465 – The Beatles – Can’t Buy Me Love
464 – Siouxsie & The Banshees – Cities in Dust
463 – Guns n’ Roses – Civil War
462 – Kiss – Detroit Rock City
461 – Journey – When You Love a Woman
460 – Rolling Stones – Brown Sugar
459 – Janis Joplin – Cry Baby
458 – Billy Squier – The Stroke
457 – Lovin’ Spoonful – Do You Believe in Magic
456 – Motley Crue – Home Sweet Home
455 – Blondie – Maria
454 – Left Side – Mamma Mia
453 – Shocking Blue – Venus
452 – Judas Priest – Turbo Lover
451 – The Cult – Big Neon Glitter
450 – Lenny Kravitz – Always on the Run
449 – George Harrison – Got My Mind Sent on You
448 – Metallica – Turn the Page
447 – Fastway – Say What You Will
446 – Creedence Clearwater Revival – Hey Tonight
445 – Lynyrd Skynyrd – That Smell
444 – Pearl Jam - Daughter
443 – Bob Sieger & The Silver Bullet Band – Turn the Page
442 – The Smiths - Panic
441 – The Cure - Lullaby
440 – Bob Dylan – Knockin’ on Heaven’s Door
439 – Queen – I Want to Break Free
438 – Janis Joplin – Me and Bobby McGee
437 – Midnight Oil – Blue Sky Mine
436 – Concrete Blonde - Heal it Up
435 – Dire Straits – Walk of Life
434 – Ramones – Rock and Roll High School
433 – Genesis – That’s All
432 – The Doors – Break on Trough (To The Other Side)
431 – Van Halen – Love Walks In
430 – Dio – Dream On
429 – Gotthard - Anytime Anywhere
428 – Free – All Right Now
427 – Arc Angels - Sent By Angels
426 – Johnny Rivers – Secret Agent Man
425 – Creedence Clearwater Revival - Molina
424 – The Guess Who – American Woman
423 – U2 – Pride (In the Name of Love)
422 – The Beatles – Here, There and Everywhere
421 – Roy Orbison – Oh! Pretty Woman
420 – Midnight Oil – Forgotten Years
419 – Iron Maiden – Heaven Can Wait
418 – Metallica – Wherever I May Roam
417 – Led Zepellin – Hey Hey What Can I Do
416 – Ramones – Do You Wanna Dance
415 – Hoodoo Gurus – Another World
414 – Katrina & The Waves – Walking on Sunshine
413 – Live – Waterboy
412 – Coldplay - Yellow
411 – T-Rex – Children of the Revolution
410 – The Who – Behind Blue Eyes
409 – The Police – Can’t Stand Losing You
408 – Van Morrison – Brown Eyed Girl
407 – Yes – Leave It
406 – Frank Zappa – Bobby Brown Goes Down
405 – Kiss – Hard Luck Woman
404 – The Mamas and The Pappas - Cali
403 – Elvis Presley – Suspicious Minds
402 – The Blues Brothers – Sweet Home Chicago
401 – Black Sabbath – The Wizard
400 – Dick Dale - Misirlou
399 – Hot Chocolate – You Sexy Thing
398 – Foo Fighters – Learn to Fly
397 – The Clash – This is Radio Clash
396 – Red Hot Chili Peppers – Give it Away
395 – Kansas – Dust in the Wind
394 – Faith no More - Easy
393 – The Doobie Brothers – Listen to the Music
392 – Men at Work – Be Good Johnny
391 – Charles Daniels Band - The Devil Went Down to Georgea
390 – Nazareth – Razamanaz
389 – Aerosmith – I’m Down
388 – Queen – Crazy Little Thing Called Love
387 – Ozzy Osbourne – Black Rain
386 – Jimi Hendrix – Fire
385 – The Beatles – Lucy in the Sky With Diamonds
384 – Electric Light Orchestra – Rock and Roll is king
383 – Supergrass – Alright
382 – The Sisters Of Mercy - Walk Away
381 – Bon Jovi – Runaway
380 – Whitesnake – Judgement Day
379 – ZZ Top – Gimme All Your Lovin’
378 – Supertramp – It’s Raining Again
377 – The Kinks – You Really Got Me
376 – Creedence Clearwater Revival – Susie Q
375 – Bad Finger – No Matter What
374 – Rush – Time Stand Still
373 – Rolling Stones – Harlem Shuffle
372 – Elvis Presley – Blue Suede Shoes
371 – Black Sabbath – Changes
370 – The Beatles – Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (Reprise)
369 – Pink Floyd – Learning to Fly
368 – Red Hot Chili Peppers – Snow (Hey Oh)
367 – Blondie – Heart of Glass
366 – Nirvana – The Man Who Sold the World
365 – Smashing Pumpkins - Tonight, Tonight
364 – R.E.M – Shinny Happy People
363 – Echo & The Bunnymen - The Killing Moon
362 – The Allman Brothers Band – Melissa
361 – Deep Purple – Space Truckin’
360 – The B52’s – Private Idaho
359 – Robert Plant – 29 Palms
358 – Scorpions – Big City Nights
357 – The Cult – Rain
356 – Paul McCartney & The Wings – Band On The Run
355 – Bruce Springsteen – Glory Days
354 – The Pretenders – Don't Get Me Wrong
353 – Def Leppard – Bringin' On The Heartbreak
352 – Phenomena II – Did It All For Love
351 – Bad Company – Shooting Star
350 – Oingo Boingo – Stay
349 – Peter Frampton – While My Guitar Gently Weeps
348 – David Bowie – Starman
347 – Sex Pistols – God Save The Queen
346 – The Beatles – Hello, Goodbye
345 – Lou Reed – Walk On The Wild Side
344 – Santana – Black Magic Woman
343 – Duran Duran – A View To A Kill
342 – The Clash – Train In Vain (Stand By Me)
341 – Talking Heads – Burning Down The House
340 – The The – This Is the Day
339 – Sweet – Ballroom Blitz
338 – Supertramp – Goodbye Stranger
337 – David Coverdale – Love is Blind
336 – Foghat – Fool For the City
335 – Emerson, Lake And Palmer – From The Beginning
334 – Queen – I Want It All
333 – Iggy Pop – The Passenger
332 – Turtles – Happy Together
331 – Jimi Hendrix – Foxy Lady
330 – Led Zeppelin – Dancin' Days
329 – Rolling Stones – Start Me Up
328 – Billy Idol – Dancing With Myself
327 – The Sisters of Mercy – More
326 – Stray Cats – Rock This Town
325 – Aerosmith – Janie's Got A Gun
324 – Van Halen – Ain't Talkin' ‘Bout Love
323 – Temple Of The Dog – Hungerstrike
322 – U2 – New Years Day
321 – Sex Pistols – Anarchy in the U.K
320 – Soundgarden – Outshined
319 – Alice Cooper – Hey Stoopid
318 – Skid Row – In a Darkened Room
317 – Whitesnake – Fool For You Loving
316 – Janis Joplin – Summertime
315 – Joe Cocker – Unchain My Heart
314 – The Outfield – Your Love
313 – AC/DC - It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll)
312 – The Beatles - I Want to Hold Your Hand
311 – Grand Funk Railroad – We're An American Band
310 – Suzi Quatro – 48 Crash
309 – Bachman–Turner Overdrive – Down Down
308 – Peter Frampton – Show Me The Way
307 – George Harrison – My Sweet Lord
306 – Bad Company – Feel Like Makin' Love
305 – Whitesnake - Good to Be Bad
304 – Ramones- I Wanna be Sedated
303 – David Lee Roth – Just a Gigolo
302 – The Who – You Better You Bet
301 – Faith No More – Midlife Crisis
300 – Dream Theater – Another Day
299 – The B-52's – Love Shack
298 – Extreme – Hole Hearted
297 – America – Horse With No Name
296 – Black Crowes – Thorn In My Pride
295 – Aerosmith – What It Takes
294 – Survivior – Burning Heart
293 – The Doors – L.A Woman
292 – Joe Satriani – Summer Song
291 – Yes – Love Will Find a Way
290 – Ben King – Stand By Me
289 – Stone Temple Pilots – Plush
288 – Midnight Oil – Beds Are Burning
287 – REO Speedwagon – Keep On Loving You
286 – Boston – Rock'n Roll Band
285 – Nirvana – In Bloom
284 – Cream – Crossroads
283 – Focus – Sylvia
282 – Guns N’ Roses – Yesterdays
281 – The Mission – Severina
280 – Neil Young – Rockin' In The Free World
279 – Ted Nugent – Cat Scratch Fever
278 – Winger – Miles Away
277 – The Smiths – Bigmouth Strikes Again
276 – Rush – Closer To The Heart
275 – Pearl Jam – Even Flow
274 – Bruce Springsteen – Dancing In The Dark
273 – Rolling Stones – (I Can't Get No) Satisfaction
272 – Joy Division – Love Will Tear Us Apart
271 – Red Hot Chili Peppers – Californication
270 – Autograph – Turn Up the Radio
269 – Uriah Heep – Easy Livin'
268 – AC/DC – Money Talks
267 – Bauhaus – Ziggy Stardust
266 – Quiet Riot – Cum On Feel The Noize
265 – Joan Jett & The Blackhearts – I Love Rock'n Roll
264 – Aerosmith – Amazing
263 – Elvis Presley – A Little Less Conversation
262 – Whitesnake – Here I Go Again
261 – Deep Purple – Hush
260 – Ramones – I Believe In Miracles
259 – Queen – We Will Rock You
258 – Blondie – Call Me
257 – Eric Clapton – Bad Love
256 – Blue Oyster Cult – Godzilla
255 – Queen – Another One Bites the Dust
254 – Dire Straits – Money For Nothing
253 – Bon Jovi – Bad Medicine
252 – Journey – Separate Ways
251 – Rush – The Spirit of Radio
250 – Scorpions – Rock You Like A Hurricane
249 – Elvis Presley – My Way
248 – Queen – Radio Gaga
247 – George Thorogood – Bad to the Bone
246 – Motörhead – Louie Louie
245 – Kiss – I Was Made For Lovin' You
244 – Heart – If Looks Could Kill
243 – Scorpions – Holiday
242 – The Smiths – Ask
241 – The Cure – Friday I'm In Love
240 – Thin Lizzy – The Boys Are Back In Town
239 – The Cult – Painted On My Heart
238 – Red Hot Chili Peppers – Under the Bridge
237 – The Beatles – Let It Be
236 – Eric Clapton – Cocaine
235 – Bob Dylan – Blowin' In the Wind
234 – Van Halen – Dance The Night Away
233 – Supertramp – The Logical Song
232 – Rory Gallagher – Shadow Play
231 – The Kinks – Lola
230 – Guns N’ Roses – Don't Cry
229 – The B-52's – Legal Tender
228 – Yes – Roundabout
227 – Boston – Don't Look Back
226 – The Police – Roxanne
225 – Don McLean – American Pie
224 – Van Halen – Panama
223 – The Verve – Bitter Sweet Symphony
222 – Def Leppard – Animal
221 – Grand Funk Railroad - Some Kind of Wonderful
220 – Rush – Subdivisions
219 – Kiss – Lick it Up
218 – Live – Pain lies on the riverside
217 – The Smiths – How Soon Is Now?
216 – Nazareth – Hair of the Dog
215 – Scorpions – Wind Of Change
214 – Oasis – Wonderwall
213 – Van Halen – Dreams
212 – Queen – Somebody To Love
211 – Ramones – Poison Heart
210 – U2 – With or Without You
209 – Twisted Sister – I Wanna Rock
208 – Alice Cooper – No More Mr. Nice Guy
207 – The Beatles – Day Tripper
206 – Boston – More Than a Feeling
205 – Iron Maiden – Run to the Hills
204 – Pink Floyd – Summer '68
203 – Grand Funk Railroad – Heartbreaker
202 – Rainbow – Long Live Rock 'n' Roll
201 – Whitesnake – Love Ain't No Stranger
200 – The Clash – Should I Stay or Should I Go
199 – Bon Jovi – Livin' on a Prayer
198 – Chuck Berry – Johnny B. Good
197 – Genesis – Mama
196 – Nazareth - Love Hurts
195 – Ozzy Osbourne – Mama I'm Comin' Home
194 – Queen - Love of My Life
193 – Scorpions – Still Loving You
192 – Supertramp – Fool's Overture
191 – Bruce Springsteen – Born In the U.S.A
190 – The Bolshoi – Sunday Morning
189 – ZZ Top – Sharp Dressed Man
188 – Alice Cooper – School’s Out
187 – The Beach Boys – Surfin’ USA
186 – Black Sabbath – Children of the Grave
185 – Dire Straits – Brothers in Arms
184 – The Doors – Roadhouse Blues
183 – The Beatles – I Should Have Know Better
182 – Guns N’ Roses – Better
181 – Creedence Clearwater Revival – Proud Mary
180 – The Doors – Love Me Two Times
179 – Kiss – Love Gun
178 – Led Zeppelin – Going to California
177 – Deep Purple – Mistreated
176 – Iron Maiden – Wasting Love
175 – Kiss – God Gave Rock and Roll to You
174 – David Coverdale – The Last Note of Freedom
173 – Nirvana – Come As You Are
172 – Blue Oÿster Cult – Burnin' For You
171 – Peter Frampton – Breakin’ All the Rules
170 – Black Sabbath – Iron Man
169 – Rush – Nobody’s Hero
168 – Led Zeppelin – All My Love
167 – Metallica – The Unforgiven
166 – Angra – Lisbon
165 – Asia – Only Time Will Tell
164 – Bachman-Turner Overdrive – Hold Back the Water
163 – Aerosmith – Love in an Elevator
162 – The Animals – The House of Rising Sun
161 – Pink Floyd – Wish You Were Here
160 – Metallica – The Unforgiven II
159 – Kiss – Rock and Roll All Nite
158 – The Doors – Light My Fire
157 – Creedence Clearwater Revival – Have You Ever Seen The Rain?
156 – Bob Dylan – Like a Rolling Stone
155 – The Black Crowes – Remedy
154 – Aerosmith – I Don’t Want to Miss a Thing
153 – Black Sabbath – Black Sabbath
152 – Bad Company – Bad Company
151 – The Who – Won’t Get Fooled Again
150 – The Beatles – Revolution
149 – R.E.M – Losing My Religion
148 – Talking Heads – Psycho Killer
147 – Rush – Fly By Night
146 – Steppenwolf – Born to be Wild
145 – Whitesnake – Is This Love
144 – Megadeth – Symphony of Destruction
143 – The Beatles – Something
142 – Lynyrd Skynyrd – Simple Man
141 – Black Sabbath – N.I.B
140 – Judas Priest – Breaking the Law
139 – Led Zeppelin – Immigrant Song
138 – Journey – Remember Me
137 – Guns N’ Roses – Estranged
136 – Faith No More – Epic
135 – The Doors – The End
134 – Bon Jovi – You Give Love a Bad Name
133 – AC/DC – Hells Bells
132 – The Beatles – Come Togheter
131 – Motorhead – Ace of Spades
130 – Kiss – I Love It Loud
129 – Metallica – Sad But True
128 – John Lennon - Imagine
127 – Jethro Tull - Aqualung
126 – Guns N’ Roses – Patience
125 – Jerry Lee Lewis – Great Balls of Fire
124 – The Beach Boys – Barbara Ann
123 – Dio – Rainbow in the Dark
122 – Bob Dylan - Hurricane
121 – Janis Joplin – Piece of My Heart
120 – Metallica – Seek and Destroy
119 – The Who – My Generation
118 – Twisted Sister – We’re Not Gonna Take It
117 – Ramones – Pet Sematary
116 – Jimi Hendrix – Little Wing
115 – Queen – Don’t Stop Me Now
114 – Rolling Stones – Angie
113 – Elvis Presley – Don’t Be Cruel
112 – Van Halen – Why Can’t This Be Love
111 – Black Sabbath – Sabbath Bloddy Sabbath
110 – AC/DC – Jailbreak
109 – Kiss – Forever
108 – Joe Cocker – With a Little Help From My Friends
107 – Ozzy Osbourne – Mr. Crowley
106 – Iron Maiden – Aces High
105 – Led Zeppelin – Rock and Roll
104 – Ramones – Surfin’ Bird
103 – Queensryche – Silent Lucidity
102 – Deep Purple – Wasted Sunsets
101 – Pink Floyd – Time
100 – Eagles – Hotel California
099 – Led Zeppelin – Tangerine
098 – Janis Joplin – Mercedes Benz
097 – Asia – Heat of the Moment
096 – Deep Purple – Black Night
095 – Pink Floyd – Money
094 – Alice in Chains – Man in the Box
093 – Lynyrd Skynyrd – Sweet Home Alabama
092 – AC/DC – For Those About to Rock (We Salute You)
091 – Journey – Don’t Stop Believin’
090 – Dio – Holy Diver
089 – Van Halen - Jump
088 – U2 – Sunday Bloddy Sunday
087 – Ozzy Osbourne – Crazy Train
086 – Metallica – Nothing Else Matters
085 – Led Zeppelin – Black Dog
084 – Pearl Jam – Alive
083 – Metallica – The Day That Never Comes
082 – Deep Purple – Highway Star
081 – AC/DC – Black Ice
080 – The Who – Baba O’ Riley
079 – Metallica – Enter Sandman
078 – Kansas – Carry On My Wayward Son
077 – Guns N’ Roses – Paradise City
076 – Rush – Tom Sawyer
075 – Focus – Hocus Pocus
074 – Ozzy Osbourne – No More Tears
073 – Nirvana – Smells Like Teen Spirit
072 – Iron Maiden – The Number of the Beast
071 – Queen - Innuendo
070 – Black Sabbath – Paranoid
069 – Bruce Dickinson – Tears of the Dragon
068 – Iron Maiden – Wasted Years
067 – AC/DC – You Shook Me All Night Long
066 – Black Sabbath – Heaven and Hell
065 – Guns N’ Roses – Welcome to the Jungle
064 – Pink Floyd – Another Brick in the Wall (Part II)
063 – Pearl Jam – Black
062 – Alice Cooper - Poison
061 – Deep Purple – Smoke on the Water
060 – Dire Straits – Sultans of Swing
059 – Pearl Jam – Jeremy
058 – Queen – Who Wants to Live Forever
057 – Metallica – The Unforgiven III
056 – Scorpions – Always Somewhere
055 – Ramones – Blitzkrieg Bop
054 – Queen & David Bowie – Under Pressure
053 – Whitesnake – Still of the Night
052 – The Beatles – A Day in the Life
051 – Led Zeppelin – Good Times, Bad Times
050 – Pink Floyd – Comfortably Numb
049 – The Cult – Revolution
048 – The Beatles – Get Back
047 – Aerosmith – Mama Kin
046 – The Allman Brothers Band – Ramblin’ Man
045 – Van Halen – Can’t Stop Lovin’ You
044 – Steppenwolf – Magic Carpet Ride
043 – Yes – Owner of a Lonely Heart
042 – Rolling Stones - Beast of Burden
041 – U2 – I Still Haven’t Found What I’m Looking For
040 – Rush – The Big Money
039 – Aerosmith – Livin’ on the Edge
038 – Ramones – Spiderman
037 – Ozzy Osbourne – I Just Want You
036 – AC/DC - TNT
035 – Whitesnake – All I Want All I Need
034 – Radiohead – Fake Plastics Trees
033 – Kiss – Deuce
032 – The Doors – People Are Strange
031 – The Cult – Sweet Salvation
030 – T. Rex - 20th Century Boy
029 – The Who – I Can’t Explain
028 – Eric Clapton – Forever Man
027 – The Clash – Tommy Gun
026 – Scorpions – Send Me An Angel
025 – Rush – Afterimage
024 – The Who – The Seeker
023 – Rolling Stones – Bitch
022 – Iggy Pop – Louie Louie
021 – Rolling Stones – Don’t Stop
020 – Van Halen – Feel Your Love Tonight
019 – Jimi Hendrix – Hey Joe
018 – Guns N’ Roses – November Rain
017 – Deep Purple – Burn
016 – AC/DC - Thunderstruck
015 – Lynyrd Skynyrd – Free Bird (Live)
014 – Guns N’ Roses – Sweet Child O’ Mine
013 – Deep Purple – Perfect Strangers
012 – AC/DC – Highway to Hell
011 – Iron Maiden – Fear of the Dark
010 – Pink Floyd – Comfortably Numb [Repetida]
009 – Aerosmith – Dream On
008 – AC/DC – TNT [Repetida]
007 – Led Zeppelin – Kashmir
006 – AC/DC – Rock ‘n’ Roll Train
005 – Metallica – One
004 – The Beatles – Help
003 – Queen – Bohemian Rhapsody
002 – AC/DC – Back In Black
001 – Led Zeppelin – Stairway to Heaven

A vida e a simplicidade de George Harrison

2009-12-17T18:40:00.014-02:00

Após a separação dos Beatles, em 1970, ofuscado por anos por John Lennon e Paul McCartney, George Harrison lançou grande parte do material que havia acumulado e inicou sua carreira solo. O primeiro álbum de George foi um sucesso de crítica e de público. All Things Must Pass, de 1970, é considerado por muitos como o melhor disco de um ex-beatle e um dos melhores discos da história. O álbum era triplo (quando lançado em vinil), o primeiro álbum triplo da história do rock (que em CD, se tornou duplo). O álbum atingiu o primeiro posto das paradas de sucesso britânicas e norte-americana, incluía sucessos como as músicas My Sweet Lord, Isn’t It a Pity e What is Life. Anos mais tarde a canção My Sweet Lord, presente no álbum, lhe trouxe problemas devido a uma acusação de violação de direitos autorais. A canção era bem parecida com He's so Fine (single de 1963), do grupo The Chiffons. George negou a acusação, mas em 1976, foi condenado por ter subconcientemente plagiado a canção. As discussões sobre os pagmentos aos danos causados levaram o caso a ser continuado até os anos 90.

Durante este período, violando os preceitos éticos legais, o então empresário dos Beatles, Allen Klein, comprou a editora Bright Tune, dona dos direitos autorais de He's so Fine, e trocou de lado, entrando na justiça ntra Harrison -obviamente para poder capitalizar nos pagamentos dos danos que Harrison eventualmente teria que fazer a editora. Finalmente, anos depois, Harrison comprou os direitos de ambas canções, He's So Fine e My Sweet Lord. Quando o álbum foi remasterizado em CD, a música ganhou uma versão nova chamada "My Sweet Lord 2000".

Em 1971, pela primeira vez na história do rock, George Harrison organizou um show humanitário. O show aconteceu em 1 de agosto no Madison Square Gerden, em Nova York, reuniu cerca de 40.000 pessoas e contou com a participação de Eric Clapton, Ravi Shankar, Bob Dylan, Ringo Starr, Leon Russell, Billy Preston e o grupo Badfinger. Os outros ex-Beatles também foram chamados mas só Ringo Starr compareceu. Paul alegou ser muito cedo para reunir a banda novamente e John não compareceu porque o convite não se estendeu a sua esposa, Yoko Ono. O The Concert For Bangladesh foi feito com a finalidade de arrecadar fundos para refugiados de Bangladesh. Em 2005 o álbum foi relançado em CD e em DVD e as arrecadações foram doadas à Unicef.

De forma adicional ao seu próprio trabalho, Harrison escreveu duas canções para Ringo Starr, It Don't Come Easy e Photograph, incluídas no álbum Ringo, de 1973. Apareceu a seguir no álbum Imagine (1971), de John Lennon, assim como nas canções You're Breakin' My Heart de Harry Nilson, Day After Day de Badfinger, That's The Way God Planned It de Billy Preton e Basketball Jones de Cheech & Chong.

Seu próximo álbum se chamou Living in a Material World (1973) e fez sucesso com a canção Give me Love (Give me peace on Earth), segunda a atingir o primeiro lugar nas paradas de sucesso dos Estados Unidos, depois de My Sweet Lord.

Em 1974, George separou-se da sua primeira mulher, Pattie Boyd, que depois acabou tendo um romance com seu amigo Eric Clapton - que era apaixonado por ela havia muito tempo e chegou a escrever para ela a famosa canção Layla. No mesmo ano, ele lançou o álbum Dark Horse, que teve muitas críticas negativas. George iniciou sua primeira turnê e seus shows foram muito criticados por conter um longo número do artista Ravi Shankar e também porque George sofria de problemas vocais e sua voz apresentou-se falha. George também lançou seu selo, a Dark Horse Records. O selo começou a funcionar somente em 1976.

Extra Texture foi seu último álbum lançado pela Apple Records, em 1975. Foi um álbum para cumprir contrato com a gravadora. A canção You foi o sucesso do álbum, embora não tenha atingido o primeiro lugar nas paradas. O álbum chegou na posição 8 nas paradas de sucesso dos Estados Unidos.

Somente em 1976 é que George lançou um álbum pelo seu selo, a Dark Horse Records, 33 1/3. Na época George ficou doente com hepatite, o que fez com que ele mudasse a distribuidora do álbum da A&M Records para a Warner Bros Records pelo fato que a A&M Records queria que ele entregasse um novo álbum até junho e isso se tornou impossível com a doença. Para o álbum ele escreveu "This Song", canção que satirizava o caso de plágio de My sweet Lord. As canções This Song e Crackerbox Palace fizeram um certo sucesso e o álbum atingiu o décimo primeiro lugar nas paradas de sucesso dos Estados Unidos. A única promoção que George fez para o álbum foi se apresentar junto ao cantor Paul Simon no programa "Saturday Night Live" em 20 de novembro de 1976.

Em 1979, George lançou um álbum que tinha seu nome no título, George Harrison. O álbum trouxe um sucesso modesto com a canção Blow Away e atingiu o décimo sexto lugar nos Estados Unidos. No mesmo ano, George junto com um sócio, Denis O'Brian, lançou a produtora de filmes chamada Handmade Films. Com a Handmade foram produzidos, entre outros, os filmes A Vida de Brian (com o grupo Monty Python) e Shangai Surprise (com Madonna).

Biografia e “Gone Troppo”
Em 1980, ele escreveu uma autobiografia intitulada I Me Mine, onde falava pouco dos Beatles e mais de seus hobbies preferidos: corridas de Fórmula 1 e jardinagem. O livro inclui também letras de suas músicas e fotos raras. John Lennon, antes de morrer, declarou que ficou magoado com George por ter sido pouco mencionado em sua biografia.

Após o assassinato de John Lennon, em 1980, escreveu a canção All those years ago em sua homenagem e chamou Paul McCartney, Linda McCartney e Ringo Starr para participarem da gravação. A canção foi lançada no álbum de 1981, Somewhere in England e se tornou um sucesso, atingindo o segundo lugar nos Estados Unidos. Mas o álbum marcou um dos piores momentos da sua carreira. A Warner Bros. Records rejeitou quatro músicas (Tears of the World, Sat Singing, Lay His Head e Flying Hour).

Em 1982, George lançou o álbum Gone Troppo, considerado um de seus piores trabalhos, mas conseguiu fazer um pouco de sucesso com a canção Wake up My Love. Depois deste álbum, George ficou 5 anos sem gravar e deu prioridades a outros afazeres.

Em 1987, George lançou o álbum Cloud 9, que foi produzido por Jeff Lynne (Electric Light Orchestra). Depois de 5 anos, foi uma volta com reconhecimento de público e de crítica. George convidou mais uma vez alguns amigos para participar do álbum: Eric Clapton, Ringo Starr e Elton John, além do próprio Jeff Lynne. A canção I got my mind set on you, escrita por Rudy Clark na década de 60, atingiu o primeiro lugar nos Estados Unidos e segundo na Inglaterra. A canção When We Was Fab em referência aos Beatles conseguiu sucesso mais modesto. No video clip desta canção George aparerece junto com Ringo Starr e Paul McCartney, este fantasiado de leão marinho em homenagem às fantasias usadas no filme Magistral Myatery Tour. O álbum alcançou o posto de número 8 nas listas de sucessos dos Estados Unidos e o número 10 nas britânicas, dando a Harrison seu melhor resultado desde Living in the Material World.

Um anos depois de Cloud 9, ele formou um grupo com amigos. Os Traveling Wilburys tinha, além de George, Jeff Lynne, Bob Dylan, Roy Orbison e Tom Petty. Cada um participou da banda com um pseudônimo. Eles lançaram o disco Traveling Wilburys Vol.1 ainda em 1988.

No ano seguinte, foi lançada a coletânea Best of Dark Horse Years que trouxe ainda algumas canções inéditas: Poor Litte Girl, Cheer Down e Cockamamie Business.

Próximo do fim
No primeiro ano da nova década viria a luz o segundo álbum do Traveling Wilbury, Traveling Wilburys Vol. 3, apesar da morte de Roy Orbison em 1988. Como substituto, o grupo havia pensado em Del Shannon, mas em fevereiro de 1990 o músico se suicidou.

Em 1991, George iniciou uma turnê pelo Japão, acompanhado por Eric Clapton. O álbum com a turnê, Live in Japan, foi lançado em 1992. Foi seu segundo álbum ao vivo lançado e a primeira turnê feita em sua carreira solo desde a de 1974. Nesta turnê, diferentemente da de 74, foi incluída no repertório algumas composições clássicas da época dos Beatles além das da carreira solo.

Entre 1994 e 1996, empreendeu junto a Paul McCartney e Ringo Starr o projeto Anthology, incluindo a gravação de duas novas canções dos Beatles a partir de demos caseiros dos meados dos anos 70, onde John Lennon tocava piano e cantava. O projeto incluía entrevistas com os membros sobreviventes dos Beatles contando a história da banda. Em 1996, gravou e produziu junto a Carl Perkins a canção Distance Makes No Difference With Love para álbum dele, Go-Cat-Go.

A última aparição de Harrison na televisão teve lugar em 1997 para a promoção de Chants of India, em uma colaboração junto a seu amigo e músico hindu Ravi Shankar. No programa, Harrison interpretou, depois de que uma pessoa do público lhe pediu uma canção dos Beatles e ele respondeu “creio que não conheço nenhuma", a canção All Things Must Pass e Any Road, esta última só seria lançada em 2002 no seu álbum póstumo Brainwashed.

O fim
George faleceu dia 29 de novembro de 2001 em Los Angeles aos 58 anos de idade. Seu corpo foi cremado e alguns afirmam que suas cinzas jogadas no Rio Ganges embora a família não tenha oficialmente confirmado. Sua morte foi devido ao câncer que havia atingido ao cérebro. Após a sua morte, sua família emitiu um comunicado: "Abandonou este mundo como viveu: consciente de Deus, sem medo da morte e em paz, rodeado de familiares e amigos". Harrison costumava dizer: "Tudo pode esperar, menos a busca de Deus".

O álbum póstumo de George Harrison, Brainwashed, foi completado por seu filho Dhani Harrison e Jeff Lynne e lançado em 18 de novembro de 2002, recebendo positivas críticas e alcançando o posto 18 nas paradas de álbuns da Billboard.

A rádio de roqueiros

2009-12-17T18:16:00.006-02:00

Enquete feita pelo blog da ART ROCK constatou que a rádio preferida dos roqueiros é a Kiss FM, com 60% dos votos. As outras rádios que participaram da enquete, a Mitsubish FM e a Brasil 2000 ficaram com 20% cada uma. A outra, Oi FM, não teve nenhum voto.

As rádios FMs (tecnicamente chamada de Frequência Modulada) sempre foram uma grande aliada do rock e dos roqueiros. Nos anos 80, a 97 FM levava ao ar clássicos do rock’n’roll para delírio de todos. Naquela época, não havia internet nem computadores como hoje, e a grande fonte de música era a rádio. Além disso, os LP’s sempre foram muito caros e não chegavam aqui no mesmo tempo em que eram lançados nos Estados Unidos ou Europa.

Com a entrada da 89 FM, o roqueiro ganhou uma nova opção. A 89 FM era uma simpática rádio que além de tocar os clássicos do rock, rolava também alguns Flash Backs, o que dava um diferencial à rádio.

Infelizmente, por razões de mercado, tanto a 89 FM como a 97FM não são, nem de longe, mais as mesmas; totalmente desconfiguradas do momento em que estrearam no ar.

Há ainda algumas críticas em relação às músicas dos anos 80 que a Kiss FM toca, mas não há como negar que mesmo sendo dos anos 80, também são clássicos. Algumas bandas como The Cure, The Smiths, R.E.M, The Mission, Sister of Murcy, e outras nessa linha fizeram muito sucesso e que até hoje vale a pena lembrar. Dos anos 90 há bandas que se fizeram clássicas como Peal Jam, Nirvana, Alice in Chance, Soundgarden, entre outras, que também podem ser consideradas clássicos do rock. Talvez não necessariamente a banda, mas alguns álbuns, sim. São clássicos da música pop/rock que precisam e merecem ser respeitadas. A Kiss FM resgata isso. Ainda bem!

Novidades na ART ROCK

2009-12-10T22:34:00.013-02:00

Amigos da ART ROCK! Nesta semana chegou mais uma remessa de CDs de ótima safra. Os melhores álbuns de algumas das melhores bandas. Destaque para Thin Lizzy, que há muito tempo não tínhamos esses álbuns, e um maravilhoso disco da banda inglesa The Gods. Confira:

Thin Lizzy – Jailbreak
Thin Lizzy – Renegate
Thin Lizzy – Chinatown
Thin Lizzy – Thunder and Lightining
Ten Years After – A Space In Time

UFO 1
UFO 2
The Gods – Genesis: 1968, lançado pelo selo alemão Repertoire com 4 bônus, um dos melhores CDs da loja. Raro.
Formação da banda:
- Ken Hensley/ keyboards, vocals
- Joe Konas/ guitars, vocals
- John Glascock/ bass, vocals
- Lee Kerslake/ drums, vocals
Curiosidade: o guitarrista Mick Taylor saiu da banda em 1967.
Free – Highway
Free – Fire and Water
King Crimson – King Crimson
Jeff Beck with Jan Hammer
John Lawton – Rebel/Zar (2 em 1)
Bad Company – Dangerous Age
Bad Company – Stories Told & Untold
John Fogerty – Déjà vu
Eric Burdon – Live in Hollywood (1977)
Lucifer Friends – Mind Exploding
Gnidrilog – Lady Lake (raro)

Riff de 'Voodoo child' de Hendrix é eleito melhor de todos os tempos

2009-11-30T21:51:00.006-02:00

Mais de cinco mil leitores participaram da escolha. Mais de cinco mil leitores participaram da escolha feita em site

De acordo com o site inglês Music Radar,o riff de guitarra de "Voodoo child", é o melhor da história. "Voodoo child" é um "indiscutível campeão dos pesos pesados da guitarra", disse Mike Goldsmith, editor do site. O som foi gravado por Jimi Hendrix há mais de 40 anos e faz parte do álbum ‘Electric Ladyland’, de 1968. "Sweet child o' mine", do Guns N' Roses, ficou em segundo lugar e "Whole lotta love", do Led Zeppelin em terceiro. Veja a lista completa:

1 - "Voodoo child", Jimi Hendrix
2 - "Sweet child o' mine", Guns N' Roses
3 - "Whole lotta love", Led Zeppelin
4 - "Smoke on the water", Deep Purple
5 - "Layla", Derek and the Dominos
6 - "Back in black", AC/DC
7 - "Enter sandman", Metallica
8 - "Day tripper", The Beatles
9 - "Smells like Teen Spirit", Nirvana
10 - "(I can't get no) satisfaction", The Rolling Stones
11 - "Paranoid", Black Sabbath
12 - "Plug in baby", Muse
13 - "Ain't talkin' 'bout love", Van Halen
14 - "You really got me", The Kinks
15 - "Seven nation army", The White Stripes
16 - "Highway to hell", AC/DC
17 - "Heartbreaker", Led Zeppelin
18 - "Iron man", Black Sabbath
19 - "Black dog", Led Zeppelin
20 - "Beat it", Michael Jackson
21 - "Paperback writer", The Beatles
22 - "Purple haze", Jimi Hendrix
23 - "Whole lotta Rosie", AC/DC
24 - "Johnny B Goode", Chuck Berry
25 - "Sad but true", Metallica
Fonte: Território Eldorado

E aí, concorda? Deixe um comentáro colocando os cinco melhores dessa lista, na sua opinião.

A locomotiva feroz do AC/DC

2009-11-18T15:11:00.013-02:00

O que seria do AC/DC sem o visual colegial britânico de Angus Young? O personagem central da banda gerou olhares curiosos no início da carreira quando aparecia com aquele terninho vermelho, de calça curta, bonezinho e botinhas com meias brancas. Esta é a imagem verdadeira e a mais original de uma das maiores bandas de rock de todos os tempo.

O essencial da banda sempre foi mantido durante toda a carreira, isto é, a simplicidade do som, sem muitas variações ou pirotecnias musicais que na maioria das vezes distoam o curso da carreira de uma grande banda de rock, principalmente, quando a carreira carrega consigo uma história de três de mais de décadas. O essencial para o AC/DC é tocar o simples, o básico mas sempre com sua verve marcante e contagiante. O rock para ser atraente não precisa ser difícil, ao contrário, precisa ser simples, e é essa simlicidade musical que torna o rock difícil; criar rock simples não é tarefa fácil, e nem para qualquer um.

O emblemático álbun Back In Black, indiscutivelmente, foi uma das maiores obras já produzidas por uma banda de rock na história do rock’n’roll. E curiosamente, não foi o primeiro,nem o segundo discos da banda. O que normalmente ocorre. Back In Black foi o nono álbum (1980) de uma banda que nasceu em 1975! E se prestarmos atenção na sonoridade de Back In Black percebemos facilmente a simplicidade das composições, de acordes simples, da marcação rítmica monótona do contra-baixo. De riffs de poucos acordes e solos curtos, porém incrivelmente melódicos. O talento da banda reside aí: na competência de compor canções simples que qualquer garoto poderia ser capaz de tocá-las sem grandes dificuldades.

O AC/DC formou-se em Sydney, Austrália em 1973 pelos irmãos Angus Young e Malcolm Young, embora eles sejam escoceses.

As variações de formação
AC/DC passou por várias mudanças de alinhamento antes de lançarem o seu primeiro álbum, High Voltage, em 1975. A formação manteve-se estável até o baixista Cliff Williams substituir Mark Evans em em 1977. Em 1979, a banda gravou outro álbum clássico do rock, Highway to Hell.

A banda sofre uma erorme baixa com a morte do vocalista e compositor Bon Scott falecido em 19 de fevereiro de 1980, devido ao abuso de álcool. O grupo considerou por algum tempo a separação, mas rapidamente o ex-vocalista do Geordie, Brian Johnson, foi selecionado para o lugar de Scott. Nesse mesmo ano, e sob esse trágico acontecimento, a banda lançaria simplesmente, Back In Black.

O próximo álbum da banda, For Those About to Rock, também teve excelente repercussão na cena roqueira e tornou-se o primeiro álbum de considerado heavy metal a atingir o 1º lugar nos nas paradas dos Estados Unidos. O AC/DC sofreu com a saída do baterista Phil Rudd, em 1983. A banda iniciou, a partir daí, uma contínua queda na popularidade e os álbuns seguintes não conseguiam atrair novos fãs e nem emplogar as vendas. Não repercutiam para isso. A banda, estagnada, continuava a vender os antigos álbuns, mas os novos caminhavam apenas para quem era fã, não despertando grandes interesses da mídia e da crítica.

Black Ice
Planos para um novo álbum foram anunciados em 2004, e a concretização disso deu-se em 2008, com o lançamento do álbum Black Ice. Embora as vendas tenham sido consideráveis, mais uma vez o AC/DC ofereceu um disco sem criatividade, produzindo mais do mesmo.

Marcas e Conquistas
O AC/DC já vendeu cerca de 200 milhões de cópias em todo o mundo, incluindo 71 milhões somente nos Estados Unidos. Back In Black, sozinho, já vendeu cerca de 43 milhões de cópias no mundo, do quais 22 nos Estados Unidos, fazendo dele o 2º álbum mais vendido de todos os tempos e o 5º mais vendido nos Estados Unidos. O AC/DC ficou em quarto na lista do canal VH1 dos "100 Maiores Artistas de Hard Rock" e banda foi considerada pela MTV a 7ª "Maior Banda de Heavy Metal de Todos os Tempos" e no ano de 2004, o AC/DC ficou em 72º na lista dos "100 Maiores Artistas de Todos os Tempos" feita pela revista Rolling Stone.

Curiosidades
Os irmãos Angus e Malcolm desenvolveram uma ideia para o nome da banda depois de ver as iniciais "AC/DC" na parte de trás de uma máquina de costura da irmã mais velha deles, Margaret Young. "AC/DC" é uma abreviação de "alternating current/direct current" (que em português significa "corrente alternada/corrente contínua).

O álbum High Voltage levou apenas 10 dias para ser gravado.

Em 1976, o AC/DC assinou contrato com a poderosa Atlantic Records e fez turnê por toda a Europa. De contrato com a Atlantic Record, eles passaram a abrir shows para várias bandas renomadas como Black Sabbath, Aerosmith, KISS, Blue Öyster Cult, entre outras.

O primeiro álbum do AC/DC que teve lançamento internacional foi uma compilação lançada em 1976 com faixas do disco High Voltage e do T.N.T. O álbum vendeu 3 milhões de cópias no mundo.

Em 1977 foi lançado o Álbum Let There Be Rock, e o baixista Mark Evans foi substituído por Cliff Williams. O
AC/DC foi uma grande influência para as bandas de New Ware of British Heavy Metal.

Em 2007, críticas notaram que AC/DC, juntamente com Thin Lizzy, UFO, Scorpions e Judas Priest estavam entre a segunda geração de estrelas do heavy metal mundial.

A primeira exibição do AC/DC nos Estados Unidos foi em Michigan, numa estação de rádio em 1977.

Em 1978, lançaram o álbum Powerage, marcando o primeiro álbum gravado com o baixista Cliff Williams.

O álbum Highway To Hell, lançado em 1979, foi o último com Bon Scott e foi o primeiro a entrar no TOP 100 americano, alcançando o 17º lugar.

Brian Johnson entra para a banda
Após a morte de Bon Scott, a banda estava pensando em desistir, no entanto, Scott teria desejado que o AC/DC continuasse. Vários vocalistas foram citados para substituir Scott, incluindo Buzz Shearman, ex-vocalista do Moxy e Terry Slesser, ex-vocalista do Back Street Crawler. Os membros do AC/DC finalmente decidiram que o novo vocalista seria Brian Johnson, ex-Geordie.

O AC/DC entrou no Rock and Roll Hall of Fame em março de 2003. Durante o discurso, Brian Johnson citou a música deles: Let There Be Rock.

Em 2005, uma atualização feitas no Estados Unidos apontou o número de álbuns vendidos pela banda nos nesse país: de 63 milhões para 69 milhões de cópia vendidas, fazendo do AC/DC a quinta banda que mais vendeu álbuns nos Estados Unidos, superando Madonna e Michael Jackson. O ábum Back In Black vendeu mais de 22 milhões de cópias, sendo o quinto álbum mais vendido da história do país.

A atual formação do AC/DC é composta por Brian Johnson (vocal), Angus Young (guitarra solo), Malcolm Young (guitarra base), Cliff Williams (baixo) e Phil Rudd (bateria).

Discografia
High Voltage – 1975
T.N.T – 1975
Dirty Deeds Done Dirt Cheap - 1976
Let There Be Rock - 1977
Powerage - 1978
Highway to Hell - 1979
Black In Black - 1980
For Those About to Rock We Salute You - 1981
Flick of the Switch - 1983
Fly on the Wall - 1985
Who Made Who - 1986
Blow Up Your Video - 1988
The Razors Edge - 1990
Ballbreaker - 1995
Stiff Upper Lip - 2000
Black Ice - 2008

Paul McCartney, o beatle mais importante da banda

2009-11-02T11:33:00.004-02:00

Enquete realizada pelo blog da ART ROCK contatou que o beatle mais importante para a banda foi Paul McCartney, com 46% do total de votos.

Em segundo ficou John Lennon, com 30% dos votos. Lennon, no entanto, pode ser considerado o mais emblemático integrante da maior banda de todos os tempos. O criador de Imagine, uma das maiores canções da música internacional, assassinado por um fã, Lennon é lembrado pelo seu jeito singular de como “protestava” contra uma mundo injusto, cheio de regras e protocolos que tornavam (e tornam) a humanidade refém de suas próprias invenções e costumes.

George Harrison aparece com 15% dos votos e Ringo Starr com apenas 7%.

Quando se fala em Beatles, estamos falando da maior banda de rock de todos os tempos e, evidentemente, há muito o que se falar de cada integrante individualmente, além da própria banda como um todo.

Mas por enquanto, é a nossa enquete merece o destaque.

O contrapasso harmônico do Gentle Giant

2009-11-02T11:03:00.005-02:00

Gentle Giant foi uma das grandes bandas de rock progressivo durante a década de 1970. E uma das lendas criadas por esse estilo, visto que existem hoje legiões de fãs da banda espalhadas pelo mundo. A banda foi formada pelos três irmãos Shulman (Phil, Derek e Ray) todos ex-integrantes da banda britânica pop/soul/psicodélica Simon Dupree and the Big Sound formada em 1966. No início, tocaram por toda a Inglaterra durante quatro anos, sendo bem recebidos pelas rádio e televisão.

Lançaram um álbum com um compacto no top 5 da parada britânica, mas sem deixar uma impressão indelével na cena musical britânica. Pelo final de 1969, os Shulmans terminaram a Simon Dupree e lançaram seus olhares sobre o crescente fascínio do meio musical por uma música mais criativa e inteligente que viria a ser chamada de rock progressivo.

No início de 1970, eles formaram o Gentle Giant, junto com Martin Smith, Kerry Minnear e Gary Green. O novo grupo começou a fazer um som mais aventureiro, desafiante e distinto de tudo o que se conhecia em termos de música. Compara-se a inovação que os Beatles representaram para o rock em seu tempo com a do Gentle Giant para o rock progressivo.

Tinham como influências musicais o rock, jazz, música clássica, blues e música medieval inclesa. Uma outra característica da banda eram os vocais múltiplos e sincronizados, pouco comuns na sua época.

Discografia

Gentle Giant - 1970
Acquiring The Taste - 1971
Three Friends - 1972
Octopus - 1972
In A Glass House - 1973
The Power And The Glory - 1974
Free Hand - 1975
Interview - 1976
Playing The Fool - 1977 (ao vivo)
The Missing Piece - 1977
Giant For A Day - 1978
Civilian - 1980

É necessário estômago

2009-10-19T10:54:00.002-02:00

(*) Marcelo Nova

Até hoje as pessoas me perguntam se prefiro ouvir musica através de CD’s ou LP’s. Respondo que a minha paixão é a música em si, de modo que os veículos utilizados para formatá-la naturalmente ficam em segundo plano, mas tenho a convicção de que o problema do mercado fonográfico brasileiro não se restringe a veículos, mas principalmente a quem os dirige.

Ao longo da minha carreira tenho tido a chance de confrontar os meus interesses artísticos com os de natureza comercial das gravadoras. É necessário estômago. Se por um lado tive a chance de trabalhar com diretores de gravadoras, como André Midani, cujo espírito empreendedor e administrativo era sustentado pela sua inteligência, cultura e vasto conhecimento do mundo da música, também tive de lidar com outros de mentalidade fenícia, mercadores baratos, apesar da enorme quantidade de ouro que ostentam em forma de anéis, correntes e pulseiras. Verdadeiros bicheiros, orgulhosos da sua própria cafonice elevada em nível de status, gente que coloca em prática apenas o mercantilismo do populacho, que se acomoda a sua própria falta de gosto, que satisfaz sua vaidade grotesca, que diz o que já está farto de dizer e que se distrai, quando depois da ceia, enjoado por ter comido demais nas churrascarias, alivia seus gases, junto com seus pensamentos.

Lembro- me que Oscar Wilde escreveu há mais de cem anos atrás: "A arte não tem obrigação de ser popular, o público é quem ao contrário deveria esforçar-se para ser artista." Hoje eles responsabilizam a pirataria pelo estado gravemente enfermo no qual se encontra a indústria. Um deles me disse que eu também sou prejudicado, pois muitos baixam minhas canções na Internet. Que baixem, pois se baixam é porque não as ouvem tocar no rádio. Não foi apenas a pirataria o fator desencadeador dessa crise. Foi a ganância aliada a incompetência e a um profundo desamor pela música. Vivo de música há vinte e seis anos, através dela sustento a mim e a minha família. Trato-a com respeito.

* Marcelo Nova é compositor e músico profissional desde 1980.

ART ROCK no Twitter

2009-10-14T20:54:00.004-03:00

Prezados colegas,

A ART ROCK está no Twitter! Confira todas as atualizações do blog, siga e acesse: twitter.com/artrockmagazine

A beldade americana

2009-10-14T14:36:00.014-03:00

Megan Fox posou para a edição de outubro da revista Rolling Stone onde é apresentada como “a menina má mais sexy dos Estados Unidos”. A atriz aproveitou também a ocasião para fazer mais uma revelação bombástica.

Na entrevista que acompanha as fotografias, Megan Fox contou que costuma automutilar-se. “Não gostaria de comentar muito mais. Jamais diria que faço disso um hábito. As meninas passam por diferentes fases enquanto estão a crescer. Algumas tem distúrbios alimentares, outras acabam por automutilar-se”, explicou.

A beldade participou de várias séries de tevê nos Estados Unidos, incluindo What I Like About You e Two and a Half Men (ambas exibidas pela Warner Chanel) mas ela ficou conhecida internacionalmente após interpretar a personagem Mikaela Banes, no filme Transformers, de 2007.

A capa da revista em destaque é da edição europeia. A edição brasileira dá outro destaque de, mas a matéria encontra-se no interior da revista.

Promoção: Mas o que também chamou a atenção foi o disco que a belezinha está segurando na foto. E agora, você sabe qual é esse disco? A ART ROCK sabe. Escreva seu palpite nos comentários.

O primeiro que responder corretamente ganha um CD, à sua escolha, da ART ROCK . Participe!

Promoção encerrada. Ler nos comentários.

Exposição revive anos 60’s com Beatles

2009-10-13T16:56:00.009-03:00

“Uma imagem vale mais do que mil palavras”. Esta frase é um baita clichê, mas por mais “batida” que seja, ela reflete bem a essência de um fato.

Por mais precisa que seja uma descrição no texto, a fotografia diz por si só. São linguagens diferentes, em que ambas podem proporcionar narrativas ao longo o tempo. Tudo que uma boa narrativa (textual) tem, uma narrativa iconográfica também pode ter. Personagens, tempo, ambiente, discursos, etc. são componentes elementares do texto. O momento, o foco, o enquadramento, a sensibilidade, a percepção são elementos imprescindíveis da fotografia.

Deve ser com um pouco disso tudo que a exposição Beatle to Bowie: The 60’s Exposed inaugurada nesta semana (14/10/09), no National Portrait Gallery, em Londres, vai retratar.

Este é o típico evento onde saudosistas ficam satisfeitíssimos, pois podem rever os momentos marcantes de toda a década de 1960 narrada por centenas de fotos ao longo desse período da história sob a óptica do rock’n’roll e do comportamento da juventude da época.

Embora os Beatles sejam os mais focados nessa exposição (as fotos vão mostrar a evolução da banda, os diferentes figurinos, estilos, etc.) bandas como o The Who, Shadows, Rolling Stones, Pink Floyd , e figuras como David Bowie e Cilla Black ( esta foi a segunda maior estrela a emergir do cenário de Liverpool depois dos Beatles), entre outros, também estão registradas.

Algumas fotos que compõem as exposição você confere aqui, no ART ROCK MAGAZINE.

Em sentido horário: 1º Shadows (1961), 2º David Bowie (1966), 3º The Who (1962), 4º The Beatles (1963), 5ª Cilla Black (1965)

Mais informações confira no link (em inglês):

http://www.guardian.co.uk/culture/2009/jun/25/beatles-bowie-national-portrait-gallery

Rock: a inveja americana

2009-10-10T06:15:00.003-03:00

Não tem nada mais antiamericano do que essa foto dos Beatles com a bandeira americana ao fundo. Os Beatles provocaram uma celeuma na indústria fonográfica americana, e as gravadoras batiam cabeça para encontrar uma forma dessa indústria reagir frente à Inglaterra.

Não foram só os Beatles, a Inglaterra despertava para um mundo sedento por rock’n’roll. Elvis, até então, tinha sido a grande figura americana mundo afora. Mas já com a entrada dos Beatles à cena musical, (não que Elvis tenha perdido prestígio) os olhos do mundo se voltaram para Liverpool.

Ainda, antes, The Who já mostrava as garras numa bateria ácida de Keith Moon. Mas a Inglaterra reservava nomes que explodiriam na cena roqueira. Em 1964 os Rolling Stones davam largada a uma gigantesca carreira. O Pink Floyd não foi diferente, inaugurando um som lisérgico pouco sentido até então. Ainda nessa mesma época, David Bowie já percorria seus caminhos em busca de Ziggy Stardust. Em 1968, o Deep Purple começou a infernizar com seu hard rock cadente e pulsante. Na mesma época, Black Sabbath deu início a um tipo de riff que, até hoje, é característico da banda.

Fora o que cada uma dessas bandas fez individualmente ainda na década de 1960, destaca-se o álbum Sargent Pepers, dos Beatles, que foi uma espécie de divisor de águas na área musical.

A Grã-Bretanha ainda reservava mais um nome que iria proporcionar ao mundo momentos de delírio mágico, e que hoje a saudade bate forte nos corações de qualquer roqueiro que tenha algo em torno de 50 anos: O Led Zeppelin! Precisa mais.

Os americanos ainda foram mesquinhos ao editarem as capas dos discos dos Beatles e dos Rolling Stones diferentes das publicadas originalmente na Grã-Bretanha.

Manfred Mann e suas múltiplas formações

2009-10-06T08:12:00.005-03:00

Manfred Mann foi uma banda inglesa formada por Mike Vickers, guitarra; Dave Richmond, baixo; e Paul Jones, vocal. Originalmente, classificam-se como uma banda de rhythm and blues.

Foi fundada na Grã-Bretanha, em 1962, pelo próprio Manfred Mann, natural de Joanesburgo, África do Sul. Com Manfred Mann (nos teclados) estava o seu amigo Mike Hugg (na bateria). O vocalista era Paul Jones (que se tornaria mais tarde num ator de sucesso. Os outros membros foram Tom McGuinness (baixo) e Mike Vickers (flauta, sax, guitarra).

O seus primeiros ‘hits’ foram "Do Wah Diddy Diddy" (um original dos Exciters) e "Pretty Flamingo". Jones saiu em 1966 e foi substituído por Mike D'Abo, mas o grupo manteve a senda de sucessos (caso raro quando ocorre mudança de vocalista) de que se salienta, em 1968 uma versão de "Mighty Quinn" de Bob Dylan. Outros temas de Dylan gravados pelo grupo foram: "Just Like A Woman" (1966) e "If You Got To Go - Go Now". Outro popular tema do grupo foi: "Ha! Ha! Said the clown", de 1967.

O nome dos Manfred Mann encontra-se associado a uma das inovações técnicas da música pop-rock: o sintetizador. No Verão de 1968, Mick Vikers (então nos Manfred Mann) estava nos estúdios Abbey Road quando este fora equipado pela primeira vez com um "moog", e trabalhou na sua afinação para o álbum homónimo dos Beatles. Este grupo esteve no Festival de Vilar de Mouros em 1971. O grupo separou-se em 1969. Mann e Hugg formaram então um grupo de jazz-rock, o Chapter Three, que não teve grande sucesso. O nome significava que este era o "terceiro capítulo" das formações de Manfred Mann, diferindo as duas primeiras apenas no vocalista. O grupo gravou os álbuns “Chapter Three” (lançado em Dezembro de 1969) e “Chapter Three – volume 2” (lançado em 1970).

Manfred Mann's Earth Band
Em 1971, juntamente com Mick Rogers (guitarras e vocais) Chris Slade (bateria) e Colin Pattenden (baixo) formaram o Manfred Mann's Earth Band. A nova banda iniciou a sua atividade com uma versão de "Please Mrs Henry", mais um original de Bob Dylan, mas sem grande sucesso; seguiu-se "Living without you" (escrita por Randy Newman). O primeiro LP, com a mesma designação da banda, incluindo as duas referidas canções, só surgiu em 1972. Também de 1972 é o álbum "Glorified Magnified", que incluía nova versão de um outro êxito de Dylan: "It's All Over Now Baby Blue". No entanto, só em 1973, com o álbum "Messin’", é que a banda voltou novamente a retomar o caminho do sucesso.

Existe uma biografia muito completa das formações de Manfred Mann, "Mannerisms: The Five Phases of Manfred Mann", de Greg Russo. Os Manfred Mann's Earth Band continuam atualmente em atividade, com espectáculos ao vivo, mas nos últimos anos apenas têm sido lançadas complilações das suas gravações.

Discografia
The Five Faces Of Manfred Mann 1964
Mann Made 1965
Mann Made Hits 1966
As Is 1966
Soul Of Mann 1967
Up The Junction (B.O.F.) 1968
What A Mann 1968
Mighty Garvey! 1968
Chapter III vol 1 1969
Chapter III vol 2 1970
Manfred Mann's Earthband 1971
Glorified Magnified - 1972
Messin 1973
Solar Fire 1973
The Good Earth 1974
Nightingales and Bombers 1975
The Roaring Silence 1976
Wired 1977
Watch 1978
Angel Station 1979
Chance 1981
Somewhere in Afrika 1982-83
Live in Budapest 1984
Criminal Tango 1986
Masque 1987
Plains Music 1991
Soft Vengeance 1997
Mann Alive 1998

Compilações
20 Years of Manfred Mann's Earthband 1990
Spotlight 1992
The very best of Manfred Mann Vol 1 et 2 1993
The very best of Manfred Mann 1994
The best of Manfred Mann 1996
The very best of Manfred Mann's Earthband Re-mastered vol 1 1999
The very best of Manfred Mann's Earthband Re-mastered vol 2 2000
The evolution of Manfred Mann 2003
Blindin 2000
Odds & Sods - Mis-Takes & Out-Takes 2005 (4cd versions différentes, raretés)
5-4-3-2-1 1998
Live 1999
Maximum Manfreds 2000 Uncovered 2003

Drogas, o obstáculo do FREE

2009-09-30T20:50:00.008-03:00

O Free foi uma banda de rock britânica formada em 1968 por Paul Kossof (guitarra), Paul Rodgers (vocais), Simon Kirke (bateria) e Andy Freser (baixo).

Seu som tem raízes fincadas no mais puro blues/rock britânico típico do final da década de 1960. Apesar de dois bons discos de estreia, Tons of Sobs (1968) e Free (disponíveis na ART ROCK), foi com o terceiro álbum, Fire & Water (19701), que conseguiram o sucesso, emplacando várias canções nas paradas britânicas. Nessa mesma época, fizeram uma apresentação marcante no "Festivam da Ilha de Wight". A superexposição levou o grupo à dissolução em 1971. Após algumas tentativas de seguirem outros projetos, seus integrantes retornaram com a formação original e lançaram o álbum Free at Last (disponível na ART ROCK), para, logo em seguida, separarem-se definitivamente em 1973. Existem várias compilações com shows e músicas do Free lançadas após sua dissolução.

Com o fim da banda o vocalista Paul Rodgers formou o Bad Company, tendo uma carreira de muito sucesso. O venerado guitarrista Paul Kossoff morreu de um ataque cardíaco devido ao abuso de drogas, em 1976. Rodger eventualmente formaria outras bandas: The Firm e The Law.

História da Banda
Paul Kossoff e Simon Kirke tornaram-se amigos na banda Black Cat Bones. Kossoff viu Paul Rodgers cantando com a banda Brown Sugar no clube "Fickle Picle", em Londres e ficou impressionado, pedindo para participar da apresentação. Mais tarde, junto com Kirke e Andy Fraser (que aos 15 anos já tinha tocado com John Mayall & the Bluebreakers, formariam o Free.

Com o lançamento do disco Tons of Sobs em 1969, considerada uma das bandas mais marcantes do movimento do blues britanico do final dos anos 60, embora esse seja o único álbum da banda que possa ser considerado estritamente blues-rock. O próximo lançamento, Free, de 1969, mostra uma grande mudança no perfil, passando para o lado do hard rock. A voz de Paul Rodgers tem grande impacto, e muitos críticos passam a referir-se a ele como "A Voz".

Diferentemente dos dois primeiros discos, Fire and Water, lançado em 1970, é um grande sucesso na Inglaterra e nos Estados Unidos, principalmente devido ao hit All Right Now.

O álbum seguinte, Highway (disponível na ART ROCK), apesar de bem recebido pela crítica, não vende bem, o que foi atribuito ao menos em parte à escolha infeliz da capa, que não parecia ter o nome da banda escrito em lugar algum (somente olhando muito atentamente podia-se descobrir que os rostos dos integrantes da banda eram construidos com as letras "F", "R", "E", "E"). Um crítico musical da época teria inclusive dito a seguinte frase: "Boa banda essa 'Highway', eles soam igualzinho o Free".

Em abril de 1971, devido a diferenças entre o vocalista Paul Rodgers e o baixista Andy Fraser, os problemas com as drogas do guitarrista Paul Kossoff e vendas inconsistentes dos discos, a banda desintegrou-se, obrigando a gravadora a lançar o álbum ao vivo Free Live! (disponínel na ART ROCK). No início de 1972, a banda deixou as diferenças de lado e reformou-se, em um esforço para salvar Kossoff do seu crescente problema com drogas, e em junho do mesmo ano lancaram Free at Last (disponível na ART ROCK).

No entanto, os problemas continuaram. O baixista Andy Fraser deixou a banda em meados de 1972, devido a incapacidade de Kossoff atuar no palco. A banda então recrutou o baixista japonês Tetsu Yamauchi e o tecladista John "Rabbit" Bundrick, que já havia tocado com Kossoff e Kirke quando da primeira ruptura do Free. Eles então gravaram o último disco da banda, Heartbreaker (disponível na ART ROCK).

O Free desmantelou-se definitivamente em 1973. Paul Rodgers e Simon Kirke formaram o Bad Company no mesmo ano; Andy Fraser formou a banda Sharks e Andy Fraser Band, e Paul Kossoff formou a banda Back Street Crawler.

1976, o fim de Kossof
Com Kossoff em melhor estado de saúde em 1975, Paul Rodgers e Simon Kirke convidaram-no a participar em duas apresentações do Bad Company, e uma turnê britânica foi programada para começar em 1976, com os Back Street Crawlers e Bad Company, para apoiar o segundo disco da banda de Kossoff. Porém, mais uma vez as drogas voltaram a afetar a saúde do guitarrista. Paul Kossoff acabou morrendo aos 25 anos de idade em um vôo de Los Angeles para Nova York, em 19 de março de 1976, por problemas de saúde decorrentes do abuso de drogas.

Integrantes do Free
Paul Rodgers - vocais e piano (1968-1971, 1972-1973)
Paul Kossoff - guitarra (1968-1971, 1972-1973)
Andy Fraser - baixo (1968-1971, 1972)
Simon Kirke - bateria (1968-1971, 1972-1973)
John "Rabbit" Bundrick - teclado (1972-1973)
Tetsu Yamauchi - baixo (1972-1973)
Wendell Richardson - guitarra (1973)

Discografia da Banda
Tons of Sobs (1968)
Free (1969)
Fire and Water (1970)
Highway (1970)
Free Live! (1971) (ao vivo)
Free at Last (1972)
Heartbreaker (1973)

As máscaras da grandeza

2009-09-23T17:06:00.014-03:00

Desde o começo da banda, o KISS sempre foi polêmico. Ainda em meados dos anos 70, a banda aparecia para um público curioso, meio que hipnotizado pela maquiagem dos integrantes e os pulos que Genne Simmons dava no palco, mesmo usando aquelas botas com saltos estratosféricos.

Com um visual diferente e inovador, a banda iniciava uma carreira vencedora. Quanto ao visual dos KISS, não podemos deixar de lado os Secos & Molhados. A banda brasileira já usava esse tipo de maquiagem. Há boatos que afirmam que os Secos & Molhados foram copiados pelo KISS. Não acredito nisso. Tem muita lenda nisso tudo.

O KISS causa até hoje efervescentes debates sobre sua musicalidade, sua performance, seu estilo, etc. Muitos acham que a banda produz um som primário, simples demais, outros consideram a banda o máximo. Seja lá como for, o KISS é uma das maiores bandas do mundo. Não importa se você acha a banda uma bosta, o fato é que o KISS tem milhões de fãs no mundo inteiro! É uma banda de sucesso, e não há dúvida de que ela está para o rock’n’roll assim como o Pelé está para o futebol.

Antes de ser KISS, a banda (ou melhor, a dupla) passou por outros momentos. Momentos difíceis. Uma prova do esforço e da determinação de Simmons e Stanley.

No início, o grupo era chamado Rainbow e era formado pelo baixista Gene Klein (Gene Simmons) e pelo guitarrista Stanley Eisen (Paul Stanley). Em 1971 mudaram o nome da banda de Raimbow para Wicked Lester, nesse mesmo ano eles gravaram um álbum que nunca foi produzido. A Epic Records rejeitou o disco do grupo. Até aqui, a banda, totalmente desconhecida, se apresentava em bares, pubs... assim como qualquer banda em início de carreira.

Nessa época, o mundo do rock ainda chorava o fim dos Beatles e, por outro lado, comemorava a maior surpresa até então, o Led Zeppelin. Além disso, os Rolling Stones entraram nos anos 70 com uma nova pegada, um pouco diferente dos discos da década passada, como Stick Finger, It’s only Rock’n’ Roll... O KISS apareceu para o público dentro desse contexto, ou seja, uma fase de ouro para o rock. E somente se a banda fosse muito boa é que ganharia espaço tanto da mídia como a atenção das pessoas. A concorrência não era fácil, pois a grandes bandas estavam nas suas melhores fases. Um detalhe importante é que o KISS é de Nova York e as bandas que faziam sucesso na época eram quase todas inglesas. Essa análise também serve para o Grand Funk Railroad; produtores americanos precisavam dar uma resposta à indústria fonográfica europeia e o KISS se valeu também disso. No entanto, nem tudo foram flores. Parte da mídia americana ridicularizava a banda e as canções. Alguns chegaram a dizer que o KISS não passaria do primeiro álbum... (Quanto ao Grand Funk, é preciso dizer que a banda foi formada num “laboratório”, coisa de produtor, de gravadora. A sorte é que Mark Farner e cia eram bons e aproveitaram a oportunidades que tiveram. Falaremos mais sobre o Grand Funk em outra oportunidade).

Voltando ao KISS. Para formar o grupo, Simmons e Stanley publicaram em jornais a núncios para recrutar mais músicos, um baterista e outro guitarrista. Um rapaz, bem apresentado, com um ar meio contido respondeu ao anúncio e se apresentou para a tal entrevista. Simmons perguntou a ele: "Se num show a gente lhe pedir para ir fantasiado de mulher, você vai?". Diante da afirmativa, o rapaz que atendia pelo nome de Peter Criss, passou a fazer, à partir daí, parte da banda.

Por outro lado, num dia agendado para testes, um certo maluco surgiu todo fudido furando a fila que era formada pelos candidatos. Simmons até achou que o tal sujeito fosse um mendigo, mas o cara segurava uma uma guitarra. Então o fizeram ir para o final da fila. Mas quando chegou a sua vez, o sujeito impressionou tanto a todos que logo foi assegurado na banda. O nome do maluco era Ace Frehley. A banda estava finalmente completa, e com músicos de qualidade. O nome “KISS” sugiu de um concurso que aconteceu em Nova York e passou a ser utilizado pela banda. Comenta-se que o New York Dolls e Alice Cooper também influenciaram o KISS, principalmente quanto ao figurino a a postura no palco. Para definir o figurino da banda, mesclaram elementos de super-heróis em quadrinhos com personagens do teatro japonês. Usando botas com saltos enormes que davam um ar de super heróis titânicos ao grupo e se tornariam então: "The Starchild" (Paul Stanley), "The Demon" (Gene Simmons), "Space Man" (Ace Frehley) e "The Catman" (Peter Criss).

Os primeiros concertos do KISS já com o novo visual e trajados a seu modo, ocorreram no "New York Coventry Club", cujo cachê correspondeu a U$ 35,00 (!) por noite. Continuaram fazendo shows pelas noites de Nova York, tocando músicas próprias, quando em 1973 foram descobertos por Bil Aucoin e no mesmo ano assinaram contrato com a recém-inaugurada Casablanca Records. O KISS nunca deixou essa gravadora, talvez por pura gratidão.

Em 1974, eles lançariam o primeiro álbum, homônimo e sem grandes repercussões. No mesmo ano, lançaram Hotter Than Hell, um disco mais pessaado e uma sonoridade mais agrassiva, mas que também não chegou a fazer muito barulho.

Em fevereiro de 1975, lançaram Dressed To Kill, disco que continha composições da época do Wicked Lester (Love Her All I Can e She), e foi neste disco que gravaram o clássico Rock And Roll All Nite . Dressed to Kill é mais um álbum em que a capa se tornou curiosa. Na foto aparecem os integrantes, devidamente maquiados, vestidos de terno, e o terno de Gene Simmons é mais curto do que deveria, porque a roupa que Gene vestia era do próprio dono da Casablanca Records. Isso devido ao fato de que mesmo diante de toda a produção, a banda ainda não tinha dinheiro suficiente para viver. Todos os demais ternos utilizados na foto foram emprestados por amigos ou parentes. Era o começo do estrelato de uma das maiores bandas de todos os tempos.

O KISS já recebeu 24 Discos de Ouro e vendeu mais de 150 milhões de discos em todo o mundo. Nos Estados Unidos, um disco de ouro equivale a um mínimo de 500 mil cópias vendidas. Por disco, é claro.

Discografia

Álbuns
• Kiss
• Hotter Than Hell
• Dressed to Kill
• Destroyer
• Rock and Roll Over
• Love Gun
• Paul Stanley (solo)
• Gene Simmons (solo)
• Ace Frehley (solo)
• Peter Criss (solo)
• Dynasty
• Unmasked
• Music From "The Elder"
• Creatures of the Night
• Lick It Up
• Animalize
• Asylum
• Crazy Nights
• Hot In The Shade
• Revenge
• Carnival Of Souls: The Final Sessions
• Psycho Circus
• Sonic Boom

Álbuns Ao Vivo
• Alive!
• Alive II
• Alive III
• Kiss Unplugged
• You Wanted the Best, You Got the Best!!
• Kiss Symphony: Alive IV

Jagger, Page, Bowie e outros poderão formar banda

2009-09-18T19:35:00.002-03:00

Parece brincadeira, mas os veteranos músicos Mick Jagger, Elton John, David Bowie, Phil Collins, Sting, Van Morrison, Dave Gilmour e Jimmy Page planejam formar uma “nova” banda juntos.

Eles ainda não deram um nome ao grupo e não há confirmação por porte deles sobre criação dessa nova banda mas notícia publicada no site Contact Music, dá conta de que o motivo para essa formação são os Jogos Olímpicos de Londres, que serão realizados em 2012.
O que se comenta é que a banda faria o show de abertura do evento.

Se os jogos olímpicos em si já são uma atração, imagine com esses caras então...

Notícias sobre David Bowie

2009-09-18T19:26:00.005-03:00

Bowie lançará edição comemorativa do álbum Space Oddity

Space Oddity é um clássico na carreira de David Bowie e está prestes a completar 40 anos. Para celebrar, o CD será lançado em edição comemorativa remasterizada.

A novidade é que o disco, lançado originalmente em 1969, trará músicas inéditas que ficaram de fora da gravação original do trabalho, como demos e registros de participações em programas de rádio, irão complementar o álbum.

Curiosidade sobre o Space Oddity
Space Oddity chegou às lojas em novembro de 1969 sob o título de 'David Bowie'. Apenas três anos depois foi batizado com o atual nome. A nova edição do álbum será relançada no dia 12 de outubro.

Bowie trabalha em novo CD
Recentemente, o inglês revelou que está trabalhando em um novo CD. “Felicidades de Berlim cheia de neve. Trabalhando em material novo”, disse David Bowie em uma mensagem na sua página no Twitter.

Sem revelar outros detalhes, como título, nomes de faixas e uma data prevista para lançamento, essa foi a única “pista” que o cantor deu sobre seu novo álbum.

Essa não é a primeira vez que Berlim, capital da Alemanha, serve de inspiração para um disco de David Bowie. Dois CDs de sua carreira tiveram partes gravadas por lá. Low, de 1977 e Heroes, lançado pelo músico em 1979, tiveram parte de suas gravações em Berlim.

Bowie virou aranha
Como forma de chamar a atenção para as espécies de aracnídeos ameaçadas de extinção, uma nova espécie de aranha, identificada por um pesquisador alemão em algumas regiões da Malásia, foi batizada como Heteropoda davidbowie.O nome, obviamente, faz homenagem ao roqueiro britânico David Bowie.

O responsável pela descoberta, Peter Jaeger, do museu de História Natural Senckenberg, em Frankfurt, afirmou ser fã do músico.

ART ROCK no site Livrevista

2009-09-16T08:15:00.002-03:00

A ART ROCK foi consultada por uma repórter do site Livre Vista sobre a volta dos discos de vinil. Ao amigo da ART ROCK que quiser ler a matéria, é só acessar o link http://www.livrevista.com/article.php?id=758. Ou acesse o site www.livrevista.com, e se quiser fazer comentários, faça aqui mesmo, no blog, neste tópico, ok.

Sobre o site: Criada em 2003, Livrevista é uma revista eletrônica on-line quinzenal com conteúdo próprio que traz reportagens relacionadas ao interior de São Paulo com ênfase na cidade de Bauru. O site trata de temas como política, economia, ciência, tecnologia, cultura, variedades, educação e universidade. Além disso, há espaço para publicação de ensaios fotográficos e textos de caráter diverso, como crônicas, ensaios e artigos. A proposta do Livrevista é levar informação diferenciada para um público jovem (de 15 a 25 anos) e servir de laboratório prático em jornalismo on-line para os alunos do curso de jornalismo da Unesp-Bauru.

Trata-se de um projeto de extensão da Universidade Estadual Paulista "Júlio de Mesquita Filho" (Unesp) que conta com o apoio da Fundação para o Desenvolvimento da Unesp (Fundunesp).

A revista já recebeu o prêmio da EXPOCOM - Brasília 2006 como 2º Lugar na categoria Revista Digital.

PS: Quando eu fazia faculdade de jornalismo, também participei e ganhei um prêmio na EXPOCOM. Naquela ocasião, foi na Universidade Federal de Sergipe, e fiquei na 3ª colocação na categoria Fotojornalismo. É um evento que reúne faculdades de comunicação do Brasil inteiro.

Novidades progressivas

2009-09-09T17:19:00.024-03:00

Para quem gosta de rock progressivo, a ART ROCK selecionou um lote só com bandas diferenciadas, porém de ótimo som. Bandas européias de sucesso, mas que não são muito conhecidas por aqui. As vezes, ficamos muito em cima do mesmo e acabamos deixando de conhecer bandas e músicas que certamente nos agradariam. Rolling Stones, Led Zeppelin, Yes, Pink Floyd, Eloy, King Crimson e tantas outras, todo mundo conhece. Lembro que quando mostrei o Warhorse na loja, todos os frequentadores amaram e ninguém conhecia. E olha que a banda era de 1971! Desta vez, são bandas não tão conhecidas porque os cds eram todos importados, com preços chegando a R$80,oo. Bom, quem quiser conhecer, leia as resenhas abaixo e passe na loja para ouvir.

After Crying – Overground Music – Hungria/1990

Um dos grandes destaques da Rock Symphony é o lançamento do grupo húngaro After Crying. Para quem conhece e gosta do Solaris não vai se decepcionar. Sua mistura inspiradíssima de música de câmara, erudito, progressivo, os belos vocais, a flauta inigualável, o violoncelo, a sutileza, enfim, conferem aspectos singulares à banda. O After Crying tocou dois anos seguidos no Baja Prog. Referências: ELP, Crimsom e Zappa.

ALPHA III - The Seven Spheres – Brasil/1990
Esta reedição em CD deste LP lançado e editado originalmente pela Rock Forever em 1990 pode não ser o melhor (muitos acham New Voyage...) mas é sem dúvida um de seus discos mais inspirados! Baseado no importante achado dos manuscritos do Mar Morto, Amyr conta através da música a história de Jesus Cristo (não deixem de ler o bole poema em inglês no encarte). Este CD é totalmente instrumental com pitadas minimalistas e com muita influência de grandes músicos da música eletrônica dos anos 1970 (Schulze, Tangerine Dream, Jean Michel Jarre, Philip Glass, entre outros). Maravilhosas passagens de sequenciadores e bateria eletrônica, além de belos solos de teclados com timbres analógicos, tornam este CD um item obrigatório em qualquer coleção. Sem dúvida um marco na escassa música eletrônica brasileira. Para Amyr, trata-se de um dos seus trabalhos mais queridos!

Eloy Fritsch – Cyberspace – Brasil/2000
Quarto disco do tecladista da banda Apocalypse. De todos este é o mais new age, com passagens calmas e pastorais. É claro que existem os momentos progressivos do disco (principalmente as três primeiras músicas). Virtuoso, com claras influências de Vangelis, Jarre e Wakeman. Este disco tem tudo para agradar aos ouvintes que adoram desde solos perfeitos à cama de teclados. Reparem na bela capa do verso do encarte...

Galadriel - Mindscapers – Espanha/ 1996
A popular banda espanhola liderada por Jesus Filardi retorna à cena progressiva com o terceiro disco de produção impecável. Boa pedida para os fãs de neo-prog de qualidade.

Malibran - The Wood Of Tales – Itália/1988
Pela primeira vez em CD, o disco de estréia do grupo italiano Malibran. Ótimo progressivo com flauta, boas guitarras e vocais em italiano. Um dos discos que marcaram a retomada prog dos anos 90.

Malibran – live on Stage – Itália 1994
Muito comparada com o Jethro Tull (por causa da flauta), a banda, que até esta data conta com quatro discos de estúdio, lança agora o quarto disco ao vivo (um deles é o do show memorável no ProgDay em 2000). O Malibran é dos baluartes do novo rock progressivo italiano e, sem sombra de dúvida, uma das melhores bandas daquele país surgida nos anos 90. As músicas destes CD foram escolhdias dos três primeiros ótimos trabalhos da banda (The Wood of Tales e Le Porte del Silencio e La Cita Sul Lago). Neste CD você vai encontrar muita flauta, solos de guitarra emocionantes, teclados climáticos... A menor música do CD tem quase nove minutos!

Projeto Caleidoscópio – Carrossel - Brasil /2002
Segundo trabalho do casal Analu Paredes e Arthur Nogueira. Novamente, o duo convidou uma constelação de feras da MPB para participar das quatorze faixas deste disco. Tecnicamente, tanto em produção quanto nas composições, este disco está no mesmo nível ou até superior ao primeiro trabalho (O Sete). Progressivamente falando, o disco também está superior ao primeiro, com arranjos mais elaborados e composições mais inspiradas (principalmente nas faixas cantadas em inglês). Nota-se em Now is the time e The Sea uma influência de Renaissance. Enfim, o disco irá agradar tanto aos admiradores da MPB e do Rock Progressivo. Não há como não gostar das faixas Nuvens, Carrossel (com a participação de Camila e Gabriel, filhos de Arthur e Analu) e Fonte, os grandes momentos do disco. A parte gráfica novamente foi realizada por Bernard. Destaque também para o encarte em inglês, visando o mercado internacional.
Músicos: Analu Paredes (voz, violão) e Arthur Nogueira (guitarra, violão).
Músicos convidados: Jane Duboc (voz), Itamar Assiere (teclados), Esdras "Nenen" Ferreira (bateria), Marcos Suzano (percussão), Adriano Giffoni (baixo), Guilherme Arantes (voz e teclados), Mac Willian (bateria), Robertinho Silva (percussão), Arthur Maia (baixo), Fred Bertoli (teclados), Paulo Márcio (bateria), Francisco Falcon (baixo), Marcos Nimrichter (teclados), Lena Horta (Flauta), Marcio Bahia (percussão), Yuri Popoff (baixo), Egberto Gismonti (piano), Fernando Pereira (violino), Diogo Pimentel (violino), Chiquinho Chagas (acordeon), Marco Lobo (percussão), Sávio Santoro (viola), Flávio Venturini (voz), Marcus Viana (violino), Takami Fuse (voz), Mauro Senise (sax soprano), Hermeto Pascoal (escaleta), Delia Fisher (teclados), Marcelo Martins (sax tenor).

Scythe – Divorced Land – Alemanha/2001
Lançado originalmente pelo selo Galileo Records, temos agora o lançamento do disco de estréia da banda alemã Scythe. Estamos diante de um trabalho totalmente baseado nos anos 70, no melhor do progressivo sinfônico, mas com influências de bandas dos anos 90 (Flower Kings, por exemplo). Parece paradoxal, mas é verdade. Os vocais são um pouco "diferentes" em alguns momentos, mas no geral temos um disco equilibrado com arranjos complexos. Bom disco de estréia com uma sonoridade extremamente original.

Skryvania (1º disco da banda) – França/1978
Grupo francês quase totalmente instrumental dos anos 70, originalmente lançado em CD pela Musea e fora de catálogo há quase 10 anos.

Thonk - Earth Vision Impact – Suíça/2000
A banda suíça esbanja teclados pesados e uma bateria que foge aos cuidados do progressivo. É diferente e muito legal

Violeta de Outono - Volume 7 – Brasil/2007
Um dos mais impressionantes e originais nomes a surgir na cena rock brasileira dos anos 80, com vários hits estourados nas rádios, o Violeta de Outono acaba de lançar seu sétimo disco de estúdio "Volume 7" onde aprofundam as influências psicodélicas e progressivas em uma verdadeira obra-prima do gênero, que ecoa medalhões como Pink Floyd, Gong, Caravan, Camel, Hatfield and The North e Steve Hillage.
Para gravar esse novo CD, o Violeta de Outono optou pelo conceituado estúdio MOSH, o maior da América Latina, onde registrou todas as músicas ao vivo (apenas a voz e alguns pianos foram gravados posteriormente em "overdub"), de modo a captar toda a ambiência, energia e interação de uma performance da banda.

Wunterberg - Rock Fantasia Opus 10 – França/2008
Segundo trabalho inédito desta lendária banda instrumental progressiva francesa, "Rock Fantasia Opus 10" foi gravado no começo dos anos 80 para o que deveria ter sido o segundo LP do Wurtemberg. Com o lançamento do primeiro disco em CD pela Musea, o grupo assinou contrato em 2001 com a gravadora francesa para o lançamento deste segundo álbum inédito, projeto que, no entanto, acabou sendo adiado. Uma pérola da música progressiva está finalmente resgatada! A música, ainda 100% instrumental, apresenta um progressivo menos medieval que o primeiro álbum, com mais levadas de jazz-rock na mistura. RECOMENDADO!!!

Xang - Destiny Of A Dream - França/1999
Disco de estréia da banda francesa lançada na Europa pela Galileo Records. Totalmente instrumental, os músicos fazem uma rock visceral, por vezes um pouco mais pesado, mas sem cair nos exageros. Quebra de andamento, solos de guitarra/teclado originais e baixo/bateria marcando o peso das músicas. Disco para ser ouvido do início ao fim sem pular uma faixa. Altamente recomendado. Procurem a faixa oculta no fim do CD. Os pontos fortes deste trabalho é a mistura perfeita de peso com progressivo, instrumental impecável e encarte ilustrativo com explicação de cada musica.

XII Alfonso – Odyssées – França/1999
"O que pode gerar um encontro de tantos músicos?" É a pergunta feita no encarte do CD... Confira você mesmo o segundo trabalho desta banda francesa, que foi considerada revelação no lançamento do seu primeiro disco em 1998. Com temas conceituais, podemos destacar a faixa-título (com o belo diálogo entre Ulisses e Penélope) e a exótica experiência musical Lithophonia (gravado em cavernas de 25.000 anos de existência). Belos teclados e guitarras em Eclipse e Ou Vont Les Amants e as belas passagens com instrumentos acústicos em Toute Passe e Dominique Larrey já valem a compra do disco. Atenção para a participação dos gêmeos Payssan (do grupo Minimum Vital) e do renomado Dan Ar Bras.

You and I - Hungria/1995
Primeiro CD desta banda húngara na linha do Renaissance. Belíssimo vocal feminino em húngaro e inglês que faz justiça às ótimas passagens instrumentais.

Violeta de Outono - Live At Rio Art Rock Festival 97
Registro do show da banda que juntamente com o Quaterna Requiem, abriu para o Par Lindh Project formando o line up do RARF 1997. Segundo o guitarrista e líder Fabio Golfetti, o melhor lançamento do Violeta. Som fantástico em mais de 60 minutos de show com a participação de Fábio Ribeiro (Bleszqi Zatsaz), que deu outra vida às músicas do VDO. Inclui belíssimas covers de Astronomy Domine (Pink Floyd) e Tomorrow Never Knows (Beatles). Este CD também serve como uma coletânea de toda a carreira da banda, já que aqui temos faixas como Mulher na Montanha, Dia Eterno e Em Toda a Parte, sendo que esta com nove minutos! Um show memorável merecia um CD da mesma estirpe que já entrou para a história do rock brasileiro como um dos melhores discos ao vivo de rock progressivo/espacial/psicodélico já lançado no Brasil.

Uma questão de educação

2009-09-09T14:06:00.004-03:00

Quem conhece a ART ROCK sabe que a grande maioria dos nossos CDs são importados. Para que o preço seja o mais baixo possível, compramos os CDs sem a caixinha, porque ela faz muito volume, o que onera o preço final devido ao frete. Os CDs chegam à loja apenas com a mídia dentro do encarte. Todo o trabalho de embalagem é feito por nós.

Quem conhece a ART ROCK sabe que nunca negamos abrir um CD e tocá-lo quando o cliente solicita. Sabemos que isso faz parte do nosso negócio. E mais: temos muito prazer em fazer isso, porque dessa forma agradamos ao nosso cliente, ele tem a oportunidade de fazer a melhor escolha.

No entanto, abrir um CD apenas por abrir, matar a curiosidade de ver a mídia, o encarte, para ver o ano, a formação dos integrantes, etc., isso não concordamos. Ao abrir o lacre, o saquinho que embala fica danificado (necessitando a troca) O sujeito não se contenta em apenas ver, ele pega o encarte e o folheia, deixando suas indesejadas digitais marcadas. Pega a mídia e a analisa como se fosse uma pedra lapidada (muitos ficam procurando defeitos para pedir mais descontos). Depois disso tudo, embala o CD a seu modo e o coloca de volta no painel. Como que por aqueles instantes, o CD fosse dele. E é justamente esse mesmo CD que alguém vai pagar por ele!

Pela nossa experiência, o cidadão faz isso porque, geralmente, o CD que ele deseja está custando mais ou menos R$60 na galeria do rock, e quando ele encontra o mesmo CD na ART ROCK por R$35, o camarada pensa que é usado, falsificado, russo... Coisa do tipo que temos de ouvir. O pior é que na maioria das vezes ele nem compra o de 60 nem o de 35...

Não achamos justo alguém manusear um produto que não lhe pertence. Para nós, da loja, é difícil essa relação porque sabemos que alguém vai comprá-lo, e será muito desagradável vender um produto que não esteja com a sua integridade física em ordem.

Fazemos questão de informar quando o CD é usado, ou quando a mídia apresenta ranhuras, por isso, inclusive, nesses casos, vendemos ainda mais barato. Parece brincadeira, mas esse assunto irrita tanto aos lojistas que gostaríamos de dar uma dica: ao entrar numa loja de CDs, se quiser obter informações, pergunte ao lojista. Se quiser ouvir o CD, entregue-o para o lojista e solicite a ele se é possível tocá-lo. Nunca abra o CD por sua conta. Não peça nem manipule o encarte depois de aberto. Peça para ouvir o CD se realmente tiver interesse em comprá-lo.

Tudo isso é para que o cliente/amigo da ART ROCK tenha a certeza de que nós zelamos pelos CDs que estão à venda. E que ninguém botou o dedão nele antes de você. É só uma questão de educação.

Pink Floyd bate Led e Stones

2009-09-07T13:09:00.004-03:00

Pesquisa realizada pela ART ROCK tentava descobrir qual banda seria apontada como a mais importante para a história do rock. As bandas selecionadas foram Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd e Rolling Stones. O The Who, não foi relacionado propositalmente porque se esperava protestos ou observações das pessoas que acessariam o blog e clicariam na pesquisa, e que sentissem falta da banda. Mas não houve nenhum manifesto, o que evidencia que, embora o The Who seja uma banda referencial, sua ausência não foi notada.

Para 55% dos votantes os Beatles são a banda mais importante para a história do rock. Parece que esse resultado não traz nenhuma novidade! Mas o mais curioso foi o segundo colocado, o Pink Floyd, com 33% dos votos. Muito à frente dos empatados Led Zeppelin e Rolling Stones, ambos com apenas 5%. Inicialmente, havia para nós uma expectativa para que Led Zeppelin e Beatles disputassem ponto a ponto a liderança na amostragem. Com esse resultado, surgiu uma curiosidade. O que levou o Pink Floyd ser a banda mais importante para o rock à frente de Led e Stones?

Esta é uma pergunta que gostaríamos que você nos ajudasse a responder. Faça seu comentário, pois a sua opinião é muito importante para nós. Participe!

"Devotos" comemora 20 anos com álbum ao vivo

2009-08-28T19:24:00.005-03:00

“Moramos, não esqueça, esse é o nosso ninho/ Quem não ouviu falar/ do Alto José do Pinho?/ Subúrbio do Recife, zona norte, Urucu/ Se for discriminar meu lugar/ Vai tomar no ...!”

É assim, com esses versos e cuja frase final (a que contém o palavrão) é gritada em coro pelo público, que começa o álbum Devotos 20 anos Ao Vivo.

Gravado em setembro do ano passado durante um show no bairro/morro que tornou o grupo de Recife uma lenda não apenas na cidade, mas em todo o Brasil, este registro mostra por que o punk hardcore de Cannibal (baixo e vocais), Neilton (guitarras) e Celo (bateria) se mantém urgente e atual.

Fazendo um compêndio dos apenas quatro álbuns de estúdio que o grupo lançou nesta longa trajetória, o disco celebra a melhor tradição do punk professado pelos Devotos: músicas rápidas mas bem tocadas, discurso social afinado e energia animal no palco, aqui adicionada de convidados muito especiais (como Lirinha, do Cordel do Fogo Encantado, ou Clemente, do Inocentes, que dá um tom ainda mais agressivo a “Alien”).

E, além do alcance social e político de sua música, o Devotos mostra que é possível, sim, combinar hardcore com elementos sonoros “estranhos” ao seu universo – como pode ser ouvido na participação do afoxé Ilê de Egbá na faixa “Mas Eu Insisto”. Resultado: Alto José do Pinho em festa, e um discão ao vivo, que faz com que torçamos para que a Devotos fique na ativa ainda por muitos anos.

Texto de Humberto Finatti

Novas imagens dos Beatles

2009-08-16T17:59:00.005-03:00

Fotos raras dos integrantes dos Beatles quando eram estudantes, incluindo uma de Paul McCartney aos 10 anos nunca vista antes, serão leiloadas no fim deste mês em Liverpool, na Grã-Bretanha. A foto de Paul McCartney, tirada em 1952 na Joseph Williams School, em Liverpool, mostra o futuro músico com o olhar voltado para uma revista ao lado dos colegas que posavam para a câmera.

A foto foi encontrada recentemente por uma mulher de Liverpool, que a levou para a loja The Beatles Shop, especializada em memorabilia do grupo. Estima-se que o valor da foto possa chegar a 1.500 libras (cerca de R$ 4.600).

A imagem está entre 315 itens dos Beatles que serão leiloados no dia 29 de agosto pela loja. Entre as imagens dos outros membros da banda quando eram estudantes presentes no lote para leilão, há também uma do baterista Ringo Starr, aos 8 anos, vestido com shorts e uma jaqueta preta ao lado dos colegas da St Silus School, também em Liverpool.

Outra foto mostra um adolescente John Lennon, de penteado rockabilly, ao lado dos colegas da Quarry Bank High School em 1957. Também há uma foto de Paul McCartney aos 11 anos tirada durante uma festa de aniversário de uma colega.

New Model Army, uma banda injustiçada

2009-08-13T20:58:00.012-03:00

Por Márcio Baraldi - (whiplash.net)

A história do rock está repleta de bandas excelentes que infelizmente, por um motivo ou outro, não alcançaram o merecido sucesso, são as famosas bandas “injustiçadas”. E em meio a tantas que compõem essa lista, vale destacar o soberbo New Model Army.

Uma das bandas mais inflamadas e estimulantes de todos os tempos, o NMA é o elo perdido entre o Clash e o Rage Against the Machine, fazendo de suas canções, verdadeiros hinos libertários; e de sua existência uma missão quase sagrada. Ausentes do mercado brasileiro há muitos anos, talvez os leitores mais novos só os conheçam pelo hit “51th State”, por isso vale a pena dar uma geral rápida na carreira desse incendiário power trio.

Formada no subúrbio industrial de Bradford (o ABC paulista da Inglaterra) em 1980 por Justin Sullivan (mais conhecido como Slade, the Leveller), vocal e guitarras, Rob Heaton, bateria e guitarras, e Stuart Morrow, baixo; a banda roubou seu nome homônimo do exército revolucionário inglês do século 17, cujos membros eram conhecidos como “levellers” (niveladores ou igualitários), pois pregavam um modelo de sociedade sem diferenças sócio-econômico e cultural.

Esquerdistas de carteirinha e politizados até a medula, a bandas começou com um punk rock cru e urgente, porém com características próprias bem marcantes, como uma bateria militar galopante e linhas de baixo extremamente agudas e acrobáticas, o que lhe conferiu desde o princípio uma sonoridade peculiar e inconfundível. As letras então eram um capítulo a parte, pois o verborrágico e extremamente culto Slade consumia Bob Dylan em altas doses, tornando-se em pouco tempo, ao lado de Jello Biafra (Dead Kennedys) e do próprio Dylan, um dos melhores e mais lúcidos letristas da história do rock. Nada escapava de sua artilharia lírica: do imperialismo yankee às dificuldades da vida em família; da guerra das Malvinas às estupidez do uso das drogas.

Mas nem tudo eram flores, depois de gravarem dois discos Vengeance (1984) e No rest for the wicked (1985), o genial baixista Morrow deixa a banda. Imediatamente recrutaram Jason Harris para seu posto, que o substituiu com extrema competência. Passaram então a incorporar cada vez mais folks celtas e ciganos em seu trabalho, crescendo como músicos e alcançando uma sonoridade muito mais madura e consistente e cada vez mais original e viril. Com essa formação, transbordando energia e criatividade, gravaram três discos impecáveis: The ghost of Cain (1986), Thunder of Consolidation (1989) e o compacto White Coats (1987).

Em 1989, porém, foi a vez de Jason deixar a banda para a entrada do baixista Nelson. Com a formação reposta, o NMA veio no Brasil em 1991, em três shows antológicos. Com a nova formação gravaram Impurity (1990), The Love of hopeless causes (1993) e Strange Brotherhood (1998). No final de 1998, nosso bravo exército sofre mais uma baixa, dessa vez o batera Rob Heaton, um dos fundadores da banda, sai para se dedicar a seu novo projeto musical Gardeners of Eden. Em seu lugar entra seu roadie Michael Dean, com quem acabara de gravar Eight (2000).

As convicções e o sucesso fora da Inglaterra

Infelizmente, apesar da altíssima qualidade, originalidade e inteligência de sua obra, o NMA continua uma banda cult, pouco (re) conhecida fora da Inglaterra. Mas eles não se importam com isso, sempre tiveram uma postura rígida e nunca admitiram qualquer interferência das gravadoras para “comercializar” mais seu som (seus contratos com as gravadoras chegavam a incluir uma cláusula que lhes garantia total liberdade de criação), recusaram muitos programas de TV com os quais não simpatizavam e nunca tiveram papas na língua, cornetando duramente contra o governo, multinacionais, gravadoras, mídia, modismos e tudo mais com o qual não concordavam.

Seu carinho e lealdade, no entanto, guardaram sempre para os fãs em todo o mundo, chegando a interromper o show e a pular do palco para defendê-los de seguranças truculentos.
No entanto, todo esse caráter e atitude, tão raros atualmente tiveram seu preço: foram ignorados por boa parte da crítica, tivera músicas banidas de inúmeras rádio, são boicotados nesses famosos festivais patrocinados por cigarros (por serem abertamente contra o fumo) e chegaram a ser proibidos de entrar nos EUA. Em compensação tocaram (e tocam) em prol de todas as causas justas, possíveis e imagináveis: festivais ecológicos, antidrogas e antirracismo, sendo considerados a maior banda underground da Inglaterra, onde continuam entrincherados, gravando por selos independentes. Aliás, a independência sempre foi a palavra chave para o New Model Army. Afinal, não é justamente para defendê-la que surgem exércitos revolucionários?

Saiba mais sobre o New Model Army

HISTÓRIA - O New Model Army ("Exército de Novo Modelo") foi um novo conceito de organização do exército, introduzido durante a Gherra Civil Inglesa, porOliver Cromwell, seu comandante, membro daCâmara dos Comuns. Era formado pela baixa burguesia e pelos camponeses - diferenciava-se por adotar uma política de promoções baseada no mérito dos combatentes e não no seu nascimento, já que, à época, os militares de alto escalão pertenciam à nobreza - e financiado por um imposto nacional. Com estes fundamentos Cromwell viabilizava a formação de uma carreira militar, um incentivo a homens de famílias humildes a procurarem o exército. O talento de Cromwell e a disciplina de sua cavalaria foram responsáveis pela vitória dos parlamentares na batalha de Marston Moor(1644) e, posteriormente, na batalha de Naseby (1645).

A BANDA – O New Model Army é uma banda de Rock com tendências ao gótico baseada em Bradford, cujos primórdios remontam de 1980, associada de início ao movimento punk e pós-punk, expressos por aquele contexto cultural britânico e com posturas esquerdistas de crítica principalmente a política de submissão e colaboracionista do governo inglês ao estadunidense e outros assuntos como a Guerra das Malvinas.

DISCOGRAFIA DA BANDA

Vengeance Progressive (1984)

No Rest for the Wicked (1985)

The Ghost of Cain (1986)

New Model Army (1987)

Vengeance: The Independent Story Progressive (1987)

Thunder & Consolation (1989)

Impurity (1990)

The Love of Hopeless Causes (1993)

Raw Melody Men (1994)

Big Guitars in Little Europe Wooltown (1995)

Strange Brotherhood (1998)

Eight (2000)

RawMelody Men (2000)

Carnival (2005)

High (2007)

Mitch Mitchell e o Dirty Mac

2009-08-13T16:21:00.003-03:00

O Dirty Mac formou-se especialmente para se apresentar no Rolling Stones Rock and Roll Circus, em 1968.

O grupo nada mais é do que uma super-banda formada por John Lennon nos vocais e guitarra, Eric Clapton na guitarra solo, Mitch Mitchell na bateria e Keith Richards no baixo.

Todos os integrantes são conhecidos pelos seus trabalhos em outros grupos. Talvez o menos conhecido aí (ou menos famoso) é Mitch Mitchel, que foi baterista do Experience, banda que acompanhou Jimi Hendrix.

Clapton, magrinho e meio sem jeito na apresentação, manda um solo de arrepiar na canção Yer Blues. O detalhe é que ele não para de morder a língua. Já Richards tocou mais contra-baixo neste especial do que Bill Wymann na carreira até então.

O lado chato (ou cômico?) foi a apresentação de Whola Lotta Yoko, na voz insuportável de Yoko Ono, com aqueles berros horríveis. Num certo momento surge um cara tocando violino que não sei se ele tenta imitá-la ou se é ela que tenta imitá-lo. O fato é que a soma dos dois sons parece mais uma briga de gato! Aliás, se a japa não fosse quem era, a teriam levado para um manicômio. E aquele violino, teriam enfiado... É melhor deixar para lá. Pior para os músicos, que tinham de fingir que estavam curtindo...

O legal disso tudo é que quando essas coisas são feitas por pessoas como aquelas, qualquer barulhinho vira história. Qualquer fato entra para a história. Uma banda formada num “catadão”, do tipo, “ô, toca bateria pra mim?”, ou “chama o cara lá pra ver se ele segura essa...”, ou ainda “vamos ver o que acontece...”, o Dirty Mac foi para a história da rock, porque reuniu integrantes das maiores bandas do mundo, além de um guitarrista que aparenta gostar desse tipo de aventura musical, além de dispensar comentários.

Saiba mais sobre Mitch Mitchell:

Nome: John Mitchell
Nasceu em Ealing, região oeste de Londres em 09/07/1946. Morreu em Portland, estado de Oregon, Estados Unidos, em 12/11/2008.

Iniciou carreira em 1966 com a banda The Coronets. Depois participou das bandas: Johnny Harris and the Shades, The Pretty Things, Georgie Fame, The Riot Squad, The Jimi Hendrix Expirience, Gypsy Sun and Raimbows, Gypsy Sun Expirience, The Dirty Mac, Ramatan.

Rolling Stones – Uma História de Rock

2009-08-05T11:06:00.010-03:00

A história dos Rolling Stones começou em 1960, quando os amigos Mick Jagger e Keith Richards se juntaram ao baixista Dick Taylor e formaram o grupo Little Boy & The Blue Boys. Ao invés de se ligarem na onda do skiffle, que assolava a Inglaterra, ou em cantores como Elvis Presley e Bill Haley, os amigos ouviam gravações do rhythm’n’blues norte-americano.

Em 1962, os três amigos conheceram Brian Jones. Bastante ligado ao jazz e ao estilo de vida alternativo a esse gênero, Jones era um jovem multi-instrumentista bastante talentoso. No mesmo ano, Jagger, Richards e Jones formaram o The Rolling Stones, com a entrada do baixista Bill Wyman no lugar de Taylor, e do baterista Charlie Watts.

No início ano seguinte, os Stones tornaram-se atração principal doas noites de domingo do consagrado Crawdaddy Club.

O grupo chamou a atenção de Andrew Loog Oldham, um jovem rico que não entendia muito de música, mas queria ser empresário pop. Ele viu nos Stones uma resposta aos Beatles. Enquanto os rapazes e Liverpool eram comportados e bem vestidos, os Stones eram rebeldes e mal-humorados. No mesmo ano, Oldham conseguiu um contrato com a Decca. O grupo lançou o primeiro single, “Come On”, uma cover do Chuck Bery. Seguiram-se “I Wanna Be Your Man”, música da dupla Lennon e McCartney e, no início de 1964, uma regravação de Buddy Holly, “Not Fat Away”. A banda tornou-se conhecida em toda a Inglaterra. A imprensa assegurou o sucesso criando histórias de bastidores e ressaltando a rebeldia do grupo, espacialmente com comentários sobre as roupas displicentes e os cabelos longos e despenteados.

Em 1964, foi lançado o primeiro álbum homônimo dos Rolling Stones. O tão esperado disco, basicamente de covers, como “Route 66” e “Carol”, vendeu 100 mil de cópias antecipadas e pulou para o primeiro lugar nas paradas inglesas.

Após a estreia, o grupo fez sua primeira turnê norte-americana. Eles aproveitaram a oportunidade para gravar “Five By Five” na lendária gravadora Chess, em Chicago. Na ocasião, os Stones conheceram alguns de seus ídolos do blues, como Muddy Waters e Buddy Guy.

De volta à Inglaterra, a banda lançou mais um single número um, “Little Red Rooster”, música de Howlin Wolf. Com a grande popularidade, o empresário da banda decidiu impulsionar a parceria Jagger e Richards. Em 1964, o grupo lançou o primeiro single original. “Tell Me (You’re Coming Back)”, composto pelos dois companheiros, tornou-se o primeiro Top 40 do grupo nos Estados Unidos.

Em 1965, os Stones lançaram seu maior sucesso, “(I Can’t Get No) Satisfection”. Com uma guitarra cheia de distorção fuzz, eles romperam com as raízes do blues e deram início ao som único da banda, com riffs pesados e letras sarcásticas. A música ficou no primeiro lugar na Inglaterra por semanas, e abriu passagem para outros singles de sucesso, como “Get Off My Cloud”, “19 th Nervours Breakdown” e “As Tears Go By”.

O próximo passo era fazer álbuns mais complexos, como os Beatles estavam fazendo. Depois de sessões com LSD e outras drogas em moda na época, os Stones lançaram “Aftermath”, em 1966. O disco contou com o exótico gosto nusical de Brian Jones, que trouxe novos elementos, como um som de cítara em “Paint It Black”. “Between The Buttons”, de 1967, foi um álbum mais pop, mas não alcançou muito sucesso. Nessa época os Stones enfrentaram seus primeiros problemas judiciais.

Em fevereiro de 1967, Jagger e Richards foram presos por porte de drogas e, três meses depois, Brian Jones. Os músicos não ficaram na cadeia, mas tiveram suas vidas exploradas por jornais e revistas. No mesmo ano, Jagger e então sua namorada, Marianne Faithfull, conheceram o guru dos Beatles, Maharishi Mahesh Yogi (mais detalhes no texto abaixo). Influenciados pelo psicodelismo, os Stones lançaram sua resposta ao Sgt Peppers dos Beatles, o álbum “Their Satanic Majesties Request”. A incursão dos Stones ao psicodelismo foi breve.

Em 1968, eles despediram o empresário Andrew L. Oldham e contrataram Allen Klein. A banda voltou ao rock’n’roll mais pesado e sujo. No mesmo ano lançaram “Beggar’s Banquet”, aclamado pela crítica. O álbum foi o último gravado com Brian Jones. Afundado nas drogas, o músico tornou-se isolado e ressentido com o comando de Jagger e Richards.

Em junho de 1969, Jones deixou o grupo, um mês depois, foi encontrado morto na piscina de sua casa, em circunstâncias até hoje misteriosas. Apesar dos problemas, os Stones continuaram com o sucesso por mais de 30 anos. Na metade a década de 70, adotaram mais um guitarrista, Ron Wood. Em 1991, o baixista Bill Wyman deixou a banda, e foi substituído por Darryl Jones.

Uma das bandas mais controversas do planeta, os Stones lançaram mais de 30 álbuns, e continuam fazendo grandes shows em todo o mundo.

Fonte - Rolling Stones – Rock’n’Roll Circus

Maharishi e os Beatles
Em 1967, a Meditação Transcendental atraiu a atenção de George Harrison, que entusiasmado pela leitura de Autobiografia de um Iogue do Paramahansa Yogananda contagiou os outros Beatles com os seus anseios místicosMaharishi não desperdiçou esta oportunidade única de se associar às pessoas mais famosas e populares do seu tempo e de divulgar a MT junto das massas juvenis. Foi o que aconteceu. Em breve, milhares de jovens hippies e de estudantes acorriam aos centros de MT nos Estados Unidos da América e da Grã-Bretanha, para aprenderem a meditar à semelhança dos seus ídolos, os Beatles.

Em 1968, os Beatles viajaram com Maharishi até à sua Academia de Meditação em Rishikesh, nos Himalaias, na companhia de outras celebridades como Mia Farrow, Donovan e Mike Love dos Beach Boys.

Os Beatles relaxaram, meditaram, mas também, ao que parece, consumiram drogas leves, sem o conhecimento de Maharishi. Segundo reza a história, foi um dos períodos mais produtivos de John Lennon, que escrevia várias canções por dia, que mais tarde fariam parte do White Album.

Contudo, teria havido um desentendimento entre os Beatles e Maharishi, por conta de chegar ao conhecimento de Maharishi de que os Beatles estariam tomando drogas dentro de sua Academia de Meditação em Rishikesh o que deixou Maharishi muito incomodado por esta atitude no que resultou na saida dos Beatles da Academia de Meditação. Os Beatles não gostaram de ser repreendidos por Maharishi por estarem tomando drogas onde era suposto seguirem uma rotina dedicada inteiramente para a espiritualidade, quando regressaram da Índia para se justificarem começaram a criar para os média e o publico outras razões porque abandonaram e para ficarem bem perante a opinião publica inventaram calunias como assedio sexual por parte de Maharishi.

Discografia Rolling Stones

1964- England's Newest Hitmakers
1964 - 12 X 5
1965 - The Rolling Stones No.2
1965 - The Rolling Stones, Now!
1965 - Out Of Our Heads
1965 - December's Children (And Everybody's)
1966 - Aftermath
1966 - Got Live if You Want It!
1967 - Between the Buttons
1967 - Flowers
1967 - Their Satanic Majesties Request
1968 - Beggars Banquet
1969 - Let It Bleed
1970 - Get Yer Ya-Ya's Out!
1971 - Sticky Fingers
1972 - Exile on Main St.
1973 - Goats Head Soup
1974 - It's Only Rock'n Roll
1976 - Back and Blue
1977 - Love You Live CD 1
1977 - Love You Live CD 2
1978 - Some Girls
1980 - Emotional Rescue
1981 - Tatoo You
1982 - Still Life
1983 - Undercover
1986 - Dirty Work
1989 - Singles Collection CD 1
1989 - Singles Collection CD 2
1989 - Singles Collection CD 3
1989 - Steel Wheels
1991 - Flashpoint
1994 - Voodoo Lounge
1995 - Stripped
1997 - Bridges to Babylon
1998 - No Security
2005 - A Bigger Bang
2005 - Rarities 1971-2003

Ronaldo, Fenômeno? Que fenômeno?

2009-07-30T12:10:00.002-03:00

A revista Rolling Stone reservou a capa da última edição ao Ronaldo, Fenômeno. E a revista só saiu com duas capas por causa da morte de Michael Jackson, isto é, a mesma edição com duas capas. Não fosse a morte do popstar, a revista teria saído com apenas uma capa, a com Ronaldo

O curioso da matéria é que a revista, na figura dos jornalistas Ricardo Franca Cruz e Marcelo Ferla não conseguiu entrevistar o pretendido entrevistado. Parece estranho, mas os repórteres da revista escreveram a matéria sem ter conseguido, ao menos, um cumprimento do atleta. Na verdade, eles conversaram, sim, com assessores, tanto do clube - no caso o Corinthians - como do próprio jogador, com o presidente do clube, enfim, com um monte de gente que possivelmente pudessem fazê-los chegar ao Ronaldo, mas não foi isso que aconteceu. Na matéria, eles tecem uma narrativa, como se fosse uma aventura, em conseguir falar com o Fenômeno. Entre contato com a assessoria, desencontros de agenda, acho que a frustração foi grande.

A revista, porém, deve ter acreditado que ao manter a capa com Ronaldo, conseguiria a atenção necessária que não conseguira. A morte de Michael Jackson, porém, pode ter atrapalhado nesse sentido, mas, no caso da Rolling Stone, a revista não poderia abrir mão do popstar. A revista ressaltou que “são os fracassos de Ronaldo que o fazem ser compreendido, que lhe dão combustível, que o aproximam dos seres humanos comuns”.

Permito-me discordar da revista. Ronaldo precisava entender que ele é uma pessoa, assim como todos, sujeita a erros e acertos. Ao não conceder uma entrevista à Rolling Stone, ele inverte essa regra. Aceitar um erro e arrepender-se dele é comum. Parece que ele entende isso no seu caso com os travestis (citado na matéria da revista). Ele recorre a ser uma pessoa comum quando os fatos depõem contra ele. Mas quando a revista quis entrevistá-lo, ele não se achou tão comum assim. Ficou evidente que a sua assessoria é interesseira e incompetente. Típico do caso onde a entrada quer ser mais relevante do que o prato principal. Eu só me pergunto se ele e a sua assessoria fariam o mesmo com o Galvão Bueno e a TV Globo. O que você acha?

"db" - O Camaleão do Rock

2009-07-16T11:38:00.016-03:00

Falar sobre David Robert Haywood-Jones parece fácil, mas não é. Um artista britânico que apareceu para a música na primeira metade dos anos 60. Paralelamente a ele, surgiram também, na mesma Inglaterra, The Beatles, The Who, The Rolling Stones, Pink Floyd...

Por que falar de Davy Jones é difícil? Talvez porque ele seja um dos artistas musicais que mais mudou de estilo na carreira. Do rock’n’roll original inglês, característico dos anos 60, Jones passou a ser o fundador do Glam Rock. Essas mudanças lhe renderam o título de Camaleão do Rock. É isso mesmo, estamos falando de David Bowie.

David Bowie nasceu na cidade de Londres, Inglaterra, em 8 de janeiro de 1947. No início da carreira, ainda participou de grupos usando o verdadeiro nome, como Davie Jones and the King Bees (1964) e Davy Jones and The Lower Third (1965), chegando a gravar compactos sem maiores repercussões.

David Bowie nasceu para ocupar um espaço na indústria musical que parecia estar reservado só para ele. Bowie fez nome na cena musical no final dos anos 60 e início dos 70. Em 1969, lançou o singles Space Oddity (a música já havia sido composta em 68 mas decidiu lançá-la em 69 para coincidir com a data da chegada do homem a Lua), que chegou entre as Top 5 nas paradas inglesas.

Na sequência, The Man Who Sold the World (1970), Bowie mostra-se mais agressivo, com uso de guitarras mais pesadas. Em Hunky Dory (1971), o carro chefe do disco fica com a faixa Chances. O disco não teve lá grandes repercussões, mas evidenciou que na carreira dele muitas outras mudanças poderiam acontecer. No entanto, Hunky Dory manteve Bowie nas paradas de sucessos.

O salto inigualável na carreira de Bowie, sem dúvida, foi o disco conceitual The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, que narra a história de um alienígina que aterrissa num mundo predestinado a acabar em cinco anos. Com o álbum, o criador de Ziggy passou a ser considerado definitivamente um Rock Star.

Bowie ainda teve fôlego para criar duas obras primas do catálogo mundial do rock, com os álbuns Aladdin Sane (1973) e Daimond Dogs (1974).

Talvez, a partir deste ponto, Bowie efetivamente, apresente motivos para que a mídia o denominasse de Camaleão do Rock. Em Young American (1975), ele mostra facetas que migram do pop para soul music. Scary Monsters também segue essa tendência, com destaque para a faixa Ashes to Ashes. Na fase Berlim (*), Bowie entra numa etapa ácida, com experimentações musicais alternativas e um tanto quanto sem sentido aparente. Mas mostra o quanto o artista é sensível à mudanças e, também, revelam as pirações alucinógenas que migravam pelas alamedas bowianas..

O fato é que Bavid Bowie é um marco na história da música. Um dos maiores nomes mais importantes da esfera do rock.

Márcio - ART ROCK

Discografia “db”

David Bowie (1966)
Space Oddity (1969)
The Man Who Sold The World (1970)
Hunky Dory (1971)
The Rise Fall of Ziggy Stardust and from Mars (1972)
Aladdin Sane (1973)
Pin Ups (1973)
Diamond Dogs (1974)
Young American (1975)
Station to Station (1976)
(*)Low (1977)
(*)Heroes (1977)
(*)Lodger (1979)
Scary Monsters (and Super Creeps) (1980)
Let’s Dance (1983)
Labyrinth (soundtrack – 1983)Tonight
Tonight (1984)
Never Let Me Down (1987)
Tin Machine ( Bowie with Tin Machine – 1989)
Tin Machine II (1991)
Black Tie White Noise (1993)
The Buddha of Suburbia (1993)
Outside (1995)
Earthling (1997)
Hours (1999)
Heathen (2002)
Reality (2003)

Assista ao vídeo: "Life on Mars"

http://www.youtube.com/watch?v=ueUOTImKp0k

Como a Internet pode destruir o rock?

2009-07-14T17:52:00.007-03:00

Quem conhece a Galeria do Rock já percebeu que quase não existem mais lojas de CDs por lá. A maioria delas atualmente é de roupas e acessórios com temas de rock. Ateliês de pircings e tatuagens também marcam presença. Mas por que a lojas de música estão indo embora?

A Galeria do Rock ganhou esse nome porque conseguia concentrar um grande número de lojas num mesmo local que trabalhavam com discos de vinil, CDs, DVDs de rock. É claro que as camisetas das bandas também fazem parte disso tudo. É normal qualquer um usar uma camiseta da sua banda preferida, e haver lojas que oferecem isso é até recomendável. Mas a Galeria do Rock se tornou só isso, e é esse o problema. O ponto se transformou de musical para moda rockwear. O fato é que centenas de lojistas abandonaram o ramo. Mas é importante observar também que não foi só na Galeria do Rock que isso aconteceu. Nas ruas de toda a cidade também havia lojas de CDs - de gêneros variados -, a grande maioria fechou. As lojas de CDs nas ruas tornaram-se fato raro.

Muitos entendem que a falência do CD enquanto mídia (formato de armazenamento de música) deu lugar aos MP3, 4,5 etc., IPod e outros. Além disso, o preço do CD original sempre foi muito alto, principalmente em relação ao que vem no produto. Geralmente, o CD acompanha um encarte muito mal feito, sem letras das canções, sem fotos, ou seja, muito pobre. Resumindo: paga-se um preço por um produto que não merece o que se paga.

Formato do produto

Na Internet, é possível encontrar quase tudo, de todos os gêneros, sem pagar nada. O fato em questão é que o que se oferece no produto original não é muito diferente daquele baixado via Internet. E isso leva o consumidor a pensar duas vezes antes de pagar por um original. Então, entendo que a crise desse setor é de formado de produto para venda e não de gênero musical. Se o CD fosse vendido com souvenires da banda, book contendo fotos, discografia, letras das músicas, num caixinha maior e mais resistente, uma mídia multimídia contendo chips, vídeos de entrevistas, turnês, etc., o produto CD agregaria muito mais valor e o consumidor estaria comprando um produto diferenciado, um produto que não seria possível via download. Mesmo que o CD continuasse caro, mas o preço seria equivalente ao produto. Quem quisesse apenas as músicas, continuaria servindo-se da Internet. Infelizmente, a indústria fonográfica não pensa assim. Qualidade não é um substantivo muito apreciado por eles.

The Beatles x NX Zero
Outra questão bastante diferente dessa exposta anteriormente, diz relação ao rock como gênero musical. Escrevo isso com a experiência de quem trabalha atrás de balcão de loja de discos. As pessoas que gostam de rock, na essência, são veteranas. Gente que gira em torno dos 40, 50, 60 anos de idade. Isso que dizer que o rock parou de produzir fãs há vários anos, porque as bandas que deveriam fazer esse papel são muito fracas e não têm forças para introduzir algo novo ao rock, tanto no sentido musical como de comportamento. O rock entrou na década de 1990 em coma. Ganhou uma sobrevida com a onda grunge, com o Peal Jam, Alice in Chance, Nirvana, etc. Depois disso, nada.

As bandas que ainda fazem sucesso, tanto de vendas como de popularidade, são as mesmas de 30, 40 anos atrás. Beatles, Led Zeppelin, Rolling Stones, Pink Floyd, Deep Purple, Queen, Black Sabbath, Iron Maidem, etc., são as bandas que realmente deram ao rock a vida que antes não tinha. De lá para cá, o que aconteceu foi um reprocessamento desse mesmo rock que, dele, não tem como tirar mais nada.

Não fosse isso suficiente, gêneros como o Hip Hop, Rap, Black (o funk é um subgênero subpornô sobrescrachado da subindescência nacional), penetraram com muito mais eficiência nas camadas jovens do que o rock. Esses outros gêneros souberam representar, falar a linguagem dos jovens, de modo que conquistaram o apreço desse público. Bandas como Limp Biskit, Coldplay, Radiohead, Link Parking e tantas outras, isto é, bandas que são relativamente consideradas recentes, não tiveram a penetração no público jovem como as bandas das décadas de 60 e 70. Essas “bandinhas” podem sim lotar shows, mas o público é da geração download. Não compra um CD sequer. Quando muito, tem uma camiseta e um pôster (ou um cedezinho pirata). O que dizer de NX Zero, Fresno? Para uma loja de CDs, eles não significam nada. O público que gosta desses caras (nada contra eles) não sabe quem são os Titãs ou a Legião Urbana.

O rock é contestador, é amor, é crítica. Não é gênero de classe dominante. Se antes somente o rock exercia esse papel, agora tem a concorrência de outros gêneros, como Rap, por exemplo. Ainda que com uma linguagem diferente, o Rap transmite sua mensagem e conquista adeptos.

Acredito que tudo neste mundo é cíclico. No mundo da moda muitas coisas vão e voltam. No rock, estamos no fim de um ciclo. E a tendência é que as coisas que hoje estão em transição, ou esquecidas, retornem com a força que a rock merece. Como tudo que é bom prevalece, é natural que aqueles que realmente gostam de música, ao tomarem conhecimento das coisas boas que foram feitas no passado, elas queiram, de alguma forma, reviver ou descobrir aquilo que estava visível o tempo todo, mas que alguma coisa impedia de vê-la.

A loja
A Internet não pode destruir o rock. Quem pode fazer isso são as próprias pessoas. Resta saber se elas querem que isso aconteça. O que as pessoas, junto com a Internet, podem fazer é acabar com as lojas.

Sinceramente, o comércio online pode ser bom para quem reside em lugares distantes e não tem opção. Mas comprar um CD pela Internet é como tirar um pedaçinho da loja real. É acabar com o prazer de estar dentro de uma loja e ver lançamentos, revisitar sons perdidos na memória, encontrar amigos, bater um papo sobre sua banda. É ir além de uma simples compra, e não precisa necessariamente ser sempre uma compra. Pode ser uma visita normal. Transformar a ida a uma loja de CD numa recreação saudável e divertida. Isso faz o roqueiro. Na ART ROCK procuramos resgatar isso. Manter a chama acessa é o nosso maior desafio.

Márcio - ART ROCK

É o que parece mesmo!

2009-06-24T16:27:00.010-03:00

Gostei muito da entrevista de Liam Gallagher, do Oasis, na revista Rolling Stone – nº 33. O cara parece ser muito na dele. É um fresco acima de tudo, mas tem opinião própria e sabe o que fala.

Não sou fã do Oasis, embora eu respeite a banda. Liam demontra ser muito simples nas respostas. Essa simplicidade não é muito comum no meio artístico. Penso que muitos artistas e músicos se fazem de idiota ou agem com indiferença com o público quando estão no auge. Não é o caso de Liam.

O fato é que Gallagher mostra-se ser o que ele é: a alma do Oasis. E realmente é. A seguir, alguns trechos da entrevista. Acompanhe:

Rolling Stone: Cansa ser Liam Gallagher?
Liam Gallagher: De jeito nenhum, cara. Porque eu sou eu, simplesmente eu. É natural. Não fico reclamando disso, então nem dá para me cansar.

E qual é a melhor coisa de ser Liam?
Ser direto, sabe como é? Sem frescuras. Se me perguntam uma coisa, eu respondo. Sem papo furado. É a melhor coisa de ser eu.

Você, como fã de John Lennon, leu a biografia dele escrita pelo Frank Norman?
Eu não leio muito. Ganhei umas dez cópias desse livro no Natal. Mas o único que li sobre o John Lennon foi aquele escrito pela irmã dele(Imagine: Crescendo com Meu Irmão John Lennon). Aquele é bom. Não gosto de ler sobre ele. Gosto da voz, da música. Não quero saber o tamanho do sapato dele, essas coisas não me interessam.

Paul McCartney e Ringo Starr tocaram juntos em Nova York. Você assistiu?
Não.

Muitos se emocionaram com o reencontro dos ex-Beatles.
Talvez. Não eu. Tipo, não eram os Beatles de verdade, sabe?

Se encontrasse John Lennon ao vivo, o que lhe diria?
[Pensa] Não sei, cara. Não curto esse tipo de pergunta porque é fácil dizer bobagens. E, como isso jamais aconteceria, então... sei lá.

E aí, roqueiro, tem alguma coisa para dizer? Comente à vontade!

Muito prazer, ART ROCK!

2009-06-23T22:21:00.012-03:00

Olá, A ART ROCK fica no piso superior da Galeria Nova Barão - Rua Barão de Itapetininga, 37, no Centro de São Paulo. Nas fotos abaixo, você tem uma boa idéia da loja.

Foto 1: A bancada de discos de vinil, onde procuramos manter um repertório bem diversificado.

Foto 2: O painel principal de CDs. Aqui é onde colocamos algumas novidades e lançamentos.

Foto 3: Esta é a fachada externa da loja. Colocamos painéis de CDs e de vinil bem na frente para facilitar a visualização.

Foto 4: Uma visão panorâmica da ART ROCK

Para fazer contato conosco:
(11)3214-2555
art.rock70@yahoo.com.br

O rock acabou

2009-06-17T17:26:00.002-03:00

Fico muito atento às notícias sobre o mercado fonográfico, indústria musical, essa coisa do fim do CD, a volta do vinil e, principalmente, sobre novas tendências no campo da música e o futuro do Rock como gênero musical.

A revista Rolling Stone trouxe recentemente uma importante matéria, de capa, com o U2. E fiquei com a impressão de que os caras da banda já demonstram certa preocupação com o futuro do rock. A própria manchete dessa edição já fazia uma referência a isso.

A questão é: O rock acabou? Qual foi o último grande movimento atrelado ao rock? Muitos dizem que foi o grunge. E se foi isso, já tem cerca de 15 anos! Se considerarmos que o rock, historicamente, sempre esteve atrelado a algum movimento de cunho social, no comportamento da sociedade, na atitude das pessoas, no protesto, etc., então, qual é que é a verve atual?

Elvis imprimiu um visual rebelde e uma dança sensual que levaram muitos a chamá-lo indecente (ou coisa parecida). No início, os Beatles se apresentavam de terninho, cabelinhos cortados, e a mulherada ia ao delírio. No final da década de 60, em especial com Abbey Road (com uma carona em Woodstock e Sargent Pepers), a banda configurava um perfil transgressor, rebelde, com cabelos compridos; e as pessoas usavam cabelos compridos porque eram roqueiras, ou gente considerada “fora-do-eixo”. Hoje, um cara que usa jeans rasgado, desbotado, bota e cabelo comprido é visto como... sertanejo. O que aconteceu?

Led Zeppelin, Pink Floyd, Deep Purple, The Who, e tantas outras bandas fizeram ainda mais sucesso porque a época também ajudou? Se uma banda como The Rolling Stones lança um disco hoje causa o mesmo impacto do que os lançados na belle époque roqueira? As repostas parecem claras. A pergunta é: Por que? Seria o mesmo motivo que impede que Robert Plant faça uma turnê com o Led Zeppelin? Outro ponto: o que o Coldplay acrescenta para o rock? Para os fãs do Coldplay, calma que é só uma pergunta... Talvez, Plant não queira fazer a tal cobiçada (pelos fãs) turnê, porque ele deve ter em mente que o momento do Led Zeppelin já passou! Aquilo não volta mais! Os fãs do Led é uma legião de quarentões, cinqüentões, sessentões que são movidos pelo saudosismo. E basicamente, já compraram tudo da banda. Só isso.

O rock perdeu a força de atrair fãs, adeptos do gênero, porque não há mais criatividade nisso. O rock que vende foi feito nas décadas de 1960 e 1970/75. Depois disso, ninguém quer saber.

Na citada entrevista à Rolling Stone, Bono explicou desta maneira como será o próximo álbum do U2, chamado Songs of Ascent: “ Terá um clima parecido com Kind of Blue (de Miles Davis, de 1959). Ou pode ser que A Love Supreme (1965), de John Coltrane, se torne uma referência, pelo papel que ocupa na vida das pessoas.” Meu amigo, os cara estão mamando em coisas feitas há quase 50 anos!!!

O rock acabou.

Agora é a sua vez. Opine!

Seja bem-vindo

2009-06-15T08:20:00.004-03:00

Seja bem-vindo ao blog da ART ROCK.

Esse é um espaço criado para aproximar nossos amigos em torno do que pensamos sobre música e todos os temas que julgamos ser interessantes e oportunos.

Na loja, é muito comum passarmos horas conversando sobre diversos assuntos, e que poderiam ser compartilhados com outras pessoas. São coisas do dia-a-dia que estão nas manchetes dos jornais ou a tradicional discussão em torno da melhor banda, do melhor disco, da melhor música, etc.

Dividir o que se pensa, debater com as pessoas, é sempre um bom exercício para a mente. Alguém sempre tem alguma coisa boa para nos passar e vice-versa. Ninguém sabe tudo! E com esse blog pretendemos estabelecer uma relação de divulgação do conhecimento, seja lá do que for, mas que seja relevante, que valha a pena ser lido.

Sinta-se à vontade para participar. Se você tem algo a dizer para outras pessoas, escreva e envie para cá.

Você também pode enviar mensagens para: art.rock70@yahoo.com.br

Um Abraço a todos,

Márcio